Performing arts/N°2

• N°2 2025N°2 2025
• RUSIA - PERÚ
• CONOCE

Valery Gergiev: Una vida al servicio de la música.

ENTREVISTA EXCLUSIVA

Esteban Paredes “Primer compositor peruano en el Conservatorio Estatal de Moscúˮ

SADIEL CUENTAS

COMPOSICION Y COMUNIDAD: Reflexiones sobre la independencia cultural en el Perú.

MARIA DIMITRIADIS

ARTES ESCÉNICAS DEL PERÚ: Escenario económico al 2030.

MARIA BEZBORODOVA

TRAS EL TELÓN DEL SILENCIO Por qué la salud psicológica es la principal herramienta de un músico.

RUSIA Y AMÉRICA LATINA

Daria Bozhko y Valeria Tsariova PICREADI Diplomacia Creativa.

Fotografia: Portal Andina.

Fundada en Trujillo/ Perú el 20 de enero del 2025 Propiedad de CASA DUAL

T R U J I L L O , P E R Ú

• Directora
• Edición y redacción
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• Colaboradores
• Maria DimitriadisMaria DimitriadisMaria Dimitriadis
• Diana CastilloDiana CastilloDiana Castillo

Ruben Almir CastroRuben Almir CastroRuben Almir Castro

Maria BezborodovaMaria BezborodovaMaria Bezborodova Sadiel CuencasSadiel CuencasSadiel Cuencas Daría BozhkoDaría BozhkoDaría Bozhko Valeria TsariovaValeria TsariovaValeria Tsariova Maria DimitriadisMaria DimitriadisMaria Dimitriadis

SOBRE LA REVISTA

Dual magazine es la primera revista musical ruso peruana destinada a promocionar a los artistas rusos y peruanos a través del Arte y la Cultura. Asi como fortalecer los lazos de cooperación internacional entre Rusia y América Latina.

T R U J I L L O , P E R Ú

9 5 6 2 4 6 5 1 5 | d u a l m a g a z i n e r e v i s t a @ g m a i l . c o m

D u a l m a g a z i n e e s u n a r e v i s t a m u s i c a l d e C A S A D U A L

@ d u a l m a g a z i n e

«Hermanos. Hay mucho por hacer.»

- Cesar Vallejo.

La revista es uno de los espacios creados en CASA DUAL conmemorando su 3er aniversario. Por éste motivo se ha decidido ofrecer al público una selección de artículos y materiales de exclusividad, destacando la colaboración por invitación a maestros con trayectoria y artistas frecuentes del mundo académico y artístico.

Éstas selectas colaboraciones tienen el fin de promover a nuestros nacionales peruanos y rusos, sus lazos de hermandad con la música y el rescate del Arte en todas sus especialidades y proyectarlas desde nuestra ciudad al Perú y del Perú al mundo. Los invito a disfrutar de éste segundo número.

DIANA CASTILLO

E D I T O R A

ARTICULOS

SADIEL CUENTAS COMPOSICIÓN Y COMUNIDAD: Reflexiones sobre la independencia cultural en el Perú.

MARIA DIMITRIADIS

ARTES ESCÉNICAS DEL PERÚ: Escenario económico al 2030.

MARIA BEZBORODOVA TRAS EL TELÓN DEL SILENCIO: Por qué la salud mental es la principal herramienta de un músico.

C A S A D U A L 3 A Ñ O S

• CONOCEp. 18

VALERY GERGIEV - DIRECTOR DE ORQUESTA Una vida al servicio de la música.

• ENTREVISTA EXCLUSIVAp. 24
• ESTEBAN PAREDES - COMPOSITOR

Primer compositor peruano en ingresar al Conservatorio de Moscú.

• RUSIA Y AMÉRICA LATINAp. 31

DARIA BOZHKO Y VALERIA TSARIOVA - PICREADI DIPLOMACIA CREATIVA.

C A S A D U A L 3 A Ñ O S

C A S A D U A L 3 A Ñ O S

C A S A D U A L 3 A Ñ O S

BIO

Es fundador y director artístico del Festival Musicantes, organizado por el Centro Cultural de la Universidad de Piura. Musicantes es una plataforma dedicada al estreno, difusión y reflexión en torno a la música académica peruana actual. Desde su creación, el festival ha estrenado obras de compositores de diversas regiones del país y ha articulado colaboraciones con instituciones como la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, el Coro Nacional del Perú, la Orquesta Sinfónica del Cusco y la Orquesta Sinfónica de Arequipa, entre otras.

Musicantes se concibe no solo como un espacio de conciertos, sino como un proyecto de democratización cultural, descentralización y formación de públicos.

Paralelamente, Sadiel Cuentas desarrolla una labor docente en composición y análisis, y escribe ensayos y textos académicos sobre música, cultura y procesos de modernización en el Perú, incorporando perspectivas críticas y decoloniales. Su trabajo se caracteriza por una mirada desmitificadora del compositor y por la convicción de que la música académica puede dialogar de manera honesta con la sociedad y sus condiciones materiales.

Reflexiones sobre la independencia cultural en el Perú

La creación artística ocupa un lugar esencial en la vida de una sociedad, aunque nuestros políticos y gobernantes parecen ignorarlo. El arte no solo enriquece nuestras vidas: también nos permite pensar quiénes somos y hacia dónde queremos ir. Independientemente de la posición política de un artista, su obra refleja una visión del mundo, una escala de valores y una forma de entender la vida. La importancia radical del arte reside en que alimenta el diálogo cultural dentro de la sociedad; y este diálogo termina definiendo, con el tiempo, la conducta de los ciudadanos. Las personas actúan en función a sus creencias y valores, que son definidos por su cultura.

Por eso, es importante que los artistas seamos conscientes de los contenidos que incorporamos en nuestro trabajo. Incluso cuando una obra busca únicamente entretener, sigue transmitiendo creencias, actitudes y valores. Toda creación artística comunica una forma de ver el mundo y, en su difusión, afirma o cuestiona aspectos del entorno en el que surge. Toda obra de arte tiene, inevitablemente, un contenido ideológico.

En el caso de los compositores formados dentro de la tradición clásica europea, buena parte de los contenidos de nuestro trabajo proviene de las narrativas de esa tradición. En cualquier conservatorio del mundo el centro del aprendizaje está ocupado por los llamados grandes compositores: aquellos que, en un momento histórico, realizaron aportes decisivos a la tradición clásica y cuya música se presenta como un patrimonio universal.

Esta noción de universalidad tiene consecuencias positivas y negativas. En un conservatorio es un punto de vista que se asume con naturalidad, pero desde fuera los resultados pueden resultar llamativos. Por ejemplo, en un concierto académico en el Perú, raramente hay espacio para la música de compositores peruanos, pues la prioridad institucional es la formación en la interpretación del repertorio de la tradición europea. La música de compositores peruanos se percibe a menudo como algo accesorio, una práctica secundaria frente a la misión de preservar un patrimonio universal. En el marco de una institución concebida bajo la lógica clásica europea, esta exclusión es coherente. Pero el resultado puede ser una comunidad artística enfocada principalmente en la reproducción de un patrimonio cultural extranjero. Esto no es malo por sí mismo, pero deja abierta la pregunta: ¿cómo queremos relacionarnos, como comunidad, con dicho patrimonio?

“En el Perú, en cambio, todavía no terminamos de construir una nación propiamente: siglos de racismo y centralismo han provocado que no haya una ciudadanía que tenga los mismos derechos, y no hay tampoco una república plena en la medida en que las leyes no se aplican de la misma forma para todos los peruanos.”

Los compositores, por nuestra parte, también heredamos la narrativa europea de la historia de la composición, presentada como una sucesión de grandes figuras. En el discurso contemporáneo, los referentes se amplían hacia autores del siglo XX y XXI —Ligeti, Lachenmann, Ferneyhough, entre muchos otros—, cuya influencia llega hoy con inmediatez gracias a las bondades de los medios digitales. Estos compositores, europeos en su mayoría, son fuente de estudio y admiración legítima. Conocer y valorar la moderna tradición clásica es indispensable para un compositor formado en la tradición clásica europea. Sin embargo, la misma pregunta que se planteó en el caso de los intérpretes es válida aquí: ¿Cómo queremos que el Perú se relacione, desde la composición, con este repertorio?

La relación que escojamos tener con la tradición europea tiene importancia. Como se ha dicho, las manifestaciones culturales expresan pensamientos y actitudes; si nuestra relación con la tradición clásica europea se limitase a reproducir modelos extranjeros estaríamos ante una relación asimétrica. Los antecedentes históricos son relevantes también: la sociedad peruana tiene largos antecedentes de centralismo y racismo. Una relación desigual con la tradición europea puede reforzar las posturas discriminatorios que aún existen en sectores de la sociedad peruana.

Puede argumentarse que no estamos ante una tradición exclusivamente europea, sino más bien occidental, que lo occidental es parte integral de nuestra cultura, sobre todo a partir del fenómeno de la globalización. Esto es parcialmente cierto, pero deja de lado nuestra propia historia cultural. Si bien el componente occidental de nuestra cultura es innegable, nuestro país tiene también una historia y contexto propios, que generan diferencias culturales con otros países de la esfera occidental.

Un ejemplo especialmente acotado a la composición musical: Europa tiene un proceso histórico muy diferente del latinoamericano; las dos guerras mundiales dejaron cicatrices profundas. Una consecuencia es que en Europa los nacionalismos pueden ser vistos con desconfianza: el nacionalismo ha sido una de las fuentes de una catástrofe en Europa. En el Perú, en cambio, todavía no terminamos de construir una nación propiamente: siglos de racismo y centralismo han provocado que no haya una ciudadanía que tenga los mismos derechos, y no hay tampoco una república plena en la medida en que las leyes no se aplican de la misma forma para todos los peruanos. Las ideas nacionalistas tienen entonces en el Perú una connotación completamente distinta de la que tienen en Europa, debido a las diferencias en nuestra historia reciente: en el Perú el nacionalismo en la música puede responder a una búsqueda de identidad, mientras que en Europa puede causar justificada desconfianza.

Una relación asimétrica con el patrimonio europeo puede causar también efectos criticables ya no en el terreno ideológico, sino en asuntos prácticos. Tomemos por ejemplo la composición de obras para orquesta sinfónica. El Perú cuenta con cuatro orquestas sinfónicas gestionadas por el Ministerio de Cultura: una en Trujillo, otra en Arequipa, otra en el Cusco y otra en Lima. Pero estas orquestas no cuentan con la misma cantidad de músicos que suelen tener sus pares europeos, salvo en el caso de la Orquesta Sinfónica Nacional, que se encuentra ubicada en Lima. Por esta condición, las orquestas fuera de Lima enfrentan dificultades para tocar obras de gran formato orquestal, como por ejemplo las sinfonías de Mahler, pues tendrían que destinar recursos económicos a la contratación de músicos extras. Esto, por supuesto, es una manifestación más del centralismo al que nos referíamos antes, y es una circunstancia que debería ser solucionada por el Estado Peruano lo antes posible. Los ciudadanos de Trujillo, Arequipa y Cusco tienen derecho a la misma oferta cultural a la que se tiene acceso en Lima.

La relación con el patrimonio europeo influye también en la manera de escribir música de cámara. A veces la elección de instrumentos responde al interés por explorar nuevos timbres a partir de combinaciones poco habituales, como por ejemplo un trío de guitarra, flauta y acordeón. Este tipo de agrupaciones es común en la composición contemporánea europea y, probablemente, inspira prácticas similares en nuestro medio. La diferencia es que en Europa existen ensambles de música contemporánea estables, con sueldos asegurados y apoyo de una maquinaria estatal, capaces de ofrecer recitales con diversas formaciones sin mayores dificultades logísticas. En el Perú no hay conjuntos de ese tipo. Es posible reunir músicos para un solo concierto, pero la organización de grupos numerosos resulta compleja, y, tratándose de combinaciones poco comunes, la obra difícilmente volverá a interpretarse.

¿Cómo se relacionan los compositores peruanos con esta circunstancia? Aparentemente, la ignoran. Es decir, cuando un compositor peruano escribe una obra para orquesta sinfónica, no está pensando en las orquestas que existen en el Perú: está pensado en las grandes orquestas europeas que se usan en las obras canónicas que conoce y admira. Esto produce generalmente obras que solo podrían ser tocadas por la Orquesta Sinfónica Nacional, que es casi imposible interpretar por las otras orquestas del Perú.

Se puede hablar inclusive de complicaciones en el terreno de la escritura instrumental. Esta es un área más sensible, porque toca de manera más directa la estética personal del compositor, pero no se debe evadir. Sin perjuicio de la libertad creativa de cualquier artista, algunas decisiones en composición tienen efectos en el desarrollo de música contemporánea desde una perspectiva comunitaria. Existen en nuestro medio partituras que parecen dirigidas a un intérprete altamente especializado en la ejecución de música contemporánea vanguardista. No tenemos en el Perú intérpretes de esa especialización, lo que implica que una partitura con una escritura instrumental especializada puede demandar muchas horas de estudio. Este es un aspecto que puede afectar seriamente la gestión de un concierto, sobre todo cuando ese tipo de escritura se presenta en más de una obra. El resultado, en el peor de los casos, es un conjunto de instrumentistas que no querrán volver a participar en un concierto de música contemporánea. A veces, esto se puede evitar con cambios en la escritura instrumental muy sencillos, sin necesidad de sacrificar convicciones estéticas personales.

Hasta este punto hemos delineado algunos de los efectos que puede tener una relación cultural asimétrica con la tradición clásica europea. Si bien empezamos refiriéndonos al trabajo de los compositores, puede notarse que todo lo que se dice aquí se refiere en realidad al aspecto comunitario de la composición: los compositores no viven en un vacío, sus carreras se desarrollan en diálogo directo con los instrumentistas y con el público. Un enfoque que incluya los aspectos comunitarios ayuda a identificar problemas que no son visibles cuando se piensa sólo desde las necesidades de un compositor.

Las soluciones a la problemática explorada pueden ser evidentes, aunque no necesariamente son sencillas. A nivel institucional, es necesario que los centros de formación musical que operan dentro de la tradición clásica europea desarrollen espacios dedicados a la música de los compositores peruanos. No se pretende que las instituciones de formación musical hagan cambios radicales que cambien por completo su identidad, pero sí es necesario promover una relación equitativa entre nuestra cultura y la cultura de otros países. La Universidad Nacional de Música ha dado un paso importante al acoger el festival Sinapsis dentro de su programación anual. Es importante que otros centros de formación a lo largo del país asuman compromisos similares.

Las soluciones a la problemática explorada pueden ser evidentes, aunque no necesariamente son sencillas. A nivel institucional, es necesario que los centros de formación musical que operan dentro de la tradición clásica europea desarrollen espacios dedicados a la música de los compositores peruanos. No se pretende que las instituciones de formación musical hagan cambios radicales que cambien por completo su identidad, pero sí es necesario promover una relación equitativa entre nuestra cultura y la cultura de otros países. La Universidad Nacional de Música ha dado un paso importante al acoger el festival Sinapsis dentro de su programación anual. Es importante que otros centros de formación a lo largo del país asuman compromisos similares

Una posible opción es construir una escena musical más independiente de los modelos europeos. Esto no implica un divorcio con la cultura occidental, sino partir de nuestras propias condiciones para crear sobre esa base. Desde ciertas perspectivas vanguardistas esto podría interpretarse como un retroceso, pero esa idea es errónea. La visión evolucionista de la cultura —según la cual algunas manifestaciones corresponden a etapas “superiores” de desarrollo— no se ajusta a una concepción moderna de la sociedad. Pero incluso dentro de una narrativa vanguardista, es posible alcanzar mayor independencia aprovechando recursos tímbricos y expresivos que la tradición europea no posee. Este camino ha sido explorado, entre otros, por Cergio Prudencio.

El espectro de posibilidades, entre las opciones más experimentales y las más tradicionales, es vasto. La diferencia con la situación actual radica en que, al considerar los aspectos comunitarios —las características de nuestra comunidad musical y las expectativas de nuestro entorno—, la creación artística puede generar sinergias mucho más poderosas. Un recital de música contemporánea en el que los intérpretes se sientan cómodos y estimulados por las partituras, y el público se perciba intrigado y representado, produce el efecto contrario a aquel en que ambos se sienten ajenos. En este tipo de experiencias reside un enorme potencial. El desarrollo de la música contemporánea en el Perú no depende de que el Estado Peruano, de un día para otro, reconozca el verdadero valor del arte; depende, ante todo, de las decisiones y acciones de los propios actores de la comunidad musical contemporánea. Tal vez sea allí donde puedan originarse los cambios estructurales que nos conduzcan, finalmente, hacia la escena vibrante y sólida a la que todos aspiramos. Vale la pena considerarlo.

3 años

BIO

Nació en Trujillo, Perú en el año 1991. Estudió música graduándose en la especialidad de canto por el Conservatorio Carlos Valderrama. Considerada como joven líder de América Latina 2023 por la agencia rusa de diplomacia e industrias creativas PICREADI en Moscú. Es fundadora y directora artística del primer centro artístico ruso peruano y de la primera revista musical ruso peruana dual magazine. Actualmente se dedica a la crítica musical y a la dirección de orquesta.

Escenario Económico al 2030

Cuando hablamos de Perú, nos referimos a cultura, tradición, gastronomía, historia y humanidad. La calidez de un pueblo lleno carisma y soberanía que poco a poco se ha ido posicionando en el mundo, es hoy por hoy -al finreconocido como uno de los países más importantes de Latinoamérica y del mundo. Un hecho que nos atribuye con honor y con justa denominación la labor de uno de los chefs más prominentes y aplaudibles, “Gastón Acurio”, quien vislumbró por aquellos jóvenes años parisinos un boom gastronómico llamado Perú. Gastón vio algo que pocos se atrevieron a ver, él logró hacer lo que, hasta ese momento, era algo imposible, la unidad entre los pueblos.

Todos los sectores gastronómicos, desde el carretillero ambulante hasta el más grande chef de un fino restaurante, trabajaron en conjunto para impulsar las bondades de nuestra tierra y las manos que trabajaban en ella. Es así, que la gastronomía, poco a poco, fue posicionándose como el principal escenario económico de nuestro país. ¿Por qué inicio este artículo hablando de nuestra gastronomía y de la visión de uno de los chefs más importantes del mundo? Pues la razón es simple, porque cuando hablamos de gastronomía, hablamos de rentabilidad económica. Lo mismo que cuando se habla de Arte y Cultura, hablamos de empleabilidad artística y de activación de un sector en potencia con miras a tener los índices más altos de economía hacia el año 2030 según “El fórum económico mundial”, este es, las Artes Escénicas. Espacio en el que China (actual líder económico) ha apostado con su gran National Centre of the Performing Arts situada en Beijing, cuya estructura se divide por lo tradicional y europeo, haciendo énfasis en la revaloración de lo nacional.

La estrategia que han manejado para la accesibilidad directa con los jóvenes es una tema de actualidad, la cual, está ligada con la era moderna y sus recursos potencias como la IA. A pesar que, esta herramienta aún es tema de debate en muchos sectores del Arte, para ellos, utilizarla de la manera idónea para atraer al público joven los está llevando a posicionarse como principales agentes de difusión del Arte Chino. A su vez, las exposiciones de sus artistas nacionales y el folklore chino a través de recitales y óperas han abierto espacio a la comercialización de esta industria con países como Rusia o Arabia Saudita y actualmente, han abierto un espacio para sus relaciones comerciales en el sector del Arte, con países de América Latina.

En el Perú, existe un trabajo de profunda investigación y de pasión por exponer a nuestro país como uno de los escenarios más importantes y vigentes de la historia de Latinoamérica. Mas de 400 obras dedicadas a las Artes escénicas, titulada “El Perú y las Artes Escénicas”. El trabajo, muestra a autores nacionales y extranjeros, entre letristas, coreógrafos y compositores rindiéndose ante nuestra cultura y nuestra música ancestral, clásica y contemporánea. La imagen del INTI, la grandiosidad de la cultura inca y el despertar de unos jóvenes peruanos como Daniel Alomía Robles y Theodoro Valcárcel, nos posicionaban como una de las civilizaciones musicales más importantes del siglo XIX.

El trabajo por aquel tiempo era arduo. Las compañías trabajaban en varias ciudades del país y otras tantas extranjeras en sus salas privadas, de teatro y de ópera. La necesidad de hacerlas notar era enriquecedora, el público nacional y sobre todo, extranjero, amaban lo exótico y las nuevas formas musicales que ellos tomaban como principio de descubrimiento, elevaban su curiosidad y fortalecían su oído artístico.

Al leer con detenimiento el listado de obras, la descripción, los colaboradores, compositores, investigadores y músicos, apreciamos distintas versiones de un mismo tema. La labor investigativa de algunos profesionales de la música y de la cultura, nos anunciaban distintas historias. “El rescate del inca”, por ejemplo, nos narra sobre el inca Atahualpa desde una visión nacional. Sin embargo; para otros autores nacionales y extranjeros, la historia no transcurría así. -sin ahondar mucho en el tema histórico quiero rescatar solamente las distintas posibilidades que se obtienen cuando se decide hablar de varia hipótesis respecto a una sola historia- El resultado, como vemos, es una infinidad de puestas en escenas partiendo solo de una premisa. Desde aquí tenemos no una sino 5 o más obras, narrando al mismo inca y su rescate desde otros puntos de visión investigativa.

El aumento de obras de teatro, óperas y música coreográfica, son variables importantes dentro de las Artes Escénicas del país. Sin ellas, no se puede crear espacios ni mucho menos programaciones de acorde a los estándares que demanda todo nuestro material escénico. La falta de conocimiento actual en las personalidades designadas en llevar esta labor está solo en planificaciones de lo que creen es rentable. Error, un grave error pensar solo en un sector como medio y error más cuando se contrata o designa personal que no conoce sobre este rubro.

El aumento de obras de teatro, óperas y música coreográfica, son variables importantes dentro de las Artes Escénicas del país. Sin ellas, no se puede crear espacios ni mucho menos programaciones de acorde a los estándares que demanda todo nuestro material escénico. La falta de conocimiento actual en las personalidades designadas en llevar esta labor está solo en planificaciones de lo que creen es rentable. Error, un grave error pensar solo en un sector como medio y error más cuando se contrata o designa personal que no conoce sobre este rubro.

Haciendo una prueba de la falta de conocimiento, podemos hacernos la siguiente pregunta: ¿Qué compositor es considerado el Stravinsky peruano? Si se sabe la respuesta entonces el camino es correcto, si no, entonces es un deber reforzar o alejarse de este sector y dar espacio para quienes sí. La respuesta es Theodoro Valcárcel Caballero, para el gran compositor, investigador musical y director de orquesta ruso Nikolai Slonimsky, nuestro compositor moderno indigenista era el único que había elevado, hasta ese entonces, todo el materia escénico cultural peruano a través de su ballet coreográfico “Suray Surita”. Su rescate nacional y rítmico de los Andes peruanos, elevaban su trabajo conjunto, llegando así a forjar la gran música coreográfica, aquella que hoy está en dormida.

Vayamos un poco más al movimiento nacionalista, citemos ahora a Daniel Alomía Robles con su obra de teatro “Todos somos cóndores”, aquí demuestra la historia de la división, el surgimiento de la no identificación del indígena, de la confusión de la raza y de la nacionalidad robada. A la par, el maestro Daniel expone a través de pequeñas arias, que cantadas por personajes secundarios, el llanto y desconsuelo de la realidad del trabajo de la mita, el abuso de los españoles para con las mujeres indígenas y el producto de hijos mestizos. Un Perú dividido y de traiciones mutuas, es un tema ya sociológico que todos, desde los más jóvenes debemos apreciar. Con esta puesta, se comprendería al Perú actual y se refundaría toda nuestra identidad. Esto es; por supuesto, todo lo que expone el Arte.

Si bien los programas actuales de ópera y algunas presentaciones del folklore nacional son puestas en escena, no son mostradas con suficiente criterio y la censura a muchas obras como esta que acabo de mencionar, son retiradas. Pero ¿qué hay de las otras? Si no se conoce sobre los términos musicales, menos se podrá agendar con criterio cada obra que es necesaria para la rentabilidad y muestra de nuestras compañías

En palabras del maestro peruano Dante Valdez (compositor y director de orquesta), se necesita con urgencia la creación de una Ópera Nacional o centro especializado para toda esta labor. He aquí un avance enorme dentro de la cultura peruana, ya que es el Estado el encargado de brindar los presupuestos para todo lo necesario tal como lo hace China o Arabia Saudita, quien también ha estrenado su centro en el año 2023.

Aprender, organizar las estructuras y conversar sobre este gran avance debe estar dentro de las planificaciones del estado peruano, para así cumplir con la agenda 2030 del foro económico mundial en relación con el Arte y la Cultura, un foco importante para muchos economistas e inversionistas de Arte, quienes vienen apostando por el material artístico de Euro Asia, Oriente y a espera de lo que mostrará América Latina.

Posicionarnos como foco económico y de rentabilidad generará, sin lugar a duda, más cultura, la ansiada identidad y la esperada empleabilidad artística (este último, quizá uno de los factores más importantes dentro del mundo de las Artes). Las relaciones de promoción y de cooperación internacional con países líderes en estos sectores nos otorgará el espacio adecuado para generar más empleo y por ende más unidad. Trabajar juntos por el mismo fin, nos permite encontrarnos con nuestra raíces y caminar como herederos de esta tierra y fundadores de próximas generaciones artísticas y culturales.

Al igual que la gastronomía, todos los artistas debemos fomentar la unidad, y eso es respetándonos y tratándonos como hermanos dentro de los sectores del Arte. El músico de la calle debe ser igual de respetado que el erudito y juntos, construir y transformar nuestro país que es pionero en Artes Escénicas en toda América Latina y el mundo.

BIO

Estudiante de psicología de la Universidad Estatal Rusa de humanidades - Instituto de Psicología, Maria trabaja en conjunto con los grupos de la Universidad en San Petersburgo y actualmente se dedica a la atención en consultorio de su ciudad.

Por qué la salud mental es la principal herramienta de un músico

Cuando pensamos en un músico, nos vienen a la mente escenarios brillantes, fuertes ovaciones y la magia de la creatividad. Pero detrás de esa fachada a menudo se esconde un mundo lleno de ansiedad, autocrítica y agotamiento. La alta presión, el perfeccionismo, la vida pública y los horarios inestables convierten a los músicos en uno de los grupos profesionales más vulnerables. Para ellos, la salud psicológica no es solo una palabra de moda, sino un componente fundamental para la maestría y la longevidad en la profesión.

Los desafíos únicos de la profesión

La música no es simplemente un trabajo, es una vocación vinculada a una profunda entrega emocional. Precisamente esta sensibilidad se convierte a la vez en el mayor don y en el principal punto de vulnerabilidad. ¿A qué desafíos se enfrentan los músicos?

Nerviosismo escénico y ansiedad: Antes de cada actuación, el cuerpo experimenta un mini-estrés. Pero cuando los nervios paralizan, las manos tiemblan y la boca se seca, esto puede arruinar años de trabajo.

Síndrome del impostor: La crítica constante (de profesores, productores, el público) genera un crítico interno que susurra: "No eres lo suficientemente bueno". El músico empieza a creer que su éxito es un golpe de suerte, y no el resultado merecido de su esfuerzo.

Desgaste profesional (burnout): Los ensayos monótonos, las giras y la necesidad de estar constantemente "en forma" y generar ideas agotan los recursos emocionales. Problemas de identidad: "Yo soy mi música". Cuando la creación se entrelaza con la personalidad, cualquier fracaso profesional (una audición fallida, una reseña negativa) se percibe como una catástrofe personal.

"Estamos sometidos a una fuerte presión externa: una competencia feroz, la necesidad de estar constantemente en demanda y de cumplir con las expectativas de los demás. En una atmósfera así, muchos músicos caen en la ansiedad o la depresión. Lamentablemente, estos problemas se han vuelto tan comunes en el mundo del arte que casi podrían considerarse riesgos laborales. Pero, a diferencia de una lesión física, de los problemas psicológicos a menudo se guarda silencio, considerándolos algo vergonzoso".

La terapia como afinar el instrumento interior:

La psicoterapia ofrece a los músicos no solo "desahogarse", sino herramientas concretas para trabajar con estos desafíos. Veamos algunos ejemplos.

Ejemplo 1: Terapia cognitivo-conductual (TCC) en la lucha contra los nervios escénicos

Problema: Elisa, una joven violinista, comenzó a sufrir ataques de pánico un mes antes de una competencia importante. Pensamientos como "voy a olvidar las notas", "se reirán de mí", le impedían ensayar.

Trabajo en terapia:

1. Identificación de pensamientos automáticos: El terapeuta ayudó a Elisa a rastrear y anotar esos pensamientos catastróficos que desencadenaban la ansiedad.

2. Reestructuración cognitiva: Juntos investigaron esos pensamientos. "¿Qué dice tu experiencia? ¿Realmente alguna vez olvidaste todas las notas?" Elisa se dio cuenta de que sus pensamientos eran exagerados y no se correspondían con la realidad.

3. Técnicas de relajación: El terapeuta le enseñó técnicas de respiración diafragmática y relajación muscular progresiva, que Elisa utilizaba entre bastidores antes de salir.

4. Desensibilización sistemática: Elisa se imaginaba gradualmente la actuación, desde el momento de despertarse por la mañana hasta el propio concierto, aprendiendo a detener la ansiedad en cada etapa.

Resultado: En la competencia, Elisa pudo reconocer el nerviosismo, pero no permitió que la controlara. Lo percibió como una fuente de energía, no de parálisis, y actuó con éxito.

Ejemplo 2: Terapia de Aceptación y Compromiso (ACT) para el síndrome del impostor Problema: Alex, un conocido pianista de jazz, a pesar de su éxito, vivía con un miedo constante al "descubrimiento". Atribuía su éxito a la suerte, y cada pequeño error lo consideraba una prueba de su incompetencia.

Trabajo en terapia:

1. Aceptación de los pensamientos: El terapeuta le explicó a Alex que los pensamientos son simplemente palabras e imágenes en la mente, no una verdad objetiva. En lugar de luchar contra el pensamiento "soy un impostor", Alex aprendió a decirse: "Noto que tengo el pensamiento de que soy un impostor". 2. Conexión con los valores: El terapeuta preguntó: "¿Qué es importante para ti en la música? ¿Qué quieres transmitir a la gente?". Alex habló de libertad, improvisación y diálogo con el público. Esos eran sus valores profundos.

3. Acción comprometida: En lugar de ceder a los pensamientos y cancelar actuaciones, Alex comenzó a actuar de acuerdo con sus valores. Iba a jam sessions, incluso cuando tenía miedo, porque era una manifestación de su valor: la comunicación musical.

Resultado: Alex no se deshizo por completo de los pensamientos de impostor, pero dejó de creer en ellos. Se convirtieron simplemente en ruido de fondo que no le impedía crear y tocar.

Ejemplo 3: Arteterapia para el desgaste profesional y la búsqueda de un nuevo lenguaje

Problema: Elena, compositora y arreglista, se enfrentó a una crisis creativa. La música se había convertido para ella en una rutina, una fuente de ingresos, pero no de alegría. Sentía vacío y agotamiento.

Trabajo en terapia:

El terapeuta le propuso a Elena no hablar de la música, sino... dibujarla. Con pinturas, arcilla y collages, Elena comenzó a expresar su estado: manchas grises de agotamiento, líneas espinosas de irritación y, luego, los primeros destellos de colores brillantes.

Resultado: Este método no verbal permitió a Elena "sortear" al crítico interno y conectar con emociones para las que no tenía palabras. Al volver al instrumento, comenzó a experimentar con el sonido no como una profesional, sino como un niño que juega con pinturas. Esto le ayudó a redescubrir la alegría de crear.

CONOCECONOCE

Foto: Filarmónica de Viena.

“La música ha de ser servicio, no exhibición” Valery Gergiev.

Por: Diana Castillo

“La música ha de ser servicio, no exhibición” Es la frase más famosa del compositor de orquesta ruso Valery Abisalovich Gergiev. Nacido en Moscú y de padres de orígenes osetios en el norte de Rusia, el Causaco. Es considerado hoy, como uno de los directores vivos con mayor prestigio dentro y fuera de Rusia.

Amado, respetado y cuestionado, Valery Gergiev se muestra firme en su defensa por el servicio a la música y al amor por su país. Ha construido su carrera en base a valores y disciplina musical que hoy por hoy, se siente en cada interpretación que nos brinda junto a la orquesta del teatro Mariinsky en San Petersburgo.

Comenzó a estudiar piano desde la escuela secundaria, para después viajar al antiguo Leningrado para estudiar en el Conservatorio de San Petersburgo, hoy llamado Rimsky Korsakov. En aquel lugar aprendió y perfeccionó su arte, lo que lo llevó, siendo aun adolescente, a estudiar dirección de orquesta con el gran maestro de dirección Ilya Musin.

Nuevo estilo interpretativo

De las manos a la batuta y de la batuta a unos minúsculos palillos que usa, por algunas ocasiones, para dirigir una orquesta. El mundo de la dirección cambió. Un nuevo estilo se observa cada vez que salía al escenario. El público europeo abarrotaba los teatros solo para verlo y estudiantes de dirección de muchas escuelas asistían presurosos para observar sus gestos al momento de dirigir. El Valery Gergiev de joven estaba quedando a tras y un nuevo estilo alumbraba por primera vez en el mundo de la dirección de orquesta.

Pues, más aún, los directores de orquesta manejan grandes obras y sus interpretaciones son de calidad. Los gestos de la escuela siempre son a mano y con batuta, pero déjenme decirles desde mi punto crítico, que los rusos, en lo que respecta a dirigir con las manos, son pioneros y eso es en parte a su escuela.

Dos de los mejores directores rusos se encontraban en pleno auge, Yuri Temirkanov, quien era el modelo a seguir de Gergiev, reforzaba con firmeza el poderío de la escuela rusa en múltiples presentaciones. El movimiento y ritmo bien marcado, típico de la enseñanza de Ilya Musin, los caracterizaban como los defensores del estilo a mano. Si bien, Temirkanov usaba todo el brazo, Gergiev exploraba solo las manos con ligeros y rápidos giros circulares para marcar el tempo. Dos versiones distintas y hoy, escuelas ya en formación. Su forma de dirigir ha madurado y su gesto musical ya es una referencia para muchos jóvenes de dirección en Rusia como el ganador del Concurso Rachmaninov (2022) Gurgen Petrosyan, quien al estilo Gerviev, está desarrollando toda su carrera.

Amor y lealtad al pueblo ruso

Ya consolidado, Valery Gergiev debe tomar, quizá, la decisión más difícil de toda su carrera. La guerra entre Rusia y Ucrania (2022) y el intento fallido de la Unión Europea de presionar a los artistas rusos, se hizo notar. Muchos artistas rusos fueron vetados y artistas de talla mundial como Anna Netrebko, Ildar Abdrazakov, Yuri Temirkanov, Valery Gergiev, entre otros, fueron obligados a elegir y ponerse en contra de su país si se quería seguir haciendo carrera en Europa. Las presiones no solo cayeron sobre ellos sino también, sobre los compositores que ya no estaban con nosotros. Estaba prohibido tocar algo ruso, esa era la orden.

El mundo tomó diferentes posiciones, muchos miembros del Arte estuvieron en contra de la censura y otros se mantuvieron al margen. El Metropolitan Opera clausuró la temporada donde participaba Anna Netrebko, a pesar de haber estado en ensayos. Esto llevó a grandes cuestionamientos de parte del público que esperaba con ansias las presentaciones de la diva del siglo XXI. Por otro lado, Valery Gergiev, fue principalmente el objetivo, ya que antes del conflicto mostraba mucha cercanía y aprecio por el presidente Vladimir Putin y esto no agradaba a ninguna compañía europea. Los teatros eran manipulados por la UE y la política tocaba al Arte para presionar a todo un país.

Sin pensarlo más, Valery Gergiev elige Rusia y desde ese momento, Europa le cerró las puertas. Pese a todo el boicot político hacia el pueblo ruso, los artistas fueron creciendo en presentaciones y el mundo comenzó a pedirlos. Hoy en día, los teatros han bajado la guardia y los artistas están de nuevo en escena. Aún y con el terreno ganado, el maestro Valery sigue siendo cuestionado y ya, poco a poco esta teniendo presentaciones con la orquesta del teatro Mariinsky en países aliados de Rusia como China o Arabia Saudita. Hace poco Italia fue centro de atención por extenderle una invitación a una de sus temporadas, pero la avalancha de movimientos opositores al Kremlin comenzó a levantar protestas para que no pise suelo europeo.

A pesar de toda la crítica, Gergiev se mantiene vigente, siendo así una leyenda de la dirección de orquesta, no solo por su forma de dirigir sino por todo el movimiento político que levantó y que lo hizo aún más popular.

Hoy Valery Gergiev tiene 72 años y dirige a la orquesta del teatro Mariinksy. Su lealtad al régimen sigue intacta y su servicio a levantar la escuela rusa, igual. Su vitalidad a la hora de dirigir sigue vigente, tal como se apreció en el festival de Salzburgo (2005) dirigiendo a la Filarmónica de Viena con Scheherazade. Una orquesta que a mi modo de crítica supera a la Filarmónica de Berlín en sonido y calidad de instrumentos. Un Gergiev joven, pero estilístico. Un Gergiev, hoy mayor, pero con la convicción de haber elegido el camino correcto.

El maestro hoy se encuentra en San Petersburgo, ciudad a la que le debe mucho. Su carrera despegó ahí, su amor por la dirección despertó en aquella escuela formada por Ilya Musin y que a la fecha, sigue formando a grandes promesas de la dirección de orquesta.

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“Me siento peruano formándome en la tradición rusa, y eso no es una contradicción, es una fortuna. Rusia me está dando el rigor y la técnica; el Perú me da la inspiración y el alma.” Esteban Paredes

“Lo grita fuerte Esteban Paredes; considerado el primer compositor peruano en ingresar al Conservatorio Estatal de Moscú. De raíces huanuqueñas y huancavelicanas. Esta joven promesa nos responde con claridad y nacionalismo sobre lo que significa la música peruana para él y como Rusia se convirtió en la clave para desarrollar todo nuestro material musical peruano.

Por: Maria Dimitriadis

Esteban, un placer poder conversar contigo, eres considerado el primer compositor peruano en estudiar música en el Conservatorio Piotr Ilich Tchaikovski más conocido como el Conservatorio Estatal de Moscú. Cuéntanos más sobre esto. Qué edad tienes y cuál fue el motivo que te llevó a postular en Moscú y no en otra ciudad como Sant Petersburgo, por ejemplo, que es otra importante sede en enseñanza musical.

Un saludo. Tengo 21 años y sí, actualmente estudio composición en el Conservatorio Estatal de Moscú. La idea de estudiar aquí nació hace tres años, cuando aún era estudiante en la Universidad Nacional de Música en Perú. Es cierto que no muchos músicos peruanos llegan a Rusia para estudiar, y en el Conservatorio de Moscú soy el primer compositor peruano que ha llegado hasta acá. Viendo el prestigio y la dificultad de la institución, podría haber sido algo desalentador, pero tuve la fortuna de tener como maestro en Perú al gran director y compositor Dante Valdez, arequipeño, quien estudió en el Conservatorio Estatal de San Petersburgo. Tener de tutor a alguien que, como yo, nació en Perú y logró estudiar allá me demostró que llegar a los mejores conservatorios del mundo no era imposible, siempre y cuando hubiera constancia y buena planificación.

¿Por qué elegí Moscú y no San Petersburgo donde estudió mi maestro? Para mí, desde hace tres años, siempre hubo una sola opción: estudiar en la misma institución donde se formó el compositor que más me ha influenciado, Alexander Scriabin y vivir la tradición viva de los grandes maestros rusos que pasaron por ahí. Ese fue mi único objetivo. Y gracias a Dios y al apoyo de amigos, familiares y hermanos peruanos que creyeron en mí, esto fue posible. Sin ellos, nada de esto hubiera sido realidad.

“El Perú es una mina de oro para cualquier artista: la diversidad de culturas, danzas, tradiciones... es inagotable. Ese es mi hogar, mi raíz, lo que me define como compositor.”

He leído y escuchado tus composiciones. El rescate del folclore peruano en muchas de tus obras, su relación con los tratados rusos y un balance estructural que solo tú has podido imaginar y crear, han llamado de sobre manera mi atención ¿Es acaso esa tu misión musical para con el Perú? ¿Crees que has originado una nueva escuela musical haciendo esta fusión?

Siempre he creído que nací peruano por algo. Mi padre es huanuqueño y mi familia materna es de Huancavelica. Podría haberme quejado de mi "mala suerte" y preguntarme por qué no nací en Rusia o Europa, pero el hecho de haber nacido en Perú lo veo como un privilegio. Solo con abrazar las culturas de mi padre y mi madre ya tengo una tradición inmensa: cantidades de ideas, recuerdos y elementos que se transforman naturalmente en música. Me siento muy orgulloso de ser peruano. Las diferentes danzas autóctonas, rituales y tradiciones de este país tan diverso me llenan de inspiración infinita. Nunca me alcanzará la vida para conocer la totalidad de la riqueza cultural peruana.

Mi misión musical es justamente eso: crear un repertorio de música peruana de altísima calidad técnica y virtuosismo, aplicando el rigor compositivo de la escuela rusa a nuestra tradición. No se trata solo de trabajar con las danzas más famosas que ya están algo explotadas, sino de explorar toda esa diversidad y llevarla a un nivel académico que no tenga nada que envidiarle a la música europea. De hecho, uno de mis primeros estilos propios es el "Simbolismo Andino", que nació de mi fascinación por el compositor ruso Scriabin y su estética simbolista. Quería plasmar musicalmente cómo sonaría esa corriente si fuese andina, peruana. Fue justamente con obras de este estilo que logré ingresar al Conservatorio de Moscú.

Ahora, ¿he creado una nueva escuela musical? Considero que, a pesar de estar en una institución tan prestigiosa, no dejo de ser un estudiante. Tengo muchísimos planes por delante y aún me queda mucho por aprender, no solo de la escuela rusa sino también de la música peruana, que es tan vasta. Hablar de haber 'creado una escuela' sería prematuro. Lo que sí puedo decir es que tengo un enfoque muy claro, y si en el futuro otros compositores se suman a esta visión, sería un honor construir algo juntos. Por ahora, estoy enfocado en desarrollarme al máximo y, a través de iniciativas como Prometeo —mi proyecto donde comparto mis ideas y ofrezco asesorías en composición— ayudar a quienes tienen objetivos similares.

La escuela rusa es una de las escuelas de formación musical más importantes del mundo, por no decir la mejor, ¿que tanto ha cambiado tu percepción como compositor peruano cuando has podido estudiar y analizar todas estas formas musicales?

Yo considero que es de las mejores escuelas de formación musical del mundo. La cantidad de tratados y conocimiento acumulado es impresionante, y lamentablemente muchos de estos textos no están traducidos al inglés, mucho menos al español. Encontrarme con esta inmensa biblioteca —que es el legado vivo de la tradición rusa— me fascinó por completo. Y no solo eso: hay muchísimas cosas que se transmiten únicamente en las clases presenciales, conocimientos que no están escritos en ningún lado. Este es el mismo entrenamiento por el que pasaron los grandes compositores rusos.

Mi percepción como compositor ha cambiado totalmente. Este rigor me ha obligado a enfrentarme con las formas musicales más complejas como la fuga y la sonata, y a comprenderlas profundamente. También me ha hecho valorar formas que antes podría haber menospreciado. Por ejemplo, mi última composición es una pasacalle para órgano —una forma donde toda la pieza se construye sobre una misma melodía en el bajo que se repite constantemente. El desafío fue: ¿cómo hacer que sea siempre interesante de escuchar y ejecutar a pesar de esa restricción?

Otro concepto que me cambió la perspectiva completamente es el poliestilistismo. Antes, compositores como Bach, Beethoven o Mozart desarrollaban un estilo característico durante toda su vida, y ese era su sello. Ahora, como compositores contemporáneos, tenemos la oportunidad —y también el reto— de dominar varios estilos: barroco, clásico, romántico, y también crear nuestros propios lenguajes. Esto nos permite hacer fusiones, crear cosas completamente nuevas, transmitir ideas que antes habrían sido imposibles. Una sola obra puede transitar por diferentes mundos sonoros y emocionales. Este pasacalle que mencioné es precisamente una obra poliestilística, y para mí esa nueva variable, esa posibilidad de fusionar tradiciones, es una de las cosas más emocionantes de componer en nuestra época.

En Perú comenzaste a estudiar música y veo que también has tenido una proximidad con José María Eguren ¿Por qué este poeta? ¿Qué te llevó a identificarte con él y posteriormente crear danzas peruanas?

En Perú estudié durante tres años en la Universidad Nacional de Música, en la carrera de composición. Fue ahí donde descubrí a José María Eguren, el primer poeta simbolista peruano y uno de los que mayor repercusión tuvo a nivel internacional.

Aunque obviamente nunca lo conocí, tuve un acercamiento muy profundo con su trabajo, en especial con su poemario Simbólicas. La manera en la que él lograba transmitir distintas ideas e interpretaciones a través del simbolismo de cada palabra me fascinó. Su uso de símbolos de la naturaleza evoca al Perú, pero al mismo tiempo logra que su poesía sea universal, permitiendo que cada lector tenga su propia interpretación. En mi búsqueda por crear un estilo musical propio, su obra fue una inspiración fundamental. Me pregunté: ¿cómo llevar ese simbolismo al lenguaje musical? Así nació mi Simbolismo Andino. De hecho, el poema que sirvió de texto para una de mis primeras obras en este estilo fue Mística, uno de mis favoritos de Eguren. Fue en esa pieza donde se gestó completamente este lenguaje compositivo que luego me permitiría ingresar al Conservatorio de Moscú. Para mí, Eguren demostró que lo peruano puede ser profundo y universal al mismo tiempo, sin necesidad de ser folklórico en el sentido literal. Esa fue una lección clave para mi desarrollo como compositor.

Háblanos acerca de tu repertorio: Preludios, danzas tradicionales, estudios para piano, pasacalles… ¿Estás pensando tal vez en la creación de una ópera o alguna sinfonía más adelante?

Como compositor, uno está en constante evolución, y hay obras que simplemente quedan atrás en el proceso. No todas me parecen listas para ser estrenadas o representan ya lo que quiero transmitir. Pero dentro del repertorio que sí considero parte de mi desarrollo están: Para piano, tengo El Muchachito (2023), una suite que narra la historia de un chico de Huancavelica que llegó a Lima, conoció la vida en la capital y cómo ese viaje le cambió la perspectiva una vez regresó a su pueblo. También Tres Preludios para Piano (2024) y un Estudio para Piano (2025).

En música de cámara: La Boa, poema del arrastrado para violín y fagot (2023), y Wiñaypaqchu (2025), un tema con variaciones sobre una melodía ayacuchana para violín, clarinete y piano. En obra vocal: Idilio Muerto (2024), sobre un texto de César Vallejo, para coro mixto. También mi ciclo de canciones Sombras y Esencias (2024) para tenor, bajo y piano, con textos de José María Eguren. Y mi obra más reciente es la Pasacalle para Órgano (2025). Pensando en el futuro, sería un tremendo honor escribir óperas con argumentos y libretos peruanos, y también sinfonías. Son formas monumentales que en algún momento debo abordar. No es solo una ambición personal, sino casi una responsabilidad: crear obras de gran formato que lleven nuestra tradición peruana a esos géneros que históricamente han sido el pináculo de la música académica.

¿Cómo ha sido tu interacción con los maestro rusos? ¿Has podido conocer su dinámica musical? ¿Ellos están conociendo tu personalidad musical y por ende, al Perú?

Son maestros sumamente apasionados y dedicados. Algo que me encanta es el profundo respeto que hay hacia la tradición rusa y el pasado, la admiración genuina que existe por los grandes músicos —vivos o fallecidos— que pasaron por ese conservatorio. Se siente que uno está caminando por los mismos pasillos donde caminaron Rachmaninov, Scriabin, Chaikovski. Para darte una idea de esa pasión: en mis clases de composición, que son una vez por semana, es común que nos quedemos una, dos horas extra después de la clase oficial, hasta que cierre el conservatorio, simplemente discutiendo sobre música, analizando partituras, hablando de ideas compositivas. Esa dedicación, ese amor por la música que va más allá del horario establecido, es algo que te contagia completamente.

A pesar de que algunos temas ya los había visto en Perú, la perspectiva y la manera de estudiarlos es completamente diferente. Aquí se es muy consciente de que cada paso es indispensable, de que no hay atajos. Todo tiene un fundamento, una razón de ser que se remonta a generaciones de compositores y pedagogos. En cuanto a si ellos conocen mi personalidad musical y, por ende, al Perú: sí, completamente. Mis obras siempre parten de elementos peruanos, y eso ha generado mucha curiosidad y respeto. Ellos valoran profundamente cuando un compositor tiene raíces claras y no está simplemente copiando tendencias europeas. Para ellos, el hecho de que yo busque desarrollar varios lenguajes y estilos propios basados en mi cultura es algo natural y esperado. Me han enseñado que la gran música rusa también nació de ese mismo principio: conocer profundamente tu tradición y elevarla al más alto nivel académico.

¿Qué opinas sobre las Artes escénicas del Perú? ¿Qué opinión nos das sobre esta gran masificación que existió en un tiempo de apogeo absoluto y que hoy en día, para muchos, se ha extinguido? ¿Cuáles son tus planes para con tu música y con el Perú? ¿Tenemos Esteban para algún movimiento artístico revolucionario que englobe todo el material peruano? ¿Piensas quedarte en Moscú y, desde ahí, promover nuestro material?

Tengo un plan muy claro. Una vez que termine mis estudios en Moscú, planeo volver al Perú y vivir en el Perú profundo. No se trata solo de investigar o leer sobre nuestras culturas, sino de vivirlas en carne propia. Quiero conocer las tradiciones donde crecieron mis ancestros, experimentarlas directamente y componer desde esa vivencia. Es algo similar a lo que hizo Villa- Lobos en Brasil: sumergirse completamente en la cultura para poder transmitirla de forma auténtica.

¿Un movimiento artístico revolucionario? Quizás la palabra suene muy grandiosa, pero sí creo que hay ideas que necesitan regresar a la música académica latinoamericana. Volver a las bases: poder componer en estilo clásico, barroco, romántico, crear nuevos estilos propios, una herramienta clave sin duda es el poliestilistismo. Preocuparse genuinamente por darle una experiencia única tanto al oyente como al intérprete. Para algunos esto puede sonar revolucionario, pero al final es simplemente recuperar lo que la gran tradición compositiva siempre ha sido. Claro que me gustaría poder compartir lo que aprenda a más compositores que compartan esta visión, sumando tanto la rigurosidad de la escuela rusa como el amor profundo por nuestra cultura. ¿Me quedaré en Moscú o volveré definitivamente al Perú? Dar una respuesta ahora sería muy apresurado. Lo que sí puedo decir es que el Perú siempre será mi hogar, y mi compromiso es con mi país, sin importar desde dónde esté trabajando en un momento determinado.

Prometeo… cuéntanos sobre esto. Un espacio musical donde expresas tus conocimientos y enfatizas los análisis ruso-peruanos.

PROMETEO es mi proyecto donde comparto lo que voy aprendiendo, pero también es mi forma de intentar aportar a un cambio en la música académica de Latinoamérica. El nombre viene de dos cosas: el mito de Prometeo trayendo el fuego del conocimiento, y la visión de Scriabin sobre la música como herramienta hacia el éxtasis, hacia la transformación profunda del ser humano. La idea nació simple: ¿qué me hubiera ahorrado años de tropiezos cuando estaba empezando? ¿Qué necesitaba realmente el Esteban de hace unos años? No solo técnica, sino entender cómo pensar como compositor, cómo resolver los problemas reales cuando estás frente a la partitura.

Por ahora trabajo con asesorías uno a uno, totalmente enfocadas en lo que cada compositor necesita para sus objetivos. No aplico un método único a todos. La visión a futuro es formar compositores con buenas bases técnicas y amor genuino por nuestra cultura, que puedan crear obras de alto nivel. Pero eso viene después, por ahora estoy enfocado en terminar mi propia formación.

Finalmente, ¿Eres peruano o ruso? ¿Te sientes parte de ambos? ¿Qué es el Perú para ti y que significa nuestro hermano país de Rusia?

Soy peruano, sin duda. Y siempre estaré agradecido de haber nacido en un lugar culturalmente tan rico. El Perú es una mina de oro para cualquier artista: la diversidad de culturas, danzas, tradiciones... es inagotable. Ese es mi hogar, mi raíz, lo que me define como compositor. Rusia se ha convertido en mi segundo hogar. Es el lugar que me está dando las herramientas para poder hacer lo que quiero hacer con la música peruana. Respeto profundamente su tradición y todo lo que me está enseñando día a día. Yo creo que no se trata de elegir a uno u otro. Me siento peruano formándome en la tradición rusa, y eso no es una contradicción, es una fortuna. Rusia me está dando el rigor y la técnica; el Perú me da la inspiración y el alma. Mi compromiso es con ambos: honrar lo que Rusia me está enseñando y retribuirle al Perú todo lo que me ha dado.

Un consejo para los lectores y compositores noveles que aspiran elevar al país y están, quizá, dudando por la falta de apoyo a la cultura de parte de nuestras actuales autoridades.

Les aconsejaría ser agradecidos con lo que tienen. Es natural en el ser humano fijarse en lo malo, y muchas veces eso nos hace ignorar lo bueno de dónde venimos.

Yo pasé mucho tiempo maldiciendo no haber nacido en un lugar con más oportunidades para lograr mis objetivos musicales. Pero eso me hizo ignorar lo más valioso que tengo para ofrecer al mundo: la cultura de mi país y mi identidad como peruano.

Claro que es difícil, incómodo, duro. Tener que abandonar tu hogar para crecer como profesional o artista no es fácil. Pero al final, lo importante es ser agradecidos con lo que nos fue dado y buscar la forma de retribuirlo. Si naciste en un lugar culturalmente rico como el Perú, eso no es una desventaja, es tu mayor fortaleza. Solo hay que aprender a verlo así. Y si sienten que les falta formación, búsquenla. No esperen a que las oportunidades lleguen solas. Planifiquen, trabajen con constancia, y no se rindan ante las dificultades del sistema. Al final, si realmente quieres algo y trabajas por ello, los caminos se abren.

Te agradezco todo este gran aporte musical. Sé que el rescate de nuestro material escénico será gracias a jóvenes como tú, quienes vienen haciendo labor semejante para contribuir con aquello que nos hace connacionales, la música.

Entrevista desde Rusia, Moscú.

PICREADI

Daria Bozhko y Valeria Tsirova

El Centro de Apoyo y Desarrollo de Iniciativas Sociales Diplomacia Creativa – PICREADI es una Organización No Gubernamental (ONG) rusa, fundada en 2010 en Moscú por un grupo de expertos comprometidos con la idea de desarrollar lazos internacionales a través de la diplomacia pública. Hoy en día, Diplomacia Creativa es una de las principales organizaciones rusas en el ámbito de política exterior.

Diplomacia Creativa reúne en sí los elementos de un centro de investigación y los de una organización social; y tiende a informar sobre las potencialidades de la diplomacia pública para fomentar la cooperación internacional. Diplomacia Creativa es además una plataforma intelectual que busca establecer y mantener el diálogo sustantivo entre los jóvenes líderes de Rusia y otros países para el intercambio de conocimientos y experiencias. Promovemos nuestra propia escuela científica de diplomacia pública, impartimos cursos educativos, entrenamientos y talleres para todos los interesados. Publicamos anualmente reseñas de los principales eventos y tendencias de la diplomacia pública rusa.

Fortaleciendo Lazos entre Rusia y Latinoamérica

Desde 2022, Diplomacia Creativa viene promoviendo activamente los contactos con América Latina. Nuestro programa Hablemos con Rusia se efectuó por primera vez en marzo de 2023 y reunió en total a más de 250 expertos en relaciones internacionales, analistas, diplomáticos, periodistas de países latinoamericanos y de Rusia. Hablemos con Rusia es un proyecto científico y educativo en el área de la diplomacia pública que familiariza a los jóvenes latinoamericanos con la Rusia moderna: su política exterior, la vida de las entidades rusas, la cultura rusa y la de otros pueblos de Rusia. Se invita a participar en el programa a jóvenes latinoamericanos de entre 18 y 35 años, así como a representantes de otros países que dominen español y que:

investiguen Rusia o estudien relaciones internacionales en general; aboguen por la cooperación activa de sus países con Rusia; promuevan los valores de un mundo justo, la diversidad, la igualdad y la soberanía nacional.

En 2023-2024, se llevaron a cabo 4 ediciones del programa en línea. Tradicionalmente, el programa cuenta con el apoyo del Departamento de América Latina de la Cancillería de Federación Rusa, el Consejo de Federación, los medios de comunicación como Sputnik y RT, así como universidades y centros analíticos rusos líderes como Consejo Ruso de Asuntos Internacionales, Instituto de América Latina de Academia de Ciencias de Rusia. La primera edición presencial de Hablemos con Rusia tuvo lugar en el marco del Festival Mundial de la Juventud en marzo de 2024. El Foro Juvenil Ruso-Latinoamericano, la sesión final del programa para los mejores egresados se celebró en Moscú en diciembre de 2024

Evento Principal del Año

El objetivo del Foro Juvenil Ruso-Latinoamericano Hablemos con Rusia fue presentar la Rusia contemporánea a los jóvenes latinoamericanos: su política exterior, economía y cultura, a la vez que se fortalecían los lazos de amistad y profesionales entre jóvenes líderes de Rusia y América Latina. Participaron en el programa jóvenes políticos, representantes de movimientos y partidos políticos, miembros de las organizaciones juveniles, internacionalistas y periodistas de Argentina, Bolivia, Venezuela, Honduras, Colombia, México, Guatemala, Perú, Paraguay, Chile y Ecuador.

El Foro fue organizado por el Centro de Apoyo y Desarrollo de Iniciativas Sociales Diplomacia Creativa, el Ministerio de Ciencia y Educación Superior de la Federación Rusa, el Consejo Nacional de Asociaciones Juveniles e Infantiles de Rusia, la Universidad Tecnológica Rusa MIREA.

En el marco del Foro los participantes visitaron el Ministerio de Relaciones Exteriores de la Federación Rusa, el Consejo de la Federación, centros de investigación y universidades líderes. Así, los participantes se reunieron con Serguéi Nalobin, subdirector del Departamento de Información y Prensa del Ministerio de Relaciones Exteriores, quien les explicó el actual Concepto de Política Exterior de la Federación de Rusa y cómo se gestiona la información en las actividades internacionales del país. Los participantes también visitaron el Consejo Ruso de Asuntos Internacionales (RIAC), uno de los principales centros analíticos rusos en el ámbito de la política exterior y las relaciones internacionales. Como parte del encuentro se celebró un debate de expertos sobre la política de sanciones moderado por Andréi Kortunov, director general del RIAC. Se conversó la transformación del orden mundial, se analizaron las perspectivas de la desdolarización y los procesos de integración en el BRICS, y se examinaron las nuevas sanciones contra Rusia y su impacto en la economía nacional y mundial.

Uno de los eventos clave fue la visita al Consejo de la Federación de la Asamblea Federal de Rusia. Los participantes se reunieron con Serguéi Kisliak, el Primer vicepresidente del Comité de Asuntos Internacionales del Consejo de la Federación. Durante el encuentro se abordaron diversos aspectos de la política exterior rusa, puntos de vista ruso y latinoamericano sobre un mundo multipolar, las relaciones en el marco del BRICS y la interacción con Estados Unidos y Europa en la actualidad.

Como parte final del Foro Juvenil Ruso-Latinoamericano Hablemos con Rusia, los participantes visitaron el Instituto de Economía Mundial y Relaciones Internacionales (IMEMO) de la Academia de Ciencias de Rusia. Se celebró una sesión plenaria sobre visión rusa del impacto de la rivalidad entre EEUU y China en América Latina.

Otro pilar de nuestras actividades es la revista Hablemos con Rusia. Hasta el momento, hemos publicado 5 ediciones dedicadas a nuestro vasto país, su política exterior, historia, diplomacia, oportunidades educativas para extranjeros y a los ciudadanos que contribuyeron al progreso no solo de Rusia sino que de todo el mundo. El último número se centró en las industrias creativas en Rusia y su marco regulatorio. Ante una guerra de información y una campaña de desprestigio sin precedentes por parte de Occidente, nuestro objetivo no es proyectar una imagen idealizada de Rusia, sino la real. Nosotros mismos les mostraremos cómo es Rusia. Si bien la distancia geográfica entre nuestros continentes es considerable, compartimos una profunda afinidad espiritual. Es necesario subsanar la falta de conocimiento en las distintas áreas de las relaciones entre los países latinoamericanos y Rusia. Aún queda mucho por hacer para que las relaciones bilaterales y multilaterales se desarrollen activamente. Nuestras iniciativas son pequeños pasos hacia la meta global de establecer y mantener unas relaciones sólidas, mutuamente benefiosas y duraderas con el subcontinente latinoamericano. ¡Derribemos los muros y construyamos puentes entre nuestros pueblos!

Autores: Daria Bozhko – Directora ejecutiva, PICREADI Valeria Tsariova – Especialista en comunicación con países de América Latina, editora de la revista Hablemos con Rusia, PICREADI

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Maria Dimitriadis

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