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Hacé tu pañuelo, bordalo, pintalo, intervenilo como más te guste, en la escuela, el club, el barrio, organización.
FLORECERAN PAÑUELOS
DU El 24 de marzo llenemos de pañuelos y de resistencias las plazas.
#FloreceranPañuelos
#50Años DelGolpe Genocida
FUEGO es una revista digital sobre música, cultura y arte contemporáneo.
En cada número reunimos crónicas en vivo, discos nuevos, cine, literatura, entrevistas y todo lo que pasa alrededor de la escena.
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Que leemos: Agos Kuessner Escrito: Flor Girasole
El videoclub: Nati Manzana
La compactera: Juan Manuel Maggio Entrevistas: Matt Cogno, Elizabeth Zayat
Coberturas: Mara Chamorro, Sofía Collavino, Pilar Seijas, Brisa Szot, Macarena Ribaloff, Nayra Velasquez, Guillermo Bentureira, Oscuro Diamante, Azul Andrade, Constanza Sena, Yoel Anderisi, Fatima Miani
Que leemos.... ............... 5 Homogénica.....……………………………….. 6 Franz Ferdinand............ 14 Fonso y Las Paritarias.... 18 Escrito.....
Entrev Alcalá Norte....... 32 Festival Refresco XL ...... 40 El videoclub .................. 55 Entrev Lucas Santa Ana . 59 $0Pesos....
La compactera................ 69 De Gira .................
CHARLAS FERIA DE LIBROS FANZINES LIBROS SERIGRAFÍA ⚫ SELLOS INDEPENDIENTES MUESTRA LA RUTA DEL CAMIÓN
TATUAJES • PELUQUERÍA EL ACOPLADO Y MÁS
LUNES 23 DE MARZO CART MEDIA passline
ART MEDHA
LAVA
Buenas! ¿Cómo va? Hoy vengo con una comparación que nadie pidió pero acá va igual: el clásico Cumbres borrascosas vs su versión cinematográfica más reciente. Y sí, hay sangre.
Brontë no es una historia de amor. O mejor dicho, es una historia de amor pero del tipo más incómodo posible: obsesiva, destructiva, medio enfermiza. Heathcliff y Catherine no se aman "bien". Se arruinan.
El libro tiene esa estructura rara, con narradores dentro de narradores, que te hace sentir que estás espiando algo que no deberías. Hay violencia emocional, deseo reprimido, clases sociales, bronca. Todo bastante lejos de una idea romántica rosa.
Ahora bien, la peli nueva dirigida por Emerald Fennell agarra todo eso... y lo dobla bien apretadito y se lo mete en el bolsillo. Se enfoca más en la estética, el deseo explícito y el drama más consumible. Con Margot Robbie y Jacob Elordi como protagonistas, la cosa claramente apunta a otra cuestión.
Emily Bronte Cumbres Borrascosas
El problema es que, en ese proceso "exploratorio", se pierde bastante de lo que hacía al libro tan incómodo y poderoso (consideremos que fue escrito por Brontë en 1847). La peli simplifica. Un montón. Donde el libro incomoda, la peli seduce. Donde la novela es turbia, la película es más... digerible. Y eso, para esta historia, es traición.
Entonces, ¿vale la pena? El libro sí, siempre. Es incómodo, intenso y bastante más moderno de lo que parece. La peli, meh, mirala sabiendo que no estás viendo esa historia, sino una versión más domesticada, más hollywoodense y bastante menos peligrosa.
Si querés sentir esa pasión que te deja medio rota, personajes inolvidables, climas construídos con profundidad, andá al libro. Sino, siempre podés ver gente hermosa sufriendo con buena fotografía.
Agos Kuessner - @Que_Leemos
Te invita a Post Pop
Fotos: Mara Chamorro (@EmeCeciliach) Texto: Sofía Collavino (@UnChispero)
Hace 25 años se tomó la decisión de forrar de espejitos las paredes del interior de Niceto Club por una sola razón: estar a juego con la fiesta de Homogénica presentando Post Pop el pasado 26 de febrero.
Dj Repulgue calienta el ambiente mientras se termina de llenar el club y despliega un velo de nostalgia pop la sensación de la última noche del viaje de egresados, todxs nos llevamos bien, mañana no importa. Nos tropezamos entre nosotrxs en un Niceto explotado de gente y glamour de fantasía. "¿Quién toca?" preguntan los tacheros que se apelotonan en Niceto Vega. Tocal Homogénica, señor.
Hay algo muy provocador en que Homogénica titule su primer disco Post pop. Para ser "post loquesea" -post rock, post indie, post humano que dominar el código de aquello que se pretende superar. Y una de las sorpresas del álbum es justamente que, lejos de la pose irónica, Homogénica entiende muy bien las reglas del pop: la melodía inmediata, el gancho vocal, la teatralidad emocional, el timing del estribillo, la conciencia de sí como "producto". Ya quisieran otras bandas haber nombrado su primer disco "shoegaze" o "hard techno" y ser faro de un estilo como lo es ahora Homogénica con el Post Pop.
hay
Con una puesta en escena digna de cualquier show internacional: visuales variadas, coloridas e hipnotizantes, una estética mezcla de kiosco-osito-gominola y revista de celebrities para adolescentes al mejor estilo TKM, recambio de utilería y hasta 3 cambios de vestuario, la banda liderada por Lola Tavarovsky deja altísima la vara de la escena under.
Fan, Otra vez, Living comedor abren la noche con una energía explosiva. Para Tesoro la banda invita a Catalina Ammaturo a a compartir escenario. Entre el público escuchaban los gritos de un montón se
de amigxs de la banda confirmando la sensación del principio. Todxs nos conocemos. Esto es solo la mejor fiesta a la que te podrían invitar. Bailan lxs sentimentales, lxs cursis, Ixs intensxs, etc.
Acompañando la letra de N.E.N.A (No entendiste nada amor) se superponen la proyección de datos conocidos e incómodos "Hay 30 hombres por cada mujer productora", "solo el 21% de los artistas firmados por sellos importantes son mujeres", "86% de los headliners son varones", "3 de cada 5 mujeres fueron acosadas sexualmente en la industria musical mundial". Lola canta a los gritos con un shortcito que dice ANTIFASCISTA declarando principios, advirtiendole a los fachos que no son bienvenidos ni en esta ni en ninguna otra fiesta.
sus De pronto, al final de Primer acto seguimos a una Lola agobiada por
COMEDOR las luces al fondo del backstage de donde todo el staff de producción, amigxs y otrxs artistas tienen que salir a escenario a cubrir con baile la ausencia de la cantante. Entonces empieza a sonar 3D cuando Lola
"recuperada" regresa para hacerse cargo de la fiesta que se había convocado, entre banderas, glitter y abanicos, enfundada ella en un body con brillos y un pelo rosa fosforescente, convertida en una auténtica Jessica Rabbit, cautivadora y divertida.
Con la última huida de la banda y en respuesta a los gritos fanáticos del público, Homogénica regresa una vez más para cerrar con "Pide más" y ponerle moño a una noche de pura fantasía pop, teatralidad y militancia kitsch.
Epiphone
ANFITEATRO MUNICIPAL⚫ 2026
DÍAS DYA 1 3 DE ABRIL DÍAS DAA
LAS PELOTAS LA VELA PUERCA LA DELIO VALDEZ-GUASONES EL PLAN DE LA MARIPOSA TURF KAPANGA-ERUCA SATIVA
LOS ESPIRITUS DANCING MOOD-LOS PEREZ GARCIA CAMIONERO - AUTOS ROBADOS BOYLER-SEDA CARMIN
2 DIA 2 DA 2 4 DE ABRIL DIA 2.
DYAR
EL MATO A UN POLICIA MOTORIZADO EL KUELGUE-MARILINA BERTOLDI PECES RAROS-EL ZAR-GAUCHITO CLUB LOS PERICOS LOS TABALEROS INDIOS - KILL FLORA - FLORIAN-ILAN AMORES TERAPIA-JUAN BARO привит
LIVEPASS FERNET BRANCA Alikal TN MEGA 98-3 billboard
Provincia
Una electricidad compartida
Pocas bandas logran sostener la vigencia sin convertirse en una caricatura de sí mismas. El pasado 12 de febrero, Franz Ferdinand desembarcó en el C Art Media para demostrar que la madurez les sienta bien y que el baile, cuando es genuino, no reconoce calendarios.
N viejo amigo.
La presencia de Alex Kapranos resulta impactante y profunda. No es solo un frontman; es un director de orquesta que maneja los hilos de un público que ya los adoptó como una banda local. La energía en el lugar era eléctrica, una mezcla de expectativa y esa familiaridad de quien vuelve a encontrarse con un
La noche no fue un mero ejercicio de nostalgia. El setlist, pensado con inteligencia, nos llevó por un recorrido que incluyó desde la frescura de sus temas nuevos, como Audacious, que formó parte del cierre y donde la batería de la recién integrada Audrey Tait fue protagonista absoluta, hasta el repaso de los himnos de siempre que nunca fallan en encender la noche.
Ferdinand sigue demostrando que la leyenda no es un punto de llegada sino un proceso en permanente revisión. No se trata de haber estado ahí al principio, sino de seguir estando cuando todo alrededor cambia. obstinación por relevantes y coherentes con su tiempo reside su verdadera vigencia.
Fue una noche intensa, de esas que te dejan los oídos zumbando y la sensación de que esta banda no solo se ganó su lugar en nuestro historial de visitas ilustres, sino que promete muchísimo para lo que viene. Una clase magistral de cómo envejecer con estilo frente a un público que no dejó de saltar ni un segundo.
El viejo poeta de la ciudad maldita
Fotos: Brisa Szot (@BrisaSzot)
El pasado jueves 26 de febrero, un logo naranja estilo grafiti con un gran FyP dentro se proyectaba en el escenario principal del Centro Cultural Matienzo. La gente, tranquila, fue ingresando al amplio y oscuro espacio. A las 22.15 hs el sonido de un reverb invadió toda la sala; a ello se le sumó la batería y los gritos ansiosos de la gente.
otro tranquilamente.
Para cuando Fonso y Las Paritarias se abrieron paso en el escenario, a eso de las 22.20 hs, el público ya se movía de un lado para el bailando muy
Los lentes de sol parecían una suerte de código de vestimenta entre el público, y la banda no fue la excepción.
Entrando en esa sintonía astral que ya parecía compartirse entre el público, Nevermind se presentó como primer tema de la noche. El sintetizador y lo quirúrgico en lo instrumental, pero sin perder la pasión por experimentar, fueron las cosas que más se percibieron, no solamente en ese momento sino a lo largo de toda la noche. “Qué tal, buenas noches", se escuchó al terminar la canción.
La batería inició tocando un ritmo simple y bastante popular que, sin intención, terminó siendo similar a Life is Life de Opus, por lo que todo el Matienzo -incluido el propio cantante, Lucas Difonzo— empezó
FORD PE
a corear el estribillo. Con su groove, Enemigos de la fantasía invitó a moverse. "Argentina, freak show", contestó el público. La guitarra inquieta de Piter Mazda en el escenario pedía más con su solo, y el pianista, Martín "Tortu" Luchina, incitaba a realizar palmas al compás del ritmo. Poco a poco el público iba siendo un integrante más de la banda, y eso fue uno de los puntos importantes a lo largo del show.
El sintetizador de Octavio Majul redobló la apuesta. Fonso y la bajista, Elena Radiciotti, tocaban cara a cara. La intensidad empezaba a sentirse como una espiral sin salida. La batería de Sebastián Puntillo parecía una bomba inestable a punto de explotar en cualquier momento. Casi a modo de gag, la gente volvió a corear Life is Life. Después de ese tema no se podía bajar la emoción, y con decisión Sigo pensando igual se empezó a agitar con brazos levantados. Las luces blancas intermitentes estimulaban el clímax mientras ellos seguían en profunda sintonía con sus propios ritmos.
Para transicionar a un estado más tranquilo eligieron Motín como siguiente canción. Aunque la composición bajó un cambio, el nord
G público no pedía tranquilidad: pedía más, iniciando un pequeño pogo.
Las luces estilo disco, como el tema, colmaron el espacio desde el escenario hasta la cabina de sonido. Comenzando con un momento que parecía improvisado, en el cual hubo maracas y un wah-wah prolongado de la guitarra, el bajo de Elena deslumbró con un gran solo. La batería rompió terminando esa sincronía experimental.
Hudson tuvo de invitado a Olmo, amigo añejo de Tortu, en la guitarra. Bien arriba, como pedía el público, así arrancaron:
como unos rockstars. La sensación se transmitía
de la banda hacia la gente; te hacían sentir uno con ellos. Olmo y el guitarrista tocaron cara a cara, haciendo uso de bends sostenidos en el tiempo: era la previa de algo más. Un bombo marcaba los aplausos del público y un Fonso conectado con la pesadez de la situación gritó. Y al estilo del final de She's So Heavy de The Beatles, la decadencia se iba acrecentando. Él, agarrando el pie de micrófono y transpirando, cerró la canción. Lo que pasó en Hudson "se queda en Hudson". Un cálido abrazo despidió a Olmo del escenario.
VID guitarra y bajo; luego se sumaron piano, sintetizador y voz. Un parlante naranja prosiguió en el setlist invitándonos a bailar. En la sección instrumental, Tortu tuvo un gran y profundo momento de solo.
Después de un de un intercambio de palabras con el público respecto a un budín de banana, Life is Life volvió a cantarse. A pesar de la intensidad del show, el ambiente era de fiesta y risas. El público disfrutaba tanto como los artistas, que no se quedaron en la repetición de sus creaciones sino que se permitieron ahondar en diferentes propuestas, ritmos y sonidos. Haciendo
totalmente partícipes a sus espectadores, crearon un momento único. Reafirmando su posiciona-miento político, acompañaron el cántico de: "Llamen al gorila de Milei para que vea que este pueblo no cambia de idea, lleva la bandera de Evita y Perón”.
Un suave piano dio pie a Consumir, que, aunque fugaz, tuvo un final que emanaba epicidad por los poros. La gente, emocionada, lo gritó. Para no romper el ambiente astral que se había impuesto, Roland
Sabias palabras fue suave y dio en el clavo con su piano en un tono cercano a Jesus He Knows Me de Genesis. Una íntima luz azul y las campanas de viento hacían sentir al público dentro de un show de ensueño, como en un trance.
Abruptamente interrumpieron la serenidad los primeros acordes de Gris analgésico y, casi automático, una ronda se armó adelante. El público pogueaba, ellxs bailaban, moviendo las cabezas de derecha a izquierda en sintonía.
Uno, cuando piensa en Salir del confort, se va automáticamente para el lado del rock, pero -y de una forma inteligente para seguir en sintonía con el resto del show- una versión más groovera y con un bajo bien marcado fue presentada. La batería, inspirada en Crua Chan de Sumo, fue la que dio paso al solo de guitarra que cerró esta canción. "Ahora sí, salud", dijeron desde el escenario.
Con un ritmo más marcado de rock y gritos de Fonso, Boulevard recuperó el agite amansado. Los brazos levantados gritaban el estribillo: "salís al ruedo”.
UNDERSTAND
Bac
"Muchas gracias, bienvenidos a todos y a todas". Pero no se quedaron solo en un mensaje de agradecimiento: también salieron a hablar, posicionándose como es común en ellos. "Están flojas las paritarias, loco. Hay que salir a la calle, vamos a pedir firmas”, dijeron desde el escenario. Un sintetizador en loop junto con un bajo funk y una pandereta dieron paso a una improvisación psicodélica más adelante en No me afecta.
Con un ritmo murguero y descontracturado de panderetas y armónicas, la gente movió las
caderas de acá para allá con Malandra. "Cuiden al mono", se escuchó, refiriéndose al cantante co- creador del tema, el Mono de Kapanga. El Matienzo, si todavía no lo era, se volvió una verdadera fiesta, con gente haciendo un gran trencito a lo largo de la sala. Y, en un guiño de referencia piojosa, se cantó: "aia ia io pagué io".
Tomar las armas tornó el ambiente hacia algo tranquilo e íntimo, como un lento ochentoso, reforzado por unas Paritarias a contraluz blanca. El “Olé olé olé, Fonso, Fonso" resonó en la alta y oscura sala. Las joyas sostuvo el ambiente previamente planteado.
"Bueno, gracias por venir, che. Es nuestra primera situación del año", dijeron.
El sintetizador astral, una batería rápida y unos flashes fueron el combo para volver a un punto cúlmine de tensión en lo instrumental. Las luces se cortaron de repente, quedando solo el logo de FyP en la pantalla iluminándolos. La música paró y Eso no es amor sonó con fuerte distorsión. Majul, que gozaba de varios instrumentos a su alrededor, jugó con una bocina de payaso y luego con una pandereta en cada mano. Los instrumentos comenzaron a ser una espiral desenfrenada de creación. Mazda caminaba por el escenario sin dejar de tocar y Fonso, tocando la guitarra de espaldas al público, cerró el anteúltimo tema. Más cantos contra Javier Milei hicieron eco en el centro cultural.
LAS Roland
"Che, nos vemos el 28/3 en La Fábrica, para el que quiera venir", dijeron desde arriba. Luego Fonso sumó: "El último saludo que hago: gracias a todos y todas por venir. Acá hay lugar para ustedes si están igual de perdidas y perdidos como nosotros".
El último tema de la noche fue bien arriba: Poeta Maldito, a todo rock and roll, con un piano y armónica marca blues. El público pedía, necesitaba más. La armónica de Fonso y la guitarra de Piter comenzaron un juego de pregunta y respuesta hasta que el bajo rompió con pogo y mucho agite acompañando. "Gracias, che. Buenas noches", se despidieron.
Sirenas de policía comenzaron a escucharse sobre un relato de un hombre que hablaba sobre religión. Su voz se fue apagando en fade y Juanito Alimaña, de Héctor Lavoe con Willie Colón, comenzó a sonar mientras la gente se retiraba, alrededor de las 24 hs, con la sensación de haber vivido un gran show.
La resistencia de la forma Habitar el tiempo en una Argentina en crisis
En este marzo de 2026, mientras el discurso oficial intenta imponer una narrativa de éxito, la realidad cotidiana sigue marcada por la incertidumbre y el desgaste.
Leyendo el libro de Byung-Chul Han - La desaparición de los rituales imposible no sentir que estamos intentando sostener un país sobre conceptos abstractos y mentirosos. Olvidamos las formas humanas que nos permiten habitarnos porque esa supuesta urgencia de A CUALQUIER COSTO barrió con todo. Esto deja un vacío simbólico difícil de llenar.
Hoy vivimos bajo la dictadura de la eficiencia mentirosa. Todo se mide en términos de déficit y superávit como si nuestra existencia fuera una hoja de cálculo y, sobre todo, mal calculada. Este libro advierte que una sociedad que solo produce extractivistamente y sin goce de los rituales es una sociedad que pierde su alma.
es pausa.
del trabajo del tiempo de la vida compartida, esa que cada día estamos apostando más y más para, a duras penas, llegar a fin de mes. En una Argentina que atraviesa reformas estructurales exagerada- mente agresivas, corremos el riesgo de convertir la vida en un flujo ininterrumpido de supervivencia sin Sin rituales que que marquen el descanso o el duelo social por todo. lo que venimos perdiendo, el tiempo se vuelve liso y agotador. No hay crecimiento posible en aceleración que nos deja sin aire para mirarnos a los ojos.
una Para mi generación, los que hoy transitamos los 30 o los 40 y pico, esta falta de puntos de apoyo se traduce en una precariedad material que nos define. Somos la generación que heredó las crisis, los que no tenemos casa propia y vivimos saltando de deuda en deuda para sostener una clase media mentirosa que se nos escurre entre los dedos cada día que pasa.
X FLOR GIRASOLE (@KE_DIBUJITOS)
Los rituales son técnicas que funcionan como los umbrales necesarios para separar el tiempo
El ritual de echar raíces se volvió un lujo inalcanzable. Para nosotros el tiempo no tiene la estabilidad de una propiedad, sino la volatilidad de un contrato de alquiler que vence y una inflación que no da tregua. Más allá del tipo de cambio, todos los días todo es más caro.
Y sin ese espacio físico propio, el ritual de habitar se vuelve nómade y angustiante. Estamos atrapados en una adolescencia financiera forzada donde el futuro no es un proyecto sino un vencimiento de tarjeta.
Una de las críticas más agudas de este libro se dirige hacia la obsesión contemporánea con la autenticidad y la transparencia absoluta. En nuestra política actual, esto se traduce en un estilo de confrontación directa que desprecia las formas institucionales y diplomáticas por considerarlas innecesarias o falsas.
Pero las formas, el respeto y los rituales de convivencia son la armadura simbólica que nos protege de la violencia. Al destruir estas formas en nombre de una supuesta honestidad brutal, nos quedamos desnudos frente al odio.
El ritual institucional no es burocracia, es el límite que impide que el desacuerdo se convierta en aniquilación.
Esta erosión de los límites alcanza su punto más oscuro en la escena internacional. Con el conflicto en Medio Oriente expandiéndose y la guerra en Ucrania estancada en su quinto año, el mundo parece haber perdido sus frenos simbólicos.
La guerra es la desaparición total del ritual. Cuando la diplomacia muere, solo queda la fuerza bruta y la exposición del horror en vivo por redes sociales. Han señala que el ritual humaniza, mientras que su ausencia nos devuelve a una barbarie tecnificada donde el otro es solo un objetivo en una pantalla.
En un mundo que vuelve a hablar de amenazas nucleares, la pérdida de los umbrales de contención es una alarma que no podemos ignorar.
Recuperar lo simbólico. en una Argentina que duele y en un mundo que parece romperse requiere volver a la atención. Recuperar el ritual es recuperar nuestra humanidad frente a la lógica del
nos escape entre los dedos.
ajuste, la precariedad habitacional y la violencia.
Sin ellos, el crecimiento es una estadística muda. Volver a las formas es la única manera de que nuestra realidad deje de ser un eslogan y vuelva a ser un suelo que podamos, finalmente, habitar en que el orden macroeconómico es solo un esque- leto, mientras que los rituales son la carne que hace que la vida valga la pena. Los rituales son los puntos de apoyo que impiden que el mundo se entender
NENAGENIX
NICETO CLUB SÁBADO 4 DE ABRIL banda invitada:
en CORP. GROOVE BOHEMIAN
De la vida cañón al vinculo con Argentina, entrevista con Álvaro Rivas
Si hay algo con lo que suelen soñar las bandas en ascenso del tiempo que nos ha tocado habitar, debe ser tocar en KEXP. Estas sesiones funcionan hoy como el equivalente a lo que para los grupos del siglo pasado fueron las míticas Peel Sessions de la BBC Radio.
En esta ocasión tuve el agrado de compartir algunas palabras conÁlvaro Rivas, el cantante del conjunto
Texto: Matt Cogno (@MattCogno)
madrileño Alcalá Norte, cuya primera KEXP Session acaba de ver la luz.
Al hablar sobre los orígenes del grupo, Rivas señala una primera y gran conexión con nuestro país: "Fuimos fundados como banda por un argentino, Juampi, emigrado de Buenos Aires a Ciudad Lineal junto a sus padres y su hermana pequeña cuando tenía unos ocho años.
DIE
TEEL
Juampi nos dejó a mitad de camino, precisamente para dedicarse a su otra pasión: el estudio de la historia económica de la Argentina en parti- cular y el resto de América Latina en general.
Alcalá Norte se originó en 2019, pero fue en 2024, con la salida de su álbum debut homónimo, cuando dieron un verdadero golpe sobre la mesa que los llevó a ser recomendados incluso por la mismísima Rosalía -sí, la misma que vimos no hace mucho corriendo en La Bombonera y que rompió récords en 2025 con LUX-.
De la mano de La Vida Cañón, el álbum -que en un principio pretendía funcionar como una carta de despe- dida terminó convirtiéndose en un éxito inesperado. "No esperábamos tal repercusión (...) Barbosa y yo, de tanto pelear con desconocidos a los que invitábamos a sumarse al proyecto, decidimos grabar nuestras canciones en un álbum para concluir así nuestra etapa rockerita. Era un álbum post mortem. Tocaba buscar un empleo honesto. Sin embargo, una vez grabado, lo vimos sonar tan profesional que revivieron las ganas de intentar darlo a conocer".
A través de himnos como La Calle Elfo, Los Chavales y el ya mencionado hit La Vida Cañón, la banda exhibe una identidad marcada y estrechamente
Belmonte
BODEGA FS7 1946
CHAPELA ligada a Ciudad Lineal, el distrito madrileño donde Alcalá Norte encon- tró su origen.
Rivas adelanta que el segundo álbum verá la luz dentro de unos diez meses: "Estamos componiendo con el mismo espíritu que hace años, y el resultado será semejante a una parte II de nuestro primer disco. No hemos innovado un ápice. Es más de lo mismo, porque eso es Alcalá
Norte. No somos David Bowie. Tampoco Rosalía”.
Imaginar a la banda en el estudio lleva inevitablemente a pensar en sus múltiples influencias. Alcalá Norte es
ΣΕΙ TEEL un grupo heterogéneo, donde conviven desde un jevi -apodo que los fans le adjudicaron a su baterista Barbosa a partir de los reels que suben Instagram hasta un médico en el sentido más literal de la palabra. Para Rivas, esa diversidad es una ventaja: "Todo el mundo que participa en esto sabe a qué suena Alcalá Norte, pero cada cual lo encara desde sus propias influencias. Ha habido por lo menos quince compositores en la historia del grupo. Esta semana compusimos una canción con una pegadiza línea de bajo que 'suena a Sisters of Mercy'. Yo nunca he escuchado ni un solo tema de Sisters of Mercy".
A esta altura es de conocimiento público que el fenómeno "post- punkdémico” fue casi global, aunque en Argentina guardemos un cariño especial por las bandas surgidas tanto en CABA como en distintas provincias del país. En Madrid ocurrió algo similar: "Fuimos por lo menos ocho o diez bandas post-punk las que salimos del encierro gubernamental con ganas de ofrecer post-punk a nues- tros congéneres. Todas nos sentimos avivadas por el fulgurante éxito de Depresión Sonora, que terminó por eclipsar al resto de la escena". A la hora de recomendar un grupo, Rivas menciona a Dharmacide -shoegaze madrileño en inglés-, un nombre a tener en cuenta para ser escuchado
Al redactar esta nota se omitieron frases y fragmentos de la entrevista el habitual trabajo de recorte del periodista, pero la respuesta a la última pregunta resultó tan potente que ameritó ser incluida de forma íntegra. La pregunta fue: "¿Escuchás música argentina?". La respuesta:
"Yo lo tengo muy claro: soy ricotero. En nuestros conciertos se corean los solos de guitarra y de sinte, y cada vez que eso pasa yo solo pienso "esto es efímero... ahora efímero..." LOO, LOLOLOOO, LOLOLOOLOLOLO, ¡LOLOLOLO! Por supuesto, resuenan en nosotros nombres más conocidos
globalmente como Maradona, Messi o Ginóbili. Tenemos otros muchos referentes sentimentales argenti- nos, en particular los que emigraron a España, pues naturalmente Juampi se siente conectado vitalmente a ellos. En este grupo entra por ejemplo Andy Chango (¡conocemos a su hija!). Su carta del cono sur. También Facundo Campazzo, Tortuga Deck. En mi caso, durante mi adolescencia escuché Él Mató más que a cualquier otro artista en español. Viejas Locas es otra tremenda referencia para nosotros que Juampi y Barbosa no me permitirían omitir. Lo rolinga, en general. Esta semana hemos descu- bierto a La Dracu Stone. ¿Qué más puede pedirle uno a Twitter? ¡Ah! La semana que viene actúa Pibes Chorros aquí en Madrid y estaremos viéndolos, si todo marcha bien. También es justo reconocer la impronta del payador Martín Castro, de cuyo tema El huérfano robé para nuestra canción La calle elfo la siguiente frase: es el amor de madreuna cuestión social. ¡Cuánto he llorado con Martín Castro!"
Si llegaste hasta aquí y no eres de quienes se dicen a si mismos "la vidal cañón" cada vez que les sucede algo bueno, esta es la señal que necesitabas para buscar a Alcalá Norte en tu plataforma de músical favorita y descubrir a uno de los proyectos más interesantes que nos ha brindado la música española en los últimos años. De la misma manera, esperemos que los productores argentinos se suban a ola para poder ver al conjunto madrileño en nuestras tierras pronto.
Rock, electrónica y la energia intacta de los '90
Texto: Nayra Velasquez (@Chirunay
La noche del lunes 16 de febrero, en pleno feriado de Carnavales, el Festival Refresco celebró su Vol. 2 XL con un line- up que rememoró la movida sónica y rockera alternativa de los 90 y 2000. La manera más fiel de hacerlo fue arrancar cerca de las diez de la noche y terminar a las cuatro de la mañana, como en aquellos viejos horarios de Cemento que muchos recordaban mientras esperaban en la puerta de Niceto Club.
Yo viví esa escena de los '90 muy de chica, pero este festival me transportó enseguida a la música que formaba parte de la contracultura en el under y que plantó la semilla de la escena local alternativa que aún hoy sigue vigente. Demás está decir que el público fiel, que literalmente los sigue desde Cemento, volvió a hacerse presente.
Desde Adrián Paoletti, DDT, Los Látigos, Juana La Loca, Los Brujos, hasta Balvanera, el festival celebró a estas bandas con una trayectoria que atraviesa décadas y que siguen vigentes junto a las nuevas generaciones.
El público iba ingresando de a poco para ver al gran Adrián Paoletti. Se dice que es un músico de culto para muchos artistas y un excelente letrista/poeta que fue convocado por Gustavo Cerati para escribir algunas de las canciones en Fuerza Natural.
Con una formación clásica, bajo, batería, guitarras (Gonzalo Córdoba, ex Suárez) y un teclado, Adrián arrancó el festival con canciones de su nuevo disco Bitácora de un hombre quieto (2025), con temas como Catapulta, Encantado, y Receta Secreta.
En estos temas se percibía un sonido bien folk con algunas intervenciones de los teclados y riffs potentes que le daban un aura de viaje en ruta.
Durante esta primera parte, un puñado de gente apareció desde el lado B de Niceto en el momento justo para que a Adrián se le dibuje una sonrisa en la cara al ver que ya tenía una gran cantidad de gente viéndolo desde el comienzo de su show. Los horarios fueron la clave porque en el Lado B de Niceto había terminado el primer Dj set de la noche que se daba en paralelo a las bandas que tocaban en el Lado A.
tema.
Noté que aparecieron algunos outfits muy particulares sumados a algunas remeras que me permitieron detectar con lo que me iba a esperar en el resto. del festival. Desde estampados con el disco Dopádromo de Babasónicos o películas de terror como El exorcista, también de Joy Division, algunos looks más arriesgados como una mujer con capelina blanca y una blusa de seda fucsia o un hombre en sus cuarenta, de pelo largo con una pollera de tela deportiva blanca, un tipo con rulos. teñido de rosa con un collar de perlas.
Algunas parejas se abrazaban mientras el setlist de Paoletti iba creciendo en fuerza y potencia, sin perder esa cuota de optimismo bohemio en la simpleza de su música.
Luego de presentar las canciones de su último disco, arrancó con clásicos como Corderoy, Tanta Luz y terminó con Casa Rodante, tema emblemático que tiene una base rockera pesada que no me esperaba.
Este último forma parte del disco En la ruta del árbol, en busca de la canción perfecta (1998), un disco que se considera una joya en la movida under de los noventa. La gente saltó y ovacionó entendiendo que se trataba de su último
A todos nos quedó una grata sensación de bienestar. Me gustaría escucharlo en un atardecer al aire libre, porque sé que sería un escenario ideal para la música que propone Adrián Paoletti.
Pasaron veinte minutos en el armado del escenario para una de las bandas que prometía ruido y rock: DDT (Demonios de Tasmania), liderada por Sharly, el cantante. En los novental formó parte de la movida contracultural con canciones irónicas sobre el mainstream estético, reflejando la noche porteña de los noventa.
Entre el público que ya estaba bastante amontonado aparecieron algunos con lentes de sol, otros con algunos tintes más rockeros con camperas de cuero y remeras rayadas.
Los DDT decidieron arrancar muy arriba. con Dandy Road Club del disco Modelo '96 (1996). La voz pelada y aguda de Sharly hizo que la gente enseguida se ponga a corear el estribillo.
Una mezcla entre lo funky con una base full rockera en la que Sharly desplegaba riffs pesados en su Epiphone SG negra. Sin embargo, veía como el público también bailaba en temas como Sudamerican Psyco, El hit del verano, Obelisco Disco.
"Sacamos quince discos, escúchen- los" decía Sharly probablemente para algún público joven que todavía no los conocía.
Después de tocar El último grito de la moda apostaron a una mayor potencia con sus últimos temas: Esterlina del álbum Niños Bien (2007), y Weekend del mismo álbum con el que arrancó el setlist. Momento poguero y bailable de la noche.
Del rock al sonido sónico, Sharly, con su casaca de fútbol azul marino y un escudo con las siglas DDT, se llevó los aplausos de un público cansado y agradecido por ese viaje a su juventud.
Lo que más me llamó la atención fue que yo era una de las pocas personas que usaba el celular (en mi caso para escribir), pero no se veían las pantallas prendidas filmando o sacando fotos. Si, mucho bailecito con latitas de birra en mano.
DDT es una banda que me llevo para seguir escuchando. Esos quince discos. que el cantante, con tanto orgullo mencionó como parte de su trayectoria, desde lo más rockero hasta ese sonido con tintes electrónicos, sampleados, que los hizo formar parte del nuevo rock argentino en los noventa.
limon
Can
Y como el line-up, muy acertado en un hilo conductor que siguió durante toda la noche, la cuota de electrónica apareció con San Martín Vampire compuesta por Sergio Pángaro, Fabio "El rey" Pastrello y Jim López.
Un trio impecable, prolijo; apenas se mostraron en el escenario ya quedé impresionada con el look de cada uno. Sirvieron outfit al festival.
Sergio, el cantante, tenía un gorro rojo turco y unos lentes de sol negros, en contraste con un saco impoluto blanco, todo un dandy.
Fabio, el guitarrista, apareció con un sombrero de ala ancha del que colgaba un velo de red negro que lo tapaba casi hasta los pies, como una novia en duelo.
Jim, la Dj, estaba con un vestido corte princesa blanco con un aura y make up muy vampiresa detrás de las consolas. En las visuales los acompañaba una luna llena gigante.
Sonó un sintetizador y se trataba de Carhué Cuarenta (Hitcliff it's me). El público que volvía del lado B de Niceto se amontonó rapidísimo llenándose casi por completo.
San Martín Vampire siguió con su setlist por medio de medleys. Sonó Nikov del disco Aspic (2021), un disco con el que retornaron a la escena local después de casi veinte años.
manera.
También un cover de Gypsy Woman de Crystal Waters, en en donde explotó
Niceto. Estábamos todos en una fiesta electrónica de los '90; las luces azules y los flashes acompañaron de la mejor
Ya era medianoche, fue necesario un poco de punchi para el festival.
La voz y performance de Sergio me dejó sin palabras: una voz muy de señor de bolero, fiel al estilo crooner, junto a esos solos de guitarra de Fabio que evocaban el soundtrack de una peli de Tarantino, con esos sonidos surfer, y en comple- mento las bases electrónicas oscuras de la Dj Jim López.
Definitivamente fue la banda que más disfruté y quedé sorprendida por esa propuesta nocturna bailable que tienen. Entre los temas que hicieron estuvieron Acid Babá, Tu aprobación del disco Gris de Neón (2025), un tema más popero sin dejar esa cuota electrónica, Astro, Te quiero para mí, y terminaron con uno de su emblemático disco Debut y Despedida (1999): Combustión.
Una canción que define a la banda por su sonido sombrío y por la frase "Mi sangre es negra". Acá la DJ Jim tuvo sul momento solo mientras en las visuales se mostraba un humo gris, dando cierre a un tremendo trío.
Quedamos todos muy movilizados al finalizar el show.
ALLFORD WITH SAN MARTIN VAMPIRE
Teníamos treinta minutos de descanso para lo que sería la siguiente banda. Me fui directo al Lado B de Niceto y la fiesta estaba en la cima.
Tocaba un trío de música electrónica experimental con tintes techno: UNO X UNO. Con unas luces leds, entre verdes y rojas, aparecía cada tanto una batería tocada junto a la improvisación en las bandejas.
Este trío liderado por Carlos Alonso, un precursor de la la música electrónica argentina.
Con la energía que nos había dejado San Martín Vampire, fue lo que como público necesitábamos para descargar lo que restaba.
Me quedé más tiempo del que debía; cuando lo noté, Los Látigos ya estaban en el escenario.
Tocaban su segundo Corazón/Razón, uno de sus últimos sencillos editado en 2025, tema new wave que se reflejaba en las visuales con una luna verde neón retro.
Previamente habían arrancado Aproximación del disco Pose (2016), disco con el que volvieron luego de un receso de casi diez años.
En cuanto al look, todos tenían ese toque dinamo y provocador: saco de vestir negro, camisa a lunares, remeras rayadas y camperas de cuero.
La voz aguda y limpia de Marcelo Zeoli se vio tapada por el coreo del público cuando arrancaron con una de sus canciones poperas más esperadas: Tan tan tan.
Siguieron en subida arengando a la gente con canciones de su disco Primeros Auxilios (2007) y en Luces sensacional ya empezó el pogo descontrolado, en donde vi al famoso Alejo Pichot arriba del arengue llegando delante de las vallas.
La gente de seguridad lo agarró y lo devolvió a a la muchedumbre por el costado.
Siguieron con temas del disco Hombre (2005) y Úsame y tírame.
Terminaron con la pregunta con la que Sergio hizo explotar al público: "No nos íbamos a ir sin hacerles esta pregunta: ¿Cuál es tu rock?".
Los Látigos supieron dar ese toque Glam a la noche, y dejaron a un público lleno de energía poguera.
con La gente iba y venía del Lado B al Lado A. Yo aproveché para quedarme cerca de la valla, estaba muy ansiosa esperando a Juana La Loca.
Una de las pocas bandas que conocía de antes. Tuvieron tanto éxito que mi niña de doce años llegó a escuchar varios de sus hits en la radio, hasta uno de sus temas más icónicos llegó a la publicidad de Quilmes en 2004.
El escenario se encendió de golpe: ni saludos ni anuncios, solo un par de acordes para que todos empecemos a corear el primer tema: Angelical, de uno de sus discos sublimes Vida modelo (1997).
Rodrigo Martín apareció con esos bailecitos al estilo Mick Jagger arengando al público que estaba como loco.
No frenaron un segundo. Tocaron trece temas como Dame pasión, A veces vuelvo a ser yo con esa base pesada rockera que me encanta. Después siguieron con Cuando estoy vacío y Estado de Shock.
Hitazo tras hitazo hicieron un recorrido por sus álbumes clásicos, con un público. que, sin cansancio, terminaron varios de ellos delante del escenario como antes había pasado con Los Látigos.
El pogo no frenó un segundo, era una fiesta sin duda.
Juana La Loca es un emblema de lo que fue el Nuevo Rock Argentino en los noventa junto a Los Brujos, y algo en común que tienen varias de estas bandas es al gran productor Daniel Melero.
mainstream.
Me resultó curioso que Rodrigo, sin tapujos, se mostró sin dientes, ni dentadura. Lo sentí como una forma muy rebelde de hacer frente a la estética que hoy en día está más en auge que nunca en muchos artistas del Algo de eso estuvo muy en coherencial con las letras que su música, en conjunto con algunas otras bandas. como DDT, se posicionaban como contraculturales de lo que se piensa que es lo hegemónico, contra lo establecido.
Juana La Loca cerró con canciones de sus discos más viejos: Vida modelo, Agujeros Negros del disco Revolución (1995) y terminaron con Autoejecución del disco Electronauta (1993).
Las últimas palabras del cantante para cerrar fueron claves para lo que el país. está atravesando: "Es probable que la batalla esté perdida, pero ustedes y yo vamos a vender cara la derrota".
El público ovacionó esas palabras fervientemente. Superaron expectativas y ojalá los sigamos escuchando por muchos años más.
A partir de ese momento no me moví de la valla, porque lo que se venía era aún con más potencia.
mis
Angelical
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Los Brujos, otra banda que no necesita ningún tipo de presentación siendo arrasadores de la escena de los '90, aparecieron como siempre con un look excéntrico: prendas de cuero negro, las caras también pintadas de negro acompañados de unos cascos de obra del mismo color.
En las visuales una cara negra que daba ese toque sombrío y a la vez juguetón.
Arrancaron con el clásico Kanishka. Alejandro Alaci cantaba junto a Fermín Rúa, hijo del ex miembro de la banda Ricky Rúa.
Fermín, siendo el joven integrante de la banda, aprovechó para marcar la energía del show: desde el segundo tema se tiró de lleno al público y, a partir de ahí, no hubo tema sin pogo.
Siguieron con sus hits como La bomba del disco San Cipriano (1993), un riff pesado acompañado de una batería rítmica funky impecable. También con Cachorro de tierra del mismo disco.
El público no tenía control de sí mismo y me resultó bastante difícil estar en la valla, ya que entre la fuerza de la banda y el pogo sacadísimo parecía un recital de heavy metal.
Increíble, pero eso generaban los riffs pesados de Fabio "El rey" Pastrello, siendo su segunda participación en el real.
festival, ya que anteriormente había tocado con San Martín Vampire.
También sonaron dos temas inéditos que todavía no están subidos a las plataformas como Antisocial y Nada es
El setlist continuó con Yo caí por tu amor, Beat Hit y Azul lucero, en el que aprovecharon para homenajear a Ricky dedicándole unas palabras.
En No matarás / La salamanca participó de vuelta Fermín en las voces, y finalizaron con una triada de temas del álbum Guerra de nervios (1995): Psicosis total, Agua viva y Atlánticos.
Anticiparon su próximo recital en el Complejo C Art Media el 21 de marzo.
Estuvieron impecables de principio a fin, lo más pesado del festival. Un recital enérgico que vale la pena y recomiendo. personalmente experimentar.
Ya para esta hora muchas personas aprovecharon para irse, y quedó un resto del público para ver a un dúo que tal vez no era tan conocido como lo que veníamos escuchando.
Sin embargo, siento que formaba parte del hilo conductor del festival. No tan rockero ni glam, pero sí con una impronta entre los ochenta y los noventa a través del sonido darkwave que proponía esta banda llamada Balvanera.
La cantante Agustina Vizcarra y Lucas Ledoux en las bandejas transportaron a un viaje sombrío que por momentos me llevó a lugares como el famoso boliche gótico de microcentro, Requiem, o la iglesia convertida en espacio de fiestas dark: Soma.
Algunos del público captaron la atmósfera en la que se había convertido Niceto. Chicos con outfits más oscuros, tachas y barbijos negros acompañados de movimientos típicos de dark techno. Otros que tal vez no conocían la banda se quedaron intentando formar parte, curiosos por introducirse en nuevas formas de disfrutar la música.
Agustina tenía una voz muy poderosa y segura, acompañada de un eco que sonaba ideal. Pidió que apaguen las visuales y todo se enfocó en su música. Tenía un vestido negro con hombreras y lo que parecían dibujos de telas de araña en blanco bordados en el vestido
Aprovecharon para tocar varios temas.
nos de sus únicos dos álbumes. El primero es Delusion/Desire del 2018 y Courses of Action en 2021.
Uno de los temas que más me gustó fue Narratives, que recomiendo para introducirse en este hermoso dúo que roza entre lo gótico y lo viejo de Depeche Mode.
Fue un festival bastante largo, pero muy disfrutable.
Celebro mucho el line-up porque viajé a una época que no llegué a vivir ni en la calle ni en sus antros, pero la mayoría de las bandas que tocaron mostró que la trayectoria no viene sola: todas fueron muy prolijas y auténticas.
El público en su mayoría era gente de esa época, muy fiel a estas bandas no solo por la originalidad de su propuesta, sino porque hoy cuesta encontrar algo. similar dentro de la nueva escena.
Algo que me fascinó fue la improntal argentina porteña en las letras, algo que hoy se está perdiendo un poco.
Con respecto a la movida sónica, fue parte de una época en la que se estaba gestando la crisis del 2001, algo muy similar a lo que hoy estamos viviendo.
Quizás este festival sea un recordatorio de que las épocas de crisis también pueden parir nuevas estéticas y sonidos auténticos, como ya lo hicieron en los noventa.
En el mes de marzo se celebra la 98.a edición de los Premios de la Academia. Cuenta la leyenda que el galardón más prestigioso del cine toma su nombre del tío de una bibliotecaria a quien la estatuilla le recordó a su pelado y brilloso tío Oscar ¿Me ¿Me tomé un permiso narrativo en la descripción? Puede ser.
En lugar de proponerles una maratón con todas las nominadas, vengo hacer justicia cinematográfica. Les traigo una selección recortada y aleatoria de películas que fueron relegadas o quedaron opacadas por los premiados.
a ¡Hola! Soy Nati. Miro muchas películas y quiero que ustedes también las vean. Bienvenidxs al Videoclub.
Sorcerer (1977)
Conocida como El salario del miedo. No conocés la ansiedad hasta que ves esta película. Unos hombres muy rudos exiliados en algún lugar sumamente húmedo y caluroso de centroamérica toman el trabajo más peligroso de sus vidas: trasladar dos camiones cargados de dinamita inestable a través de la selva inhóspita.
Contada así puede no ser muy atractiva. la propuesta pero solo voy a decir que Friedkin también dirigió El Exorcista.
Dir. Steven Spielberg.
Hoy un clásico. Fue nominada en once categorías en los Oscars de 1986 y perdió en todas. Basada en la novela de Alice Walker, la historia situada a principios de 1900 sigue la vida de Celie, una mujer afroamericana que supera décadas de abusos, racismo y sexismo en el sur de Estados Unidos.
Sueños de Libertad en español, cuenta la historia de un banquero condenado injustamente a cadena perpetua, pero su inteligencia y esperanza son más fuertes que el corrupto sistema penitenciario. Es considerada una de las mejores películas de la historia pero competía contra Pulp Fiction y Forrest Gump. Estaba difícil. Nota de color: está basada en una novela nada menos que de Stephen King.
It's about life. It's about love It's about us.
STEVEN SPIELBERG THE COLOR PURPLE DANNY GLOVER ADOLPH CAESAR MARGARET AVERY RAE DAWN CHONG WHOOPI GOLDBERG Cale Drectory ALLEN DAMIAU
MICHAEL RINA MICHAEL KAHN ACE QUINCY JONES Baby ALICE WALKER MENNO MEYES ON PETERS PETER GUBER STEVEN SPIELBERG KATHLEEN KENNEDY-FRANK MARSHALL-QUINCY JONES Dd by STEVEN SPIELBERG
WARNER BROS.
PG-13 STRONGLY CRITONE CH
Moon (2009) - Dir. Duncan Jones. Sam Rockwell y sus bailecitos ¿qué más querés? Un astronauta que trabaja solo en una base lunar está a pocas semanas de terminar su contrato de tres años. Comienza a sufrir extraños episodios y descubre una verdad inquietante sobre su identidad y la corporación para la que trabaja.
CAN HOLD YOU PRISONER. HOPE CAN SET YOU FREE
SHAWSHANK
REDEMPTION
ACADEMY AWARD NOMINEE BEST FOREIGN LANGUAGE FILM "Feels like the first classic of the new decade, with sequences that will probably make their way into history!"
Elvis Mitchell, THE NEW YORK TIMES allavista films presents amores perros a film by alejandro gonzález Iñárritu
CANNES INTERNATIONAL FILM FESTIVAL CRITIC'S WEEK FLANDERS INTERNATIONAL FILM FESTIVAL CHICAGO INTERNATIONAL FILM FESTIVAL AFI FESTIVAL LOS ANGELES AUDIENCE AWARD INTERNATIONAL FILM FESTIVAL BOGOTA (COLOMBIA) VALDIVIA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL (CHILE) SAO PAULO INTERNATIONAL FILM FESTIVAL TOKYO INTERNATIONAL FILM FESTIVAL FILMS FROM SOUTH FESTIVAL [NORWAY) FESTIVAL DE CINE IBEROAMERICANO DE HUELVA [SPAIN] FESTIVAL DE CINE IBEROAMERICANO [CUBA) MOSCOW INTERNATIONAL FILM FESTIVAL
RE www.amoresperres.com
El Gran Lebowski (1998) Dir. Ethan y Joel Coen.
Una para descomprimir. Un tipo relajado que solo quiere, fumar, tomar y jugar al bowling queda envuelto en una trama absurda de rescates, estafas y personajes excéntricos tras el secuestro de la esposa de un millonario.
ANDREW GARFIELD ADAM DRIVER and LIAM NEESON
JAY COCKS & MARTIN SCORSESE MARTIN SCORSESE
Amores Perros (2000)
Cómo no la viste, pinche escuincle. Fue una de las primeras películas latinoamericanas en narrar de manera no lineal. Conecta tres historias que se entrelazan en un un brutal accidente a través de la violencia, el amor y los perros, claro.
Silence (2017)- Dir. Martin Scorsese. Una parte de la historia no tan conocida. Dos sacerdotes jesuitas portugueses que, en la década de 1640, viajan desde Portugal al Japón en busca de su mentor desaparecido y se encuentran con una represión brutal contra los cristianos, quienes deben practicar su fe en secreto. Tiene drama, tiene suspenso, tiene historia. Tiene a Andrew Garfield, Adam Driver y Liam Neeson. ¿Ya dije drama?
El Aura (2005) - Dir. Fabián Bielinsky. Una para casa. Fue elegida como candidata para el Oscar pero no quedó. Y es una lástima porque es un thriller con todas las letras, con tensión, con Darín taxidermista, con misterio y en un escenario patagónico.
SELECCIONADA AL OSCAR 2006 Mejor Pelicula Extranjera
Una imperdible: Civil War (2024) Dir. Alex Garland.
Se la ven venir. Se desata una nueva guerra civil en Estados Unidos que está llegando a un punto crítico. Un grupo de periodistas y CIVIL WAR fotógrafos viaja desde Nueva York hacia
WRITTEN AND DIRECTED BY ALEX GARLAND
FROM THE WRITER OF 28 DAYS LATER EX
La yapa: The Lobster (2017) Dir. Yorgos Lanthimos
En un futuro distópico, las personas solteras son enviadas a un hotel donde tienen 45 días para encontrar pareja; si no lo logran, son transformadas en el animal que elijan. No pregunten, veanla.
Washington D.C. buscando entrevistar al presidente antes de que el asedio a la capital lo derroque. En el camino documentan el caos, la violencia y el colapso en las distintas facciones del conflicto.
COMPETITION
COLIN FARRELL RACHELWEISZ JESSICA BARDEN OLIVIA COLMAN ASHLEY JENSEN ARIANE LABED ANGELIKI PAPOULIA JOHN C. REILLY LEA SEYDOUX MICHAEL SMILEY BEN WHISHAW
Una pausa
Haciendo un contaste con "Yo, adolescente” que quisiste transmitir o cual fue el puntapié del film.
En 300 Cartas se trabajan otras temáticas, como salud mental y adolescencia. En esta película me interesaba trabajar los vínculos de pareja, principalmente, y como miramos 0 no miramos a quien tenemos adelante, si esa persona es depositaria de la mirada que yo tengo sobre el otro, no? Mis prejuicios puestos en el otrx, mis deseos puestos en el otrx, y no ver al otrx realmente como es. Hay una diferencia entre esos dos elementos.
El puntapié inicial de la película es algo que yo veo en el colectivo LGTB y en la gente en general: que no nos miramos. mucho y que depositamos nuestros prejuicios en el otrx, especialmente dentro de las redes sociales. Es más lo que me interesa a mi decir que escuchar al otro lo que realmente tiene para decir.
¿Cómo lograste la química entre los personajes principales?
Trabajamos muchísimo entre Cristian y Gastón Frias, a través de ensayos, para lograr la química. Primero fue el proceso de casting, cada uno por separado, porque no habían trabajado juntxs. Toda la película se ensayó 15 días antes de filmar; eso generó una suerte de amistad entre actores,
pudiendo generar como puntapié inicial la química de los personajes. No son pareja los actores, claramente, pero logran transmitir porque son muy buenos actores y tienen mucho talento. Yo lo único que hice fue proponer situaciones que los llevaba a que se quisieran los personajes, nada más.
¿Por qué elegís un desenlace del orden de lo "no esperado"? (Alerta Spoiler)
Si pensamos en las comedias románticas, por lo general terminan con los dos protagonistas juntos: se acercan, se alejan y se vuelven a acercar. En este caso, las propias diferencias de los personajes y esto de que se vuelve a modificar: Jero puede hacer un cambio y aprende a vincular- se; no así con Tom, que no aprende a vincularse con Jero, no lo acepta.
No me parece un final tan descabe- llado. No es lo esperado porque el género pide otra cosa.
¿Tenés en mente otros proyectos?
Tenía un guión que lo presenté al Instituto de Cine, que quedó a medio camino a causa de las políticas de ese gobierno. También estoy escribiendo sobre temática de violencia hacia personas trans y me estoy dedicando a hacer teatro.
¿Cómo ves la situación del cine actual en la Argentina?
A pesar de las dificultades de financiación y de producción, y que realmente la Argentina se ha vuelto un país caro para filmar debido a la gran inflación que ha habido en estos últimos años, creo que nuestro cine, nuestro gran cine, los trabajadores del cine, nuestra comunidad del cine, han podido salir adelante.
Es una comunidad pujante, que a pesar de todas las crisis que hayamos vivido en todos los años, ya sea este gobierno o los anteriores, no dejamos de filmar, no dejamos de crear cosas nuevas. Hay quienes tienen mayores. contactos y pueden hacer producciones para afuera y plataformas; hay quienes tenemos otros contactos y conseguimos apoyos privados, como es el caso de esta película, y podemos hacer películas independientes, sin apoyos estatales. Y si no, hay gente que hace mucho cine por amor al cine: entonces se juntan entre amigues y hacen películas.
Por más crisis que haya, nosotrxs vamos a seguir trabajando. Es un cine. muy pujante el nuestro. Somos una comunidad muy sana.
¿Crees que existe un cine de género LGBTIQ+?
Creo que los géneros de cine ya están planteados y son conocidos por todxs: policial, drama, tragicomedia, etc. No. creo entonces que haya un cine de género LGTBIQ+, si creo que existen temáticas LGTBIQ+.
Creo que hay hay temáticas más reconocibles, como la salida del closet, el bullying, la discriminación, la violencia hacia personas del colectivo. Pero si creo en un cine que tiene contextos de comunidad o personajes de la comunidad.
Por ejemplo, 300 cartas no es una película gay, si no que sus personajes son una pareja gay, pero es una peli que habla de vínculos en la actualidad y en este nuevo mundo digital. Pero cualquier persona puede sentirse identificada, sea o no homosexual, porque todos hemos dejado a alguien, nos han dejado, nos han ghosteado y hemos ghosteado. Podemos reconocernos en ese tipo de vínculos.
Recomendaciones nacionales: Hawai de Marco Berger, Sexo y Revolución, Rosaura a las 10.
Internacionales: La Doble vida de Verónica, Legalmente Rubia, Inteligencia Artificial de Steven Spielberg.
300 Cartas se proyecta en el Centro Cultural de la Cooperación todos los miércoles de marzo
Hestald + Radicäl en Niceto
Texto: Oscuro Diamante (@OscuroDiamante) Fotos: Choique (@Choique
El ciclo $0PESOS que se lleva adelante en Niceto Club viene dándole espacio a muchas bandas de la nueva escena. En esta ocasión, el jueves 12 de febrero le tocó el turno a dos bandas que vienen pisando fuerte.
Hestald fue la encargada de abrir la noche. La banda, oriunda de zona sur, está conformada por los hermanos De la Corte: Agustín en teclados y Matías en guitarra, TURO
ППЛ
Franco Polo Rossi Serra Lafluf en bajo y Augusto Frate en batería.
Los Hestald son una máquina sonora que arranca y no para ni un segundo, que va calentándose a medida que pasa el show pero nunca pierde la intensidad. Las guitarras filosas prenden la chispa y generan los gritos del público, el bajo es pesado y fuerte como una piña en la cara, y la batería sube todo al máximo nivel.
A קל
BASI
Lo que más transmiten los pibes es su hambre: de tocar y de conectar con su público, que por cierto es muy fiel, los sigue a todos lados y corea las canciones de principio a fin. Agustín, voz líder, salta y se mueve de un lado a otro. Nadie lo puede parar y a la gente le encanta.
Se toma un momento, a la mitad del show, para agradecer por la presencia de tanta gente y decir que ellos son "el rock del futuro", frase que también está escrita en su remera.
En Hestald también hay lugar para los pasajes sonoros que se extiende
LACK FLAG
Blackstar
Roland durante un buen rato y en los que los pibes se animan a dejarse llevar por la masa de ruido que los contiene: en el escenario no hay lugar para las individualidades, los cuatro son uno solo. Son la máquina que arranca y no para ni un segundo.
Los pibes también se toman la licencia de hacer un cover de Despiértate Nena de Pescado Rabioso, como solo ellos lo saben hacer, y muy bien, y de cantar a los gritos (a lo Hestald) Como me gusta la noche de Nene Malo y Hoy Te Vi de La Liga, entre otras.
XPS-18
Luego le tocó el turno a Radicäl. También de zona sur, la banda está integrada por Santiago Rodríguez en voz y guitarra, Tomás Díaz en bajo, Agustina González en guitarra y Franco Turquía en batería.
Las melodías de guitarra de Agustina asoman tímidas pero con fuerza, mientras la voz de Santiago se amplifica con un color muy especial y logra llamar la atención, tanto de atentos como de distraídos. El bajo y la batería hacen su trabajo y sostienen a sus compañeros.
El sonido de Radicäl es explosivo, magnético y pegajoso. Muy cancionero, remite a las bandas de rocanrol de principios de los 2000. Y a la gente le gusta.
"El conurbano también existe", dice el cantante a mitad del show y también se toma el tiempo de remarcar lo importante que es para la banda poder tocar en un lugar clave como Niceto.
Cinco minutos después, sigue cantando y se cuelga del costado del escenario. Y a la gente también le gusta. La conexión con el público está muy presente de principio a fin: nadie quiere perderse ningún tema y nadie. deja de agitar.
El final es un poco menos feliz. Una vez terminado el show, el bajista tira el bajo a la gente y lastima a un chico.
La gente se enfría un poco mientras se va, y me deja pensando. Quizás hacer rock es mucho más que colgarse un instrumento y salir a tocar: es poder disfrutar de la música y cuidar al que tenés al lado.
OCLUB 2
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A veces funciona, a veces no Si, como yo, te criaste leyendo el Sí! de Clarín, la Rolling Stone o incluso la Soy Rock, además de haber acumulado algunos años encima y la espalda a la miseria, Rockera, de Lisandro Skar, te va a hacer viajar directo a principios del milenio. A esos años en los que, en cada esquina, un grupo de pibitos con una guitarra criolla y un balde jugaban a ser la banda nueva que la iba a pegar.
En tiempos donde el rock sobrevive entre festivales revival y playlists con tufo a algoritmo, este disco pone las cartas sobre la mesa: guitarras al frente, estribillos claros y letras que no pretenden salvar al mundo. Simplemente se presenta y dice: "Hola, acá estoy. Soy esto".
Rockera es, de entrada, una rareza: es un disco. En plena época del single cada dos meses, acá hay 14 canciones en 40 minutos. Un recorrido que remite tanto a la escuela garagera de The Strokes o Arctic Monkeys como a la narrativa
barrial del Pity Álvarez o de Junior de La 25. Y aun así no pretende ser la salvación del rock ni reinventar la pólvora: hace explotar.
"Hay un par que están de siempre, a esos tengo que cuidar", canta en No voy a parar, asumiendo la exposición que le llegó tras su ascenso viral en 2025. La batería y el bajo cumplen su función: sostener el ritmo y dejar que la guitarra juegue. Una carta de presentación directa, que abre el juego para Forastero, un tema que
podría haber estado en los primeros discos de Viejas Locas o Jóvenes Pordioseros. Sobre una línea de bajo elegante se cuenta la historial de una noche cualquiera, coronada por un estribillo que, quieras o no, se te va a pegar: "Ella era el rock, rock, rock".
Uno de los rasgos más interesantes del disco es que se permite contar historias. No me mires así sigue esa línea: sobre una guitarra sucia narra la aventura de una noche que parecía "una birra y nos vamos", pero termina a las siete de la mañana en algún bar del conurbano, con una Quilmes tibia y Los Redondos sonando de fondo.
"¿Viste que te dije que iba a dejar de salir de noche y alejarme de los problemas y de zarparme y hacer cualquiera? Pero no puedo dejar de salir".
¿Crisis o madurez? arranca con un riff limpio, bajo marcado y guitarras que entran y salen con dinámica. La batería aparece para empujar el estribillo, donde la letra apunta a ese momento incómodo en el que te das cuenta de que estás creciendo y quizá haciendo todo bastante mal.
“Me di cuenta de que hace mucho que no ahorro, que no cambiaba las zapas por siempre comprarme porro".
Dos minutos al frente que dejan flotando la la pregunta: ¿crisis madurez?
La Más Linda —sí, clara referencia a Esa estrella era mi lujo- arranca como un rock bien popero que amenaza con volverse empalagoso, hasta que la distorsión entra justo a tiempo y convierte el estribillo en un pogo de esos que te llena(ba)n.
Después el disco baja un cambio con una balada bien rolinga, digna de La 25 o La Mocosa: arpegios limpios que se van llenando de capas mientras la letra observa lo efímero de las relaciones con una resignación elegante.
"No intentes escapar: tarde o temprano te van a agarrar".
Contraponiéndose donde aparece el amor adolescente e idílico, con un saxo que acompaña el fraseo:
“Con tu risa el mundo es mejor”.
Las tres canciones siguientes abren el abanico y se alejan un poco del sonido rolinga, aunque siguen dentro del circuito que entre 2004 y 2006 sonaba en todos lados. Dicen mis amigos tiene algo de Los Tipitos, contando los restos de una relación que no termina de soltarse. Está pasando Juan nos lleva al costado más punk y festivo de Árbol, donde Skar celebra el presente y el reconocimiento popular. El acordeón final la vuelve todavía más urgente y alegre. El trío se completa con No sé, que suena a Turf cinco minutos antes de saltar al mainstream. Con algo de Playboy y con Portón, otro algo de Loco un poco.
"Creo que me estoy enamorando y me gusta estar así".
"Todo no se puede y tienen que pensar en cuál quilombo es mejor no estar", canta en Todo no se puede, una historia de amor sostenida por guitarras prolijas que explotan en el estribillo. Una versión trash del "siempre hay quilombito en un cielo de dos", que canta el Indio.
Como si hubiéramos muerto es un guiño al lado más rolinga del punk de 2 Minutos. Guitarras envolventes y una batería llena de de cortes ramoneros sostienen una de las piezas más efectivas del tramo final.
El cierre enérgico llega con Rata rabiosa. Desde el título se intuye una canción podrida, y no decepciona: un riff salido de una licuadora entre Ratones Paranoicos y Los Piojos. Puede leerse como crítica personas tóxicas, a impostadas o incluso a uno mismo. También suena bastante a Sucio Sheriff de La 25.
Para cerrar aparece Alguien que yo no es. Probablemente el 100 % de quienes se cruzaron este tema en redes donde se viralizó fuerte en Tik Tok y Reels de Instagrampensaron automáticamente en Señor kiosquero, y la búsqueda fue tan honesta como real. Pero la letra va hacia otro lado: una declaración de principios que termina con una línea clara: "No necesitás un tipo que esté mal; necesitás uno normal", tirando además una crítica solapada a esa generación de bigotitos. prolijos y camisetas vintage que no salen de Villa Crespo.
Rockera se sostiene en riffs reconocibles, estructuras clásicas y letras que oscilan entre la ironía, la observación urbana, historias de amor y pequeñas declaraciones de principios. Es un disco honesto, con energía rolinga y lucidez a escenas generacional. No se pone a gritar "salvemos al rock": simplemente suena a rock.
Para el público millennial geriátrico que creció escuchando discos completos, Rockera funciona como un vaso de agua en el desierto.
Tres acordes, buenas frases y estribillos pegadizos.
A veces no hace falta nada más.
9 Juancitos sobre 11 posibles.
Postales de shows recientes.
Un registro visual de la música en movimiento.
Histerica, DENEBE y Eterno instante La Tangente 07/02/2026
ETERNO INSTANTE
dE de Gira
Nochteff, Red Catarsis, Dj Sergio Rotman & Asiadelsur
NOCHTEFF
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