Desvio é mais do que uma revista, é um projeto de pesquisa artística que nasce do desejo de olhar para o que está fora do centro, para o que escapa às narrativas oficiais. Incentivado pela PNAB – Programa Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura 2024, por meio das Bolsas Artísticas de Pesquisa de Pernambuco, Desvio busca criar um espaço de reflexão e visibilidade para práticas artísticas que emergem do território, atravessadas por suas histórias, tensões e afetos. A primeira edição, intitulada Mapear o que escapa, dedica-se a um mapeamento da produção artística no Vale do São Francisco, reunindo entrevistas, trabalhos visuais, textos, ensaios e artigos críticos que exploram a potência criativa da região. Esta edição foi construída de forma plural e colaborativa, através de seleção pública, convites diretos e submissões espontâneas, resultando em um panorama diverso que vai do experimental ao documental, do íntimo ao coletivo. Ao reunir essas vozes, Desvio propõe um gesto de escuta e de resistência: registrar e tornar visíveis as narrativas que habitam as margens, que se formam entre o rio e o sertão, entre a memória e o futuro. Mais do que um catálogo ou uma coletânea, esta revista é um espaço de encontro, onde artistas, pesquisadores e comunidades se cruzam para produzir novas cartografias possíveis. Organização e Diagramação: Santiago
89 pages · tap a page to read its text
HEE
TAK
Canon
Foto: Adriel Marques
Desvio é mais do que uma revista, é um projeto de pesquisa artística que nasce do desejo de olhar para o que está fora do centro, para o que escapa às narrativas oficiais. Incen- tivado pela PNAB – Programa Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura 2024, por meio das Bolsas Artísticas de Pesquisa de Pernambuco, Desvio busca criar um espaço de reflexão e visibilidade para práticas artísticas que emergem do território, atravessadas por suas histórias, tensões e afetos.
A primeira edição, intitulada Mapear o que escapa, dedica-se a um mapeamento da produção artística no Vale do São Francisco, reunindo entrevistas, trabalhos visuais, textos, ensaios e artigos críticos que exploram a potência criativa da região. Esta edição foi constru- ída de forma plural e colaborativa, através de seleção pública, convites diretos e submissões espontâneas, resultando em um panorama diverso que vai do experimental ao documental, do íntimo ao coletivo.
Ao reunir essas vozes, Desvio propõe um gesto de escuta e de resistência: registrar e tornar visíveis as narrativas que habitam as margens, que se formam entre o rio e o sertão, entre a memória e o futuro. Mais do que um catálogo ou uma coletânea, esta revista é um espaço de encontro, onde artistas, pesquisadores e comunidades se cruzam para produzir novas cartografias possíveis.
Organização e Diagramação: Santiago
Com quantas canoas se faz uma ribeirinha
Memória do quem já fui, 0 do que vivi, do que era e que não sou mais
Adriel Marques é estudante de artes visuais e artista experimentador do vale do são Francisco. Caminha pela fotografia, desenho e vídeo. Realizou em 2024 a Mostra de Vídeo do Cartes, durante o festival de Artes Visuais da Univasf, uma mostra voltada para a exibição de filmes estudantis. Em 2025, dirigiu o curta- -metragem Peça de Sangue.
"Passados-Presentes Expostos por Muito Tempo" foi parte de um processo de experimentação ao ar livre com um grupo de jovens artistas do vale do são Francisco. As Imagens capturadas por Adriel Marques brincam com a longa exposi- ção fotográfica, provocando um distanciamento entre a repre- sentação e o real, em meio ao ambiente "natural" projetado de um parque localizado no centro urbano da cidade de Petroli- na. A longa exposição proporciona a visualização de corpos múltiplos ao redor de uma árvore de galhos secos, enquanto esses corpos interagem e expressam emoções sensíveis nessa proposta estética. As fotografias propõe retratos onde o rosto dos jovens negros e pardos é um elemento turvo, que divide o quadro com estabilidade das árvores, propondo uma reima- ginação do retrato ao longo da historia da arte. (Participação: Caio César, Coisarine, Edryano Martins, Thefuckmari)
THE RICK
PTC
Brenno Fraga é artista visual e têxtil pernambucano. Sua pesquisa emer- ge da vulnerabilidade e da delicadeza como gestos de insurgência, explo- rando a costura como prática poéti- co-política que tensiona a masculini- dade normativa e celebra o vulnerável como força criadora.
O resto é tempo, 2024 botões e miçangas costurados sobre voil em bastidor de madeira, 29cm x 29cm x 1,5cm
A obra nasce do gesto paciente e delicado da costura, em que bura- cos, remendos e cicatrizes se tornam matéria de fabulação. Sobre um tecido translúcido, botões e miçangas se acu- mulam em constelações sensíveis.
A escolha pelos materiais, his- toricamente associados ao feminino, ao íntimo e ao doméstico, tensiona os imperativos de dureza e rigidez pro- postos pela masculinidade heteronor- mativa. Sobre essa superfície delicada, botões, miçangas e pérolas são aplica- dos como marcas do tempo, acúmu- los de simbólicos.
Propondo um jogo entre o que falta e o que transborda, invento como criança um território poético em que cubro minha pele de botões para fa- bular novas margens e tecer escudos.
A partir desses materialidades per- cebo que curo a mim mesmo me costurando, mesmo que doa me atravessar a agulha.
Brenno Fraga
João Oliveira Nascido em Bonfim e residente em Juazeiro, é graduando em Direito pela UNEB, membro do Motim Esperança Garcia: Formação Jurídica e Epistemologias Insurgentes. Escreve às vezes.
desaguando na quebra da canoa eu vi a água turva entrar.
não era ameaça, era o início.
um começo que não sabia ser começo.
não foi invasão, foi gesto, um toque de dentro pra fora, como quem encosta na pele do medo e diz: agora é hora.
a canoa gemeu, como se o mundo, de leve, se inclinasse para dentro de mim. na relva do rio, o tempo se fez outro:
um bicho que respira entre o antes e o depois.
e eu, quieto, olhava a cor mudar.
mexendo o mundo só por estar ali, respirando torto.
a corrente me tomou.
talvez não fosse o rio, talvez fosse eu, movendo as margens.
tudo se confundiu: água, corpo, vento, num contra-espaço de reverso, onde o ar se nega a servir à fuga.
a canoa partiu.
não quebrou, partiu-se em mim. e o espaço, ah, o espaço, se dobrou como arrepio quando sente.
eu apenas fiquei entre o que era e o que se tornou, vendo a estação virar e o mundo emergir diferente.
Cartografias afetivas, políticas e poéticas na exposição indi-
vidual de Morgana Caroline.
Por: Santiago
Nascida em Juazeiro (BA) e criada em Petrolina (PE), Morgana Caroline inscreve em sua produção uma investigação constante sobre a cidade, o corpo e suas intersecções. Não se trata apenas de retratar o lu- gar onde vive, mas de revelar as ca- madas históricas, afetivas e políticas que estruturam o cotidiano urbano e suas violências simbólicas e materiais. Como propõe Milton Santos (1996), o espaço não é apenas um palco onde vida acontece, mas um agente ativo na formação de subjetividades. Mor- gana toma esse princípio como base e o transcreve visualmente com ges- tos gráficos, matérias diversas e um discurso poético que se recusa a ser marginalizado sob o rótulo de "arte regional".
Morgana é artista visual, tatua- dora, professora e produtora cultural, termos que reivindica com naturalida- de e densidade, como quem nomeia não apenas funções, mas modos de existir no mundo. Em sua trajetória, o fazer artístico não se separa da experi- ência vivida, da mediação pedagógica nem da construção coletiva. Ao longo de sua trajetória, a artista tem cons- truído um repertório sólido e sensível em torno de temas como território, identidade, gênero, ancestralidade e arte expandida. Neste sentido Mor- gana elabora, submete e recebe o in- centivo estadual da Lei Paulo Gustavo de Pernambuco, para a montagem da exposição, Com Quantas Canoas se Faz
Uma Ribeirinha, apresentada em 2025. Ela sintetiza anos de pesquisa prática e teórica com uma coerência formal que é fruto de continuidade, e não de repetição.
A exposição não é apenas uma mostra de obras inéditas, mas um “ar- quivo vivo" e um autorretrato expan- dido que se estrutura a partir de um longo processo investigativo. Mais do que exibir técnicas que transitam en- tre o desenho, a aquarela, a cerâmica, a gravura e a tatuagem, a artista ofere- ce ao público um mergulho nas com- plexidades políticas e afetivas de sua cidade, sua família, sua sexualidade, seu corpo/carne/canoa.
O caderno como gesto inaugural entre 2016 e 2017, abrindo caminho para uma reflexão contínua sobre per- tencimento, deslocamento e as múlti- plas camadas do território.
A gênese da pesquisa de Morgana está intimamente ligada ao uso de cader- nos. Uma prática que começou de forma lúdica na infância, com restos de folhas, tornou-se uma metodologia acadêmica e artística em 2013, na uni- versidade, por incentivo do professor Zé de Rocha. Foi a partir da produ- ção de quatro cadernos durante cinco meses que nasceu a obra Reaver o Vale, apresentada no Salão Universitário de Arte Contemporânea (Salão Único) deslocarmos. A partir daí, o caderno
Para a artista, o desenho sem- pre foi “sua casa”, mas não o desenho técnico ou de perspectiva. Ela com- preende o desenho no campo expan- dido: o traço como dança e como o rastro que deixamos na cidade ao nos
se consolida como extensão do cor- po, arquivo de pensamentos, território de experimentação gráfica e escrita. Nas palavras de Susan Sontag(2012), "nos diários, a pessoa cria a si mes- ma”. Sontag evidencia a escrita e, por extensão, o caderno do artista como prática de construção subjetiva: ao registrar ideias, dúvidas, memórias e deslocamentos, o sujeito não apenas documenta o que vive, mas elabo- ra e reinventa a própria experiência. Assim, o caderno deixa de ser mero suporte e torna-se dispositivo de for- mação, espaço onde identidade e pen- samento se constroem em processo.
Na universidade, Morgana pas- sou a utilizá-lo para integrar a peda- gogia, a história da arte e a prática. Quando precisou assumir a sala de aula muito cedo, ainda no terceiro período do curso, ela levou essa me- todologia aos seus alunos. O fato de produzir ativamente a mesma arte que estava ensinando estreitou laços e a aproximou de suas turmas.
Além disso, o caderno tornou- -se um mapa vivo de seus percursos urbanos. Ao registrar as localizações por onde andava em Petrolina, e até mos.
mesmo documentar o período em que ficou impossibilitada de circular após deslocar o joelho, a artista concluiu que o "não deslocamento" também explica a relação de apatia de mui- tos moradores com o território. Para Morgana, quando não circulamos e não deixamos nossos traços pela ci- dade, falhamos em criar identidade e identificação com o lugar onde vive-
O elemento central que costura a exposição é a figura da canoa, que inicialmente surgiu de forma intuitiva em seus desenhos híbridos, muitas ve- zes transpassando rostos e bocas, até que a artista compreendeu a sua força simbólica. No entanto, Morgana faz questão de ressaltar que esse elemento não é uma metáfora distante: "a canoa é de fato a canoa". Na obra A Rainha de Massangano, por exemplo, a embar- cação retratada é a canoa real de seu tio, um ilhéu que deixou a zona urba- na para criar os filhos na Ilha do Mas- sangano. Ela materializa memórias de infância, o aprendizado do nado e a própria construção da identidade de sua família, que se confunde com a história do território ribeirinho.
A canoa se desdobra em múl- tiplos significados ao longo da mos- tra, funcionando como corpo, ferida e transporte de afetos. Na obra que leva o nome da exposição, Com Quantas Canoas se Faz Uma Ribeirinha, 130 bar- quinhos de cerâmica foram envasados em um pote de vidro transparente, re- velando a fragilidade e a transparência de um processo de moldagem contí-
nua. Cada barco representa as inúme- ras fases e vivências que a moldaram enquanto ribeirinha, mulher, lésbica, artista e professora.
O processo de realização da instalação foi atravessado por um forte componente afetivo. A artista contou com a colaboração de sua so- brinha na etapa de limpeza da argila, gesto que transformou a feitura da obra em experiência compartilhada. Ao ver a peça finalizada na galeria, a criança demonstrou um visível senti- mento de pertencimento e orgulho, reconhecendo-se como parte consti- tutiva daquele trabalho. Desse modo, a canoa ultrapassa sua dimensão ma- terial e se consolida como um repo- sitório vivo de memórias encarnadas, tecido não apenas pela lembrança, mas pela experiência coletiva inscrita no próprio fazer.
Mas a potência desse signo re- side também em sua capacidade de ativar memórias coletivas. Ao rece- ber as fotografias da exposição pelo WhatsApp, um tio da artista reavivou lembranças familiares relacionadas às travessias noturnas no rio e às luzes que surgiam sobre a água. O episódio evidencia como a obra extrapola o espaço expositivo e alcança o campo da experiência compartilhada, instau- rando um processo de identificação e atualização do passado no espectador. Sobre essa situação, a artista relata que, após o envio das imagens por sua mãe, o tio passou a comentar que a exposição estava "muito linda", e, a partir disso, iniciaram uma conversa sobre as idas da família ao local, reto- mando memórias que há tempos não eram evocadas.
Um dos pontos mais críticos do discurso da artista é o tensionamento com o circuito da arte que tenta li- mitar seu alcance ao rotulá-la como produtora de "arte regional”. Ao per- ceber seu trabalho furando bolhas e alcançando espaços nacionais, como a aprovação em um edital da Funar- te ou o contato de pesquisadores da USP, Morgana passou a se questionar se seria lida pelo eixo metropolitano como uma artista contemporânea ou se o rótulo “regional" seria usado para diminuir a potência do seu discurso. Ela não nega seu território, até por- que toda a sua pesquisa é construída sobre ele, mas rejeita o olhar litorâneo e sudestino que usa o termo de forma hierárquica e pejorativa.
É justamente dessa inquie- tação, somada a uma reflexão ínti-
ria.
ma, que nasce o título da exposição. Ao subverter o ditado popular "com quantos paus se faz uma canoa", Morgana imagina Com Quantas Canoas se Faz Uma Ribeirinha para reivindicar quantas memórias, afetos e versões de si mesma foram necessárias para mol- dar quem ela é hoje, desafiando quem tenta resumir ou apagar a sua trajetó-
Nesse processo de afirmação, a artista atualiza e expande o próprio conceito de "ribeirinho", arrancando- -o do estereótipo folclórico validado pela "novela das oito", "a imagem caricata do pescador com a calça de tecido dobrada e chinelo de couro jo- gando a tarrafa no meio do rio". Mor- gana argumenta que há uma recusa dos próprios moradores urbanos em se identificarem como ribeirinhos por não viverem diretamente da pesca ou da agricultura familiar.
Para quebrar essa visão limitan- te, ela provoca o espectador a perce- ber que toda a população de Petrolina
SAIDA
e Juazeiro é ribeirinha, inclusive a que vive do comércio, da indústria e no as- falto. A cidade inteira orbita e depen- de do rio: é dele que vem a água do banho, é para ele que vai o esgoto e é a água dele que sustenta a forte cons- trução civil local. Citando a sabedoria local de que "ao redor do buraco tudo é beira", Morgana lembra que ribeiri- nho é aquele que está à beira. Em uma cidade onde qualquer pessoa chega ao rio com uma caminhada de 15 a 40 minutos, a identidade ribeirinha é, an- tes de tudo, uma condição inevitável e coletiva de existência.
A decisão de assinar a própria curadoria e expografia nasceu de uma limitação orçamentária do edital, mas firmou-se como uma postura ética
Cada pedra, madeira, corda e could arquiva parte da cidade inegociável: Morgana recusou-se a convidar e sub-remunerar curado- res independentes locais, sabendo do valor real desse trabalho. Ao assumir múltiplas funções simultâneas, da pro- dução executiva ao diálogo direto com o Sesc para a montagem, a artista de- parou-se com o desafio da inexperiên- cia, mas também com a oportunidade rara de, finalmente, “dialogar consigo mesma". Morgana relata que costuma criar sua arte sempre voltada para a percepção do outro, mas a curadoria a forçou a olhar intimamente para o próprio percurso.
Esse diálogo interno resultou em um processo rigoroso de “escu- ta estética”. Obras que foram fun- damentais em sua trajetória, como a versão em lambe-lambe de Erva Dani- nha e Sobrenome Ribeirinha, ficaram de fora da mostra final. Houve um en-
tendimento duro, porém maduro, de que a essência poética e as bandeiras políticas permaneciam intactas, mas o seu traço havia caminhado para um outro patamar. A curadoria priorizou essa nova maturidade visual, garantin- do que a estética da exposição refletis- se o momento atual da artista, sem se prender ao passado apenas por apego. A intimidade extrema dessa autocu- radoria também trouxe à tona vulne- rabilidades. Morgana hesitou e quase deixou de fora uma das obras mais delicadas da exposição: um tecido ori- ginalmente bordado por sua falecida avó com o "ponto abelha”, sobre o qual a artista fez suas próprias inter- venções. Ela relata ter sentido muita insegurança em expor algo tão pesso-
Essa incerteza só se dissipou no contato com o público e com sua própria história. Ao ver familiares se emocionarem profundamente diante da peça, Morgana teve a certeza de que a obra precisava estar lá. O episó- dio validou a premissa central da ex- posição Com quantas canoas se faz uma ribeirinha: ao assumir o risco de expor suas raízes mais profundas e vulnerá- veis, a artista cria um espelho para que os habitantes de uma cidade marcada pelo apagamento histórico possam, finalmente, reconhecer as próprias memórias e afirmar o próprio pertencimento.
1 SANTOS, Milton. A natureza do espaço: técni- ca e tempo, razão e emoção. São Paulo: Hucitec, 1996.
2 SONTAG, Susan. Diários: 1947–1963. Tra- dução de Rosaura Eichenberg. São Paulo: Companhia das Letras, 2012.
Curacasa causa caima
Edryano Martins, conhecido artisticamente como Edrybola, é um artista vi- sual natural de Petrolina–PE, onde vive e desenvolve sua produção artística. Atualmente, cursa Licenciatura em Artes Visuais na Universidade Federal do Vale do São Francisco (Univasf), em Juazeiro-BA. Sua trajetória é marcada por envolvimento com as artes visuais e pela busca constante por meios expressivos que dialoguem com a cultura popular, o cotidiano e a experimentação, seja ela com com meios digitais ou analógicos.
Num sistema onde a existência se baseia apenas na “vida” online, estas imagens emergem como um antídoto.
Meus primos, mergulhados na lama, não são apenas corpos em divertimento, são mani- festações de uma memória genética, que desenterra em mim uma nostalgia não só de um passado pessoal, mas de uma conexão familiar com a terra, essa imagens mostram como essa conexão vai além só do uso dela como forma de subsistência, mas também como fonte de diversão.
E é com esse caos,sujeira e banalidade, que minha linguagem fotográfica se satisfaz, busco não só documentar, mas revelar esse cotidiano, extraindo do trivial a textura do barro e do brincar.
Carolline Cavalcante, que assina como "Caroles", é artista visual pernambu- cana e estudante de Artes Visuais na UNIVASF. De 2019 para cá, desenvolve trabalhos entre ilustração, pintura, cerâmica, fotografia e lambe-lambe, além de integrar o Coletivo Caatingayro que, juntos, produziram o curta Simplesmente Lindo (disponível no YouTube).
Abraço do Tempo (2025)
Giz pastel oleoso sobre papel Canson 180g 29,7 x 42 cm
Inspirada por "Abraço do Tempo” de Letícia Fialho, Murica, Yago Oproprio e Prs, o Peres, fiz essa pintura que leva o mesmo nome da música. Nela, represen- tei minha personagem - A Marinheira - que criei em 2022 como uma forma de expressar meus sentimentos em tela.
A obra parte de um sentimento de impotência diante de situações que não po- demos resolver, em que só o tempo pode amenizar, encerrar ou transformar a dor. É sobre entender que nem sempre é possível salvar o mundo - e, às vezes, nem a si mesma e que tá tudo bem chorar. A Marinheira reaparece nesse con- texto como alguém que mergulha, observa e sente, mesmo sem conseguir agir.
CAROLES 25
X X XXX
Pernambaiana, Maria Fernanda sempre viveu em um ambiente artistico, com pai musico, mãe pedagoga e uma familia cercada de música e arte. E foi nas ar- tes visuais, na escrita e no magistério que encontrou seu caminho. Ingressou em dois outros cursos antes de se encontrar de fato em Artes Visuais na UNIVASF onde cursa o 4° período e esse caminho foi muito importante para construí-la hoje. Devota da natureza, seus trabalhos são sempre voltados a ela, como um agradecimento por sua beleza e proteção.
#4++ sobre o pôr-do-sol um fino feixe de luz transpassa as folhas e toca meu rosto a cor da tarde refletida em todo ser.
o sol se põe sobre as minhas ideias o alaranjado está acima de tudo que posso ver a luz é intangível como o vento que movimenta as ondas e traz espumas para os meus pés sempre querendo renascer queria voar nesse céu manchado de rosa e laranja manchar meu rosto de sol como tudo que vejo eu quero entardecer
Naara Santana Coelho é natural de Feira de Santana-BA e residente em Petroli- na-PE, graduanda em Licenciatura em Artes Visuais pela Universidade Federal do Vale do São Francisco (UNIVASF). Desenvolve pesquisas e práticas nas áreas de arte-educação, performance, artesanato e estética afro-brasileira, com ênfase em processos criativos ligados ao semiárido.
Revelação Dourada é uma foto performance que criei em 2024 como parte de um trabalho acadêmico sob orientação da Profª Sarah Hallelujan. Celebran- do o empoderamento da beleza negra, conectando a estética e a espiritualidade africana com o corpo e a identidade contemporânea. Inspirada pelo trabalho de Ayrson Heráclito, a performance explora a relação entre o corpo negro, a ancestralidade e os rituais de transformação através de materiais simbólicos e expressões visuais.
A tinta amarela escorrendo pelo rosto e corpo, é usada como uma metáfora de luz, renovação e força. Amarelo é tradicionalmente associado ao sol, ao ouro e à prosperidade, pode ser interpretado como um símbolo de conexão, um gesto de autoaceitação e reconhecimento da ancestralidade africana.
Uallas Dias, artista visual e curador ar- tístico, natural de Jacobina-BA. Atual- mente reside em Juazeiro-BA onde é graduando em Licenciatura em Artes Visuais, na Universidade Federal do Vale do São Francisco - UNIVASF- BA. Trabalha com pintura, fotografia e experimentações em diversas técni- cas tridimencionais.
Uma característica das são trabalhos artísticos mais interati- vos, que vão além do visual, buscando promover uma conexão entre o ob- servador e a obra de uma forma mais imersiva em que se explore mais do tempo e os sentidos para uma melhor produções fruição. Além disso, há em foco abor- dar mais representatividades étnicas, em sua maioria negra, propondo um protagonismo que ao longo do tempo foi apagado. Nas pinturas, a represen- tatividade negra é ainda mais eviden- te. Ao iniciar pintura com tinta a óleo, que faz parte de um contexto artístico mais clássico, elitizado e em sua maio- ria das vezes com a figura do homem branco, tenho como contraponto, em um aspecto contemporâneo trazer o foco para artistas pretos em especial da música, de forma a evidenciar as "vozes negras" e seu lugar de centrali- dade, poder e excelência.
A série "Autoestima" (2025 -Tamanhos variados) possui 3 telas apresentando referências de fotografias de artistas negros. A série celebra a beleza, a força e a excelência negra por meio de pinturas a óleo que ressignificam narrativas rompem com estigmas historicamente impostos. As obras apresentam retra- tos luminosos onde a pele negra reluz tanto quanto a prata, um metal nobre frequentemente associado à sutileza e ao esplendor, em contraste com a va- lorização exclusiva do ouro. Aqui, prata e ouro se fundem como símbolos de prestígio, potência e autoestima.
Com referências estéticas da cultura negra, cada pintura é um manifesto visual contra a desvalorização de corpos e identidades negras, reafirmando que a ne- gritude não apenas brilha, mas é essencialmente preciosa.
Alexandre Esteves
STRAL
Авлоний
Alexandre Esteves é artista visual, ilustrador, redutor de danos e arte-edu- cador, homem negro nascido em Petrolina-PE, autodidata. Tem o segmento artístico como sua principal fonte de expressão, renda e compromisso com sua comunidade. A ancestralidade negra e ribeirinha são suas principais fontes de inspiração bem como manifestação da sua criatividade. Atualmente faz da equi- pe do Programa Corra pro Abraço onde atua na promoção e defesa de direitos de pessoas em situação de rua e jovens periféricos.
Carine Buriti, Carine Araújo ou Coisarine , nascida, criada, e reconstruída em Pe- trolina-PE é uma artista visual, que escre- ve, desenha, faz histórias em quadrinhos e sonha com árvores que nunca teve a chance de ver pessoalmente. Traz em seu trabalho uma literalidade tão direta que se transforma em subjetividade, além de temas como sonho, pensamento acele- rado, assexualidades, e questões existen- ciais, intimistas e por vezes misteriosas, somente sugeridas. Formada em edifi- cações pelo IF-Sertão e em artes visuais pela UNIVASF, atua no momento como professora de arte na rede estadual de en- sino.
Autora das publicações independentes "Melancolina", "Em Atacado", "Contos e outros contos", "Espinho da Carnaú- ba" e da história em quadrinhos "Jucis- tar:Desvendando uma sexualidade invisí- vel" (digital). Também possui contos e poesias publicados em coletâneas. Pode ser encontrada como coisarine na maio- ria das redes sociais.
A carnaúba é uma planta endêmica do Semiárido. Sempre as vi sem dar muita atenção até pouco tempo atrás. Passei a observar a copa da carnaúba, formando uma esfera quase perfeita no topo de seu tronco, como um den- te-de-leão em larga escala. Os espi- nhos em gancho de sua folha, que se- guram-se a carne como anzol e quase não se escapa. O tronco, texturizado, crescendo em espiral, formado pelas folhas mortas e caídas dum momen- to anterior. Carnaúba se reconstrói em cada queda e sobe um andar em direção aos céus. Estende-se, estável, por vezes mais de uma se sobrepõem, adiante, num conglomerado de si e encontram um equilíbrio na coexis- tência, na simbiose.
Nasce a beira d'água, solos alagadi- ços, várzeas. E sobrevive as secas, com sua tão desejada cera protegen- do as folhas e guardando a água. O desenho único das folhas e a textura dos troncos é o foco nessa série de fotografias, que focam nas silhuetas e no espaço entre as folhas, explorando o espaço negativo e a estética marcan- te do movimento da planta e outros seres que com ela interagem. Fotogra- fias tiradas em Pau-Ferro, distrito de Petrolina, território de origem de par- te de minha família, e lugar que mar- cou a minha infância profundamente, para onde sempre volto.
Sarah Rafaely é artista e estudante de Artes Visuais na Univasf. (Universidade Federal do Vale do São Francisco) Nascida em Petrolina-PE, produz trabalhos em diversas linguagens, com foco em elementos da natureza e questionamen- tos internos e subjetivos. Participou de trabalhos voluntários e como bolsista através da faculdade (PIBEX 2021, 2022), a exposição no MARJE (Mostra de Arte Universitária de Juazeiro.) Fora do âmbito universitário, foi selecionada como artista expositora no 16° UNICO na galeria SESC Ana das Carrancas. Suas maiores afinidades são pintura e desenho expandido em murais, mas se interessa pelo estudo de diversas técnicas e suas possibilidades.
Memória do quem já fui, do que vivi, do que era e que não sou mais. 2024
A passagem do tempo é inevitável. Acontece com todos. Ser humano, bicho, folha, pedra, flor, natureza. Com o mundo. É além de um fato, uma sensação de perda de controle e de lembranças. É uma grande reflexão. É também a sensa- ção de quem somos no futuro, e o que éramos no passado? Já fui grande e não sou mais. Já fui melhor e não sou mais. Ou é tudo uma grande impressão, fruto do sentimento humano?
As folhas de castanhola (Terminalia Catappa Linn) são folhas grandes, que no começo são verde escuras, mas se tornam amareladas, avermelhadas, amarron- zadas... são folhas que assim como os humanos, apresentam aspectos visíveis de mudança conforme o tempo.
Costumo pensar em algumas reflexões internas nos meus trabalhos, de forma que seu significado fique de maneira subjetiva e também livre a diversas inter- pretações. O processo vem dos pensamentos, é aí que muitas vezes, escolho o título antes de fazer a obra. Apesar de partir de uma reflexão interior, são reflexões essas que acredito serem intrínsecas a todo ser humano. É algo que dividimos em comum.
Busquei trazer essa relação entre humano-natureza através da técnica de cola- gravura. Procurei uma árvore de castanhola, e catei as folhas que estavam caí- das no chão, guardei-as de forma que ficassem planas para facilitar nos outros processos. Assim que as folhas ficaram devidamente retas, levei para o ateliê de gravura da Univasf, passei uma camada de verniz e as colei em uma base de madeira, que havia preparado com goma laca. Em seguida, entintei todas as fo- lhas com tinta a óleo, removi o excesso e as coloquei numa prensa que tem no ateliê. A impressão foi feita no tecido de algodão cru. Não houve preparação do tecido, então ele tem seu aspecto natural, com uma leve transparência.
Em 2024 surje o MARJE - Mostra de Arte Universitária de Juazeiro, a primeira edição no Centro de Cul- tura João Gilberto. A mostra surgiu como proposta de conclusão de está- gio obrigatório, espaços não formais, dos discentes do curso de Licenciatu- ra em Artes Visuais - UNIVASE. Três alunos do curso, Alana Victória, Ales- sandra Paes e Uallas Dias, elaboram toda a exposição: desde do conceito, curadoria, expografia, material, comu- nicação, design gráfico e etc. Todo o processo de construção da primeira MARJE foi colaborativo. Os orien- tadores do estágio André Brandão e Isabela Rodrigues, colocaram a dispo- sição o conhecimento e a estrutura do colegiado (de Artes Visuais), recebe- mos apoio da comunidade acadêmica, dos docentes, dos colegas discentes, dos amigos, dos funcionários do Cen- tro de Cultura João Gilberto, em espe- cial João Leopoldo, Steffane Micaelle e Alan Alves, da Escola Estadual Rui Barbosa, dos artistas que empresta- ram suas obras, da Cooperativa Agrí- cola Juazeiro CAJ. A comunidade abraçou a ideia de exposição de Artes Visuais em Juazeiro e isso tornou essa primeira edição muito especial.
A segunda edição da MARJE acon- tece através de um convite do Super- visor de Cultura do SESC Petrolina André Brandão. A MARJE integrou a programação do festival Aldeia do Velho Chico 2025 e seguiu em progra- mação própria posteriormente. Nesta edição a MARJE deixa de ser apenas uma mostra de juazeiro para se tornar "mostra de artes visuais", ampliando suas barreiras.
A MARJE 2025 traz como conceito curatorial Local Interior. A exposição revela a produção cultural da região são franciscana em sua diversidade. O território do Vale do São Francis- co se localiza no interior de dois esta- dos, Bahia e Pernambuco, e é conexão para outras regiões como dos estados do Piauí e Ceará. Estamos no centro e ao mesmo tempo nas bordas. Aqui, como em qualquer local, não existe
produção regional homogeneizada. Entretanto, há relações físicas e afeti- vas de se viver no interior.
"A exposição MARJE 2025 propõe uma imersão no conceito de "Local Interior", compreendido aqui em sua amplitude simbólica, afetiva e terri- torial. Trata-se de um tema que des- dobra múltiplos sentidos: o espaço íntimo do artista, sua casa, suas me- mórias; mas também o interior en- quanto território; Os lugares distantes dos grandes centros, onde se formam identidades singulares e resistentes." Trecho do texto curatorial MARJE.
A curadoria seguiu com 10 artistas todos naturais ou viventes do Vale do São Francisco: ACOR, Beatriz Dias, Catharina GC, Diana Dandara, DELIRIUM, José Celes- tino, Luiz Pereira, Santiago, Tâmara Amaral e Victor Ferreira. Os artistas espelharam sua visão de interior em linguagens diversas como muralismo/ graffiti, pintura, lápis de cor, bordado, gravura, cerâmica e quadrinhos.
"Esses trabalhos narram trajetórias pessoais, coletivas e poéticas que atra- vessam espaços físicos e subjetivos, repletos de ancestralidade, espirituali- dade e pertencimento.
A exposição articula vivências familia- res, simbolismos do cotidiano e paisa- gens periféricas, onde objetos comuns ganham potência como ativadores de memória e afetos. Casas, ruas, cor- pos, vozes e divindades compõem um mosaico de experiências que brotam da oralidade, do convívio e da escuta sensível."
Trecho do texto curatorial MARJE.
Gustavo de Souza
O vô me chamou para sentar ao seu lado na varanda de cimento quei- mado. A luz do fim da tarde tingia o céu de vermelho rosado, e o vento trazia o cheiro de mato molhado da chuva do dia anterior. Ele olhou para mim, com seus olhos cansados, profundos, que já viram dor demais, mas que ainda guar- davam fogo e desejo de viver o que ainda lhe resta.
Neto, preciso contar-lhe a minha verdade, acho que já chega de mentir a essa altura da vida disse com a voz rouca, em tom de quem não aguentava segurar sobre viver escondendo quem você é. Irei dizer coisas duras, mas sei que você irá ouvir, e espero que possa entender.
Ele começou a infância no sertão do São Francisco, na cidade de Juazei- ro da Bahia, onde o sol parecia açoite e a terra, uma prisão. Falou do trabalho pesado desde pequeno, carregando água, pedras, barro, madeira, trabalhando na olaria, sempre com medo de errar. O medo, como ele dizia, não era só do trabalho duro, mas do olhar do mundo. Ser negro e diferente naquela terra, sig- nificava estar sempre à margem, sempre sob julgamento e pressão.
Aprendi cedo que mostrar desejo, mostrar fraqueza, era perigoso, era letal — contou enquanto batia a mão no cimento da varanda que o mundo só aceita quem se curva, quem se diminui, quem se apaga.
Ele contou da primeira vez que sentiu atração por outro homem. Era um toque despretensioso, um olhar que durou segundos, mas que queimou como fogo. O medo, porém, transformou tudo em silêncio. Cada beijo escondido era pecado, cada abraço furtivo era crime. E ele aprendeu a se negar para sobreviver.
Eu me neguei, neto - disse, com a voz embargada -neguei meus desejos, minha alegria, minha pele. Para caber no mundo, eu precisei apagar pedaços de mim mesmo.
Vô me contou sobre amores secretos. Havia um jovem na vila, com olhos vivos, risadas fáceis. Eles se encontravam à beira do rio, escondidos atrás das árvores que cercam a margem do São Francisco, trocando toques, sorrisos,
e palavras que ninguém podia ouvir. Mas cada gesto vinha acompanhado de medo, de pecado, de dor.
O amor escondido dói mais que qualquer soco na boca do estômago se ele, firme e certeiro em suas palavras -porque você aprende que existir é crime. Que entregar-se é pecado. Que se mostrar é morte lenta, ou morte certa.
Contou-me das perdas: amigos que se afastaram por medo, vizinhos que cochichavam, parentes que não olhavam nos olhos, trabalhos que não lhe eram oferecidos. O mundo dizia que ele estava errado, que seu corpo, seu desejo, eram perigosos, eram pecados, eram sujos.
Tentei casar com mulheres, ter filhos, sorrir como os outros homens do meu tempo- disse ele mas eram máscaras, faces inventadas. Cada abraço falso, cada beijo que não sentia, era um pedaço de vida que morria mais dentro de mim.
Ele lembrou da primeira vez que se sentiu realmente sozinho: era uma noite quente, ele escondido debaixo de uma árvore, ouvindo o vento e os grilos, com o corpo tremendo de desejo e medo.
Eu chorava sozinho, neto me contava e ninguém podia me ver.
Vô falou de violência e humilhação. Lembrou das vezes que foi xingado, empurrado, diminuído, apenas por existir como era. Lembrou de homens que o acusavam de desvio moral, de olhares que atravessavam a alma, de sermões pastorais sobre o pecado e o destino do inferno, de sussurros que cortavam mais que facas, e atravessavam mais fortes que raios.
O sertão, neto, ensina resistência disse ele mas também ensina silên- cio. E o silêncio corrói, destrói, mata lentamente.
Ele contou das doenças que ninguém podia saber, dos médicos que olhavam estranho, das noites em claro de ansiedade, da solidão que se instalava como sombra. Cada beijo negado, cada desejo escondido, era ferida no corpo e na alma.
O rio São Francisco corria largo, indiferente, testemunha silenciosa de cada humilhação, cada dor, cada amor proibido, velado.
O rio me via sofrer disse ele e eu não podia falar com ele. Porque se falasse, talvez ele com suas águas levasse minha vivência para mais longe e nin- guém mais me aceitasse. Talvez eu tivesse perdido tudo.
O avô falou da vida adulta. Casou com uma mulher respeitável, teve fi- lhos, sorriu e mentiu. Cada momento de felicidade era falso, cada gesto era ato de sobrevivência.
Eu me tornei sombra do que eu poderia ter sido - disse ele porque viver como os outros queriam, me moldar custou minha liberdade, minha alegria, minha carne, minha vida.
Ele descreveu noites em que desejava outros homens, mas se obrigava a dormir sozinho. E noites em que abraçava a esposa e sentia o corpo vazio, o coração gritando que estava errado.
- disse ele, a voz firme, mas cheia de dor porque negar quem eu sou é assassinar a própria alma.
O vô então começou a me ensinar sobre resistência, sobre memória, so- bre como carregar dor sem se perder.
Meu corpo é mapa de erros, cicatrizes e dores, mas também de coragem. Cada lágrima, cada beijo proibido, cada abraço negado, corre pelo sangue da nossa gente, pelo rio, pela terra, pelo sertão.
Ele me tocou a mão, e senti toda a força acumulada de décadas de silêncio, e de reclusão em si mesmo.
Você, neto, não precisa se negar falou com a voz embargada você pode existir, pode amar, pode ser inteiro. Você pode nadar contra a correnteza e ainda sobreviver.
Ele me mostrou que a liberdade não é ausência de dor, mas coragem de
viver plenamente, mesmo sendo julgado, rejeitado ou perseguido.
Neto, nunca se curve. Nunca esconda quem você é. O mundo vai tentar te diminuir, mas você precisa ser inteiro, ser visível, ser revolta e ser rio, ser resis- tência.
Quando terminou, a noite já havia caído. As estrelas brilhavam como lembranças vivas, o São Francisco refletindo a luz da lua. O avô suspirou, can- sado, mas firme.
Neto, eu errei ao me negar. Sofri, amei escondido, perdi momentos e opor- tunidades. Mas você não precisa repetir meus erros. Aprenda a nadar nas mar- gens que nos habitam. Porque só assim haverá liberdade, só assim há mudança.
E naquele instante, senti que toda a cartografia do corpo e da alma de um homem negro como ele dor, silêncio, desejo proibido, revolta - estava sendo passada para mim. Cada cicatriz, cada derrota, cada amor escondido era lição: existir é resistência; negar-se é morte lenta e certa.
O ser-existir no mundo, é um ato de resistência, de força, de ir contra a sociedade e seus estigmas e paradigmas. Enfim, entre as passagens das águas e a força da carne, sejamos nós mesmos.
Gustavo de Souza- Graduando em Pedagogia pela Universidade do Estado da Bahia (UNEB) no Departamento de Ciências Humanas (DCH) Campus III. Rabisco textos de vez em nunca, na solidão do meu quarto. Amante das artes e da cultura.
(1978 Vitória/ES) Professora Adjunta da Universidade do Vale do São Francis- co UNIVASF desde fevereiro de 2013. Artista visual, doutora (2012) e mes- tre (2004) em Linguagens Visuais pelo Programa de Pós Graduação em Artes Visuais da UFRJ, graduada em Pintura (2001) nesta mesma instituição. Mapea- da pelo Programa Rumos Itaú Cultural das Artes Visuais 2001/2003. Recebeu o Prêmio Interferências Urbanas Rio de Janeiro 2008 e a bolsa de incentivo SPA das Artes Recife em 2009. Concluiu o programa Aprofundamento na Escola de Artes Visuais do Parque Lage/RJ. Foi selecionada para compor o 62° Salão de Abril em Fortaleza CE e premiada com a bolsa viagem de incentivo à produção. Integrou a mostra Sinais do Fazer - Inter- venções urbanas no espaço cotidiano em Juazeiro do Norte / CE. Participou da primeira Bienal do Barro em Caruaru̸/ PE. Seu trabalho tem sido uma tentativa de investigar a pertinência da pintura na contemporaneidade. Vive e trabalha em Juazeiro/BA.
Nesta série de desenhos busco represen- tar mães que assumem todas as responsa- bilidades por seus filhos, sejam elas finan- ceiras ou afetivas. Sendo eu mesma uma mãe solo, procuro celebrar as histórias e perspectivas negligenciadas, focando nas comunidades politicamente sub-repre- sentadas. As mães solo somam mais de 11,6 milhões no Brasil e cada uma delas faz um malabarismo absurdo para conse- guir cuidar das crianças e da casa. Muitas vezes sem contar com uma rede de apoio elas enfrentam uma exaustiva jornada tri- pla de trabalho.
До лагод
لى الان
Quando eu era criança, a frente da sua casa era verdejante Tomada por plantas e flores que davam vida ao jardim Lembro que era tudo muito bem cuidado, afinal você sempre foi cuidadoso Até a garagem tinha vida, porque tinha mato onde os pneus não passavam
Sinto falta de ir na sua casa, de perguntar a vovó se tem frango empanado Eu tinha sete anos, não me importava com o que eu comia
Ela sempre ia na padaria comprar, porque sabia que eu gostava
E sempre fazia do jeito que só ela sabia fazer
Queria que você me buscasse de novo na minha casa, no seu carro prateado Esse que sempre foi seu maior tesouro
Que falasse pra minha mãe, com seu tom de voz firme, mas brincalhão:
"Deixa eu levar o menino lá pra casa, ficar de tarde comigo"
Nem levava nada, afinal ia tanto que já tinha roupas minhas lá
Ia feliz da vida, ouvindo seus CDs de forró que você tanto amava
Eu sinto tanta falta de você aqui, vô, me dói até escrever sobre os bons momentos
Quando eu te vi adoecer, sabia que não ia ter volta
E doeu muito, até a hora que parou de doer
Porque não tinha mais sentido o senhor sofrer aqui comigo
Eu te deixei escapar das minhas mãos
Te segurei aqui por muito tempo, mas era a hora da sua liberdade
Hoje, sua casa não é mais do mesmo jeito
No lugar das plantas, só têm cimento
Quente, estoico, ameaçador
Onde tinha vida, hoje é só uma pedra moldada Não é mais casa, não é mais lar
É só um lugar, cinza, sem emoção
Não é mais a mesma que eu pedia pra ir
A vida se esvaiu, drenada pelo tempo As plantas que restaram, secaram Não tinha ninguém pra cuidar
Virou uma memória cinzenta
E de memórias eu vivo
Porque quase perdi minha mãe com doze anos Perdi meus avós com dezoito
Só me resta lembrar dos momentos antigos Em que nada disso tinha acontecido ainda Quando eu nem sabia o que era dinheiro Quando dez reais eram uma fortuna Quando tudo era muito mais simples Quando você estava aqui, vovô.
Me chamo Manoel, tenho 20 anos e sou natural de Petrolina. Escrevo desde os 14 anos por incentivo de uma professora. Tenho a escrita na minha vida como algo que vai sempre fazer parte de mim, pois é onde eu deixo meu coração falar mais alto. Também sou produtor de música eletrônica, traduzindo meus sentimentos em palavras e sons.
Infancia
Manoel Sobreira
O Coletivo Caatingayro é uma iniciativa formada em 2023 por estudantes de Ar- tes Visuais da UNIVASF – BA, que bus- ca fortalecer a arte do Vale do São Fran- cisco e dar visibilidade à comunidade LGBTQIAPN+. Com uma atuação que atravessa fronteiras, o grupo propõe a arte como movimento vivo – um espaço de encontro, troca e afeto que aproxima Juazeiro e Petrolina e faz pulsar a cena artística da região.
Entre encontros de desenho urbano, ex- posições em feirinhas, participações em eventos culturais e criações coletivas com artistas parceiros, o Caatingayro vem se firmando como uma força criativa que acredita na potência do fazer junto, trans- formando o território em um campo de expressão e pertencimento.
Integrantes do coletivo: Cailane Pereira, Carolline Cavalcante (Caroles) e Felipe Eduardo (Yanglit)
Simplesmente Lindo
PALESTINA LIVRE
Inspirado nas músicas de Maria Be- thânia e Gal Costa, o curta retrata o amor entre duas mulheres nos anos 80 e 90, trazendo visibilidade para histórias raramente mostradas no ci- nema. A narrativa mostra que o amor persiste mesmo quando a vida segue caminhos diferentes, com um fim que emociona, celebra o ciclo da vida e a continuidade do afeto.
O filme também explora diversas for- mas de luto amoroso, familiar e até de amizades que se acabam - e como essas perdas moldam nossas memó- rias e vivências. Através das lembran- ças da avó de Lucas, o curta revela que honrar quem amamos é também cele- brar a vida, o amor e os legados que permanecem conosco.
Link: https://youtu.be/7h84JIIwBco?si=8tOTJTnxAlweh0Ze
HILE
PERNAMBUCO mapear o que escapa revista 01
DESVIO