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FUEGO
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En cada número reunimos coberturas en vivo, lanzamientos recientes, arte, literatura, entrevistas y cine: todo eso que nos atraviesa y nos entusiasma.
El verano en la ciudad puede ser aburrido, pero este año no. La agenda cultural está explotada. Quizás porque muchos no pudimos turistear. Quizás porque la necesidad de encontrarnos es infinita. O porque hay gestorxs y productoras que no paran de mover la escena.
En este número registramos una parte de todo eso. Sumamos nuevas secciones y profundizamos otras. Relajá (si podés) y regalate un rato de lectura.
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Redes: Tina Nadina (@TinaNadina.Art) Collages: Lucila Senna (@LucilaSenna) Que leemos: Agos Kuessner Escrito: Flor Girasole
El videoclub: Nati Manzana La compactera: Juan Manuel Maggio
Coberturas: Clara Di Como, Nair Rodriguez, Milagros del Priore, Maca Ribaloff, Andres Zarate, Nayra Velázquez, Azul Andrade, Sofía Collavino
El Festival edición hardcore
Fotos: Andres Zarate (@andresz.ph) Texto: Nayra Velasquez Lopez (@Chirunay_)
El pasado sábado 24 de enero se celebró por tercer año consecutivo el Festival Nuevo Día, convocando a seis bandas que nos invitaron a recorrer la escena actual del hardcore a través de la impronta singular que cada grupo supo tomar del género. Los shows se dividieron entre dos escenarios: afuera el clásico patio del Konex y adentro el escenario de las columnas. En la calle se veían remeras de bandas por toda la cuadra y los más ansiosos que ya habían ingresado al predio, tomaban algunas birras y miraban los stands de la feria mientras esperaban el inicio del festival.
A las 18 en punto abrió Clamor en del patio. Banda el escenario proveniente específicamente de zona sur, de Quilmes cuentan que su nombre lo tomaron de un poema de Alfonsina Storni, donde una mujer es criticada por entregar su corazón sin reservas.
Abrieron con Escapar y el público, en su mayoría, jóvenes, comenzaron a patear el piso, un pogo efervescente que se sostuvo en todas las canciones. La voz de Luca me resultó impactante, visceral cargada de una pasión firme. Los riffs contagiosos rozaban melodías. introspectivas, acompañados por una batería que no dejó de y TRUTH retumbar en los cuerpos de un público que lo dio todo. Presentaron dos temas nuevos, 48 escalones y Viento, donde la bata fue protagonista de principio a fin. Temas como Orquesta china y Ser nada y todo fueron las más cantadas por el público y cerraron con Pensamiento/Sentimiento. En este último, Luca gritó con todo el corazón, honrando el poema de Alfonsina y el nombre de la banda fue honrado por el público, ya que la palabra Clamor proviene de un grito colectivo.
Definitivamente esta banda no solo se ganó su lugar
el festival, en promete muchísimo, Spare quejar pronto espero más música de ellos en los próximos meses.
Minutos más tarde me fui adentro, directo para las columnas. ΑΙ ingresar, las luces rojas focales en contraste con la penumbra del escenario anunciaban el inicio de un viaje onírico y sombrío a través de la música de de Fuun. Oriundos de Buenos Aires, liderados por Lucas y Shis (también bajista de Mala Suerte), abrieron con una intro cargada de psicodelia y ritmo. El teclado aportó un sonido ambiental muy característico del shoegaze. Las visuales mostraban fuegos artificiales, lava y efectos glitch en directo. El set incluyó Mar del Plata, Inmundo, Destiempo y Figurita Repetida. Destacó la superposición de voces screamo con la delicadezal de la voz de Shis, aportando un matiz emo. Fue un viaje introspectivo sin perder la velocidad de la batería, que invitaba a mover la cabeza al ritmo de nuestros golpes internos. Una melancolía evocadora me dejó con ganas de escuchar más de esta banda, que aportó una cuota shoegaze al festival.
Entre los intervalos aproveché para recorrer la feria. Los stands estaban repletos de objetos que iban desde stickers de animé y bordados hasta remeras negras estampadas con logos de distintas bandas. Incluso había artículos inesperados, como repasadores de heavy metal y punk. En cuanto al merchandising oficial de las bandas, por un lado, un espacio dedicado exclusivamente a Eterna Inocencia, con camisetas de distintas épocas de su trayectoria, y por otro, un sector más variado con merchandising de Marina Fages, Cursi no muere, Fuun, Clamor y WRRN, ubicado cerca del escenario.
WRRN me tomó por sorpresa. Había visto a Gonzalo Morales junto a Marina Fages en otro recital y reconocí enseguida la influencia del metalcore y el screamo. Su show fue como una flecha directa al corazón. El hecho de tocar en el escenario del patio abierto, profundizó mucho más ese sentimiento. Gonzalo compartía las voces con el bajista y la segunda guitarra: tres voces contundentes que se entrelazaban una batería incansable, retumbando en el aire del predio.
El público tampoco se quedó atrás: pogueó, gritó y se dejó atravesar por la intensidad. WRRN es ese flechazo inesperado que no se olvida, una invitación a sangrar las heridas a través de un grito que nace desde lo más profundo. La generaciones en el mezcla de público fue hermosa: jóvenes y adultos pogueando juntos. El setlist incluyó Si pudieras verme ahora, Balvanera y Sigo preguntando, además de dos temas nuevos que prometen muchísimo más de la banda. Sin dudas, WRRN hace estruendo en la escena local y lo reafirmó con cada tema. Nunca los había visto en vivo y quedé impactada por las voces.
La siguiente en el escenario de columnas fue Marina Fages, recibida por los fanáticos con camisetas bicolor celestes y azules, haciendo referencia al barrio de San Telmo, el favorito de la cantante. Podemos decir que estábamos empezando con una de las bandas más sólidas del festival. En particular ellas anduvieron de gira por Europa y Estados Unidos dando el aval de su trayectoria durante varios años dentro del under y expandiendo su música por el mundo. Además, fue la única banda integrada enteramente por mujeres en el festival. Abrió con Botánica, donde el charango de Marina mostró cómo el punk puede fusionarse con sonidos autóctonos. Siguieron Aguardiente, Mi casa en llamas (con Guillermo de Eterna Inocencia), Canción de Flora y Piedra Marea Fuego, donde los fanáticos desplegaron una bandera pintada a mano pese a la prohibición del lugar. También presentó Gracias a vos, parte de su próximo disco. Marina no perdió la oportunidad de unirse a la avalancha del público y fue uno de los momentos más filmados y divertidos de su presentación. Cerró con Provincia y un pogo desbordado. Marina Fages nos propuso una combinación del hardcore con tintes experimentales y folclóricos, recordándonos que cada banda tiene una identidad única. Finalizó con un mensaje de conciencia sobre el cuidado del entorno más cercano de cada uno y también habló un poco de los incendios en la Patagonia. En particular, la sigo hace algunos años y no deja de sorprender la energía que transmite en vivo.
MARINA FAGES adidas
y En el patio llegó el turno de Eterna Inocencia, la banda más esperada. Lo más notable fue la variedad en el público: jóvenes presentes que estuvieron todo el festival, niños en las espaldas de sus padres y madres;
los fanáticos de la vieja escuela que los siguen desde siempre. La banda supo conectar con la amplia variedad de generaciones a través de un mensaje claro y es que el hardcore también es conciencia. Las visuales fueron un poderoso: se proyectaron imágenes sobre la intervención de EE.UU. en Latinoamérica, como el Plan Cóndor, junto a textos políticos recitados por Guillermo, el cantante, y referencias al DIY y al fanzine como prácticas de Marshall recurso resistencia cultural. Hubo, por supuesto, muchísimo agite en la parte delantera del patio. La escalera mítica del patio Konex también estaba Ilenísima de gente. La potencia del hardcore se mezcló con la rabia de la situación del país. Invitados como Marina Fages, El Nota y Cristian Roma sumaron fuerza en temas como Encuentro mi descanso aquí, Inocencia y Cártago. El set incluyó piezas de Las palabras y los ríos y A los que se han pagado. Cerraron con Nuestras fronteras, dejando un mensaje de esperanza en cada uno de los fans, contagiando la resistencia colectiva y cultural ligada al movimiento de Eterna.
TRUTH
CHILE (1973)
Apoyo al golpe de Pinochet contra Salvador Allende.
El cierre estuvo a cargo de Cursi No Muere, banda formada en 2015 en Tortuguitas. La propuesta de los chicos mezcla la crudeza del hardcore y la sensibilidad melódica del emo, logrando canciones cortas, intensas y cargadas de interioridad. Durante todo el día vi remeras con su nombre, prueba de la fidelidad del público, que se quedó hasta el cierre del festival para acompañarlos. Tocaron temas como Ambivalencia, Fotografías, Julio y De canciones tristes en el que, a pesar del cansancio, la gente no pudo contener las ganas de poguear y gritar junto a Luca, el cantante. Se veían patadas en el aire, y algunos fans no perdieron la ocasión de sumarse a la avalancha del público terminando adelante del escenario y ayudados por los de seguridad a salir del desborde de energía. Su presentación fue conmovedora y 50) se)
Hartke la visceral, un cierre único para un festival que se vivió con mucha garra de principio a fin.
Me parece que el festival fue la combinación perfecta para mostrar escena local del hardcore mesclada con tintes shoegaze, emocore, folclóricos y al estilo old school de siempre. Fue un line up variado, pero con un hilo conductor donde la emoción y la descarga de lo que se vive actualmente toma forma de acordes, de gritos y sobre todo de letras que permiten darnos esperanza. A veces lo que más nos motiva es estar juntos, cuerpo con cuerpo, pogueando, viéndonos las caras, porque la salida ante tanta incertidumbre que nos genera nuestro entorno, el país, simplemente sentir, solo podrá ser colectiva.
CURSI NO MUERE
Hartke
LA BOMBA DE TIEMPO SONIDO KONEX: LUCY PATANÉ + DUM CHICA
ALAN SUTTON Y LAS CRIATURITAS DE LA ANSIEDAD UN MUERTO MÁS BARBI RECANATI + LOS BESOS MESA DULCE FLECHAZO PRESENTA: FIESTA POPPA! LOLI MOLINA + PEDRO ROSSI & TRIO PATIO MAYUMANA
RALY BARRIONUEVO FALTA Y RESTO ESTELARES
LA CLAPPER VIEJAS LOCAS x FYA SUPERLÓGICO
EL ALUCINANTE VIAJE DE PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA
DARÍO SZTAJNSZRAJBER + SOLEDAD BARRUTI IMPRO AL 2020 CANTICUÉNTICOS FIESTA BOMBA DE CARNAVAL EL SUEÑO DE LOS ELEFANTES
CUMBIA KONEX FURIA FEST PLOP! ROSE
MÚSICA + EXPERIENCIAS + TRASNOCHES Y MUCHO MÁS
Buenas, volví! Me pasé el mes pasado leyendo. Oh sí, qué novedad! Hoy les traigo dos libros muy distintos entre sí, pero que dialogan más de lo que parece: Rengo yeta, de César González, y Un lugar soleado para gente sombría, de Mariana Enríquez. Ninguno es lectura "para desconectar”. Y menos mal.
Empiezo por Rengo yeta. Leer a César González siempre es leer desde un lugar incómodo, y eso es justamente lo valioso. Acá no hay romanticismo de la marginalidad ni moraleja prolija. Hay violencia, bronca, ternura rota, lucidez. Sus textos tienen algo urgente, como escritos con el cuerpo, desde un lugar donde escribir es también sobrevivir.
Hay frases que parecen escupidas contra el mundo, pero atrás de esa furia hay una sensibilidad enorme, una mirada política y poética sobre la exclusión, la cárcel, la amistad, la muerte. No es un libro para leer buscando belleza clásica, sino verdad. Y duele.
Un lugar soleado para gente sombría Autora: Mariana Enríquez
Después leí Un lugar soleado para gente sombría, de Mariana Enríquez, que fue como volver a una casa conocida, pero siempre inquietante. Son cuentos donde lo cotidiano se vuelve siniestro sin previo aviso. Casas, barrios, vínculos, cuerpos: todo puede torcerse.
Enríquez escribe el miedo como nadie, pero no el miedo abstracto: el miedo social, el miedo a la violencia, a la desigualdad, a lo que se esconde bajo la alfombra. Hay fantasmas, Sí, pero los más aterradores suelen estar bien vivos. Es un libro que se disfruta, se sufre y se recuerda.
Dos libros distintos, dos voces. potentes, y una certeza compartida: la literatura que vale la pena no te deja igual. Este verano confirmé, una vez más, que no leo para escapar del mundo, sino para entenderlo un poco mejor. Aunque incomode.
AGOS
OQUE LEEMOS
20 años de Intramundo
Fotos: Marce Zapata (@GuaymallenDeFrula)) Texto: Sofia Collavino (@UnChispero)
Poseidótica, referente del stoner, psicodélico y progresivo argentino, celebró los 20 años de su álbum debut, INTRAMUNDO, el pasado 16 de enero en Niceto Club, reviviendo la totalidad de los temas del disco.
INTRAMUNDO definió el sonido instrumental de la banda, caracterizado por riffs pesados y atmósferas densas, pionero del stoner/psych rock en Argentina.
O La conmemoración, más allá de la nostalgia, reafirmó el legado del álbum como pieza clave en la discografía de Poseidótica y el rock alternativo nacional, realzando su psicodelia instrumental.
El show tuvo como invitados a .MAR, (formada por Rodrigo Torres Pinelli y Manuel Cernello) y Malviaje, ambas bandas de la escena progresiva bonaerense de
sorprendente energía y una notorial creatividad en sus Supieron cautivar a un público siempre ávido de innovación.
Abriendo con Hidrofobia, Paralexis y Acuático, la banda invitó a Gal Go (Ignacio Salvadores) y su saxo extraordinario, construyendo en conjunto un sonido que refrescó al disco pero sin malversar su esencia. Una atmósfera compleja, densa e hipnótica. Llegando a mediados del show, sube al escenario Blanco Teta para acompañar en La Nave Nodriza.
La distancia, Los extraños, Malevo y El Alma de las Máquinas fueron los propuestas.
temas elegidos para honrar el resto de su trayectoria y cerrar el show. Siempre apostando por la sensación de vértigo en la panza del público y la liviandad en los hombros. Los destellos de luz de la noche que quedaba del otro lado de las paredes de Niceto podían así iluminar su interior.
Poseidótica dicta métricas que no buscan una complejidad excesiva, sino mantener la atención de su audiencia. Son aptas para corear, evitando el ejercicio musical en el que a menudo caen otras bandas.
del género. Su trabajo no busca una demostración de prodigiosidad, por el contrario, conmueve con un verdadero compromiso con la contagia música un y enamoramiento detallista. Lo logra de la forma en que lo exige el género progresivo: no a través de la mera réplica, sino mediante la alteración que abre paso a la espontaneidad del momento, sumando músicos e instrumentos al escenario. ¿No busca el público de las bandas de rock nacional precisamente eso: la expectativa de cómo sonará el tema esta vez?
POSEIDOTICA
WORD
El lanzamiento
Fotos: Milagros del Priore (@miludp) Texto: Macarena Ribaloff (@Macaribaloff)
La previa hasta que arrancó el show fue lluviosa. Ni poca ni mucha, pero la suficiente como para que la gente se cubriera debajo de las escaleras y lugares techados del sitio. Todos, salvo unos pocos valientes que forman una larga hilera a través de la valla. A las 7 de la tarde, como si el tiempo se hubiera puesto de acuerdo con la pasión de la gente, la lluvia paró y Juana Rozas se abrió paso en el escenario junto a su DJ, que opera los efectos vocales y las pistas. Vestida al estilo Amy Winehouse, con su listón rojo hecho moño en la cabeza y un paquete de Marlboro en el bolsillo, dijo un simple "Hola" e inició su show con Moody's Mood for Love, canción de la nombrada. Cerró el tema diciendo: "Quise homenajear a Amy Winehouse porque la amo y la extraño mucho".
Las visuales con la impronta de su disco TANYA se hicieron presentes en la pantalla y con Puerta, del mismo álbum, desplegó un paraguas dado vuelta, y con él su plena esencia arriba del escenario (también conflictuada). Luego, con Buenísimo, el paraguas fue usado como escudo y arma, dejándonos ver una Tanya sincera con ella misma, pero no con el afuera: lo que quiso alguna vez es lo mismo que le hizo daño. Con el paraguas señala al público, lo cierra y abre de nuevo, todo se descontrola entre gritos y efusividad, llegando a su clímax: una, dos, tres, muchas veces, Juana destroza el paraguas contra el piso y se para encima de él, zapateándolo, quedando retazos de lo que fue esa vieja ella.
Llega Un Ángel, esa mentira que la ayuda a sobrevivir, pero ¿por cuánto más? ¿Cuánto se puede sostener una máscara? Juana grita, Tanya la impulsa, la bronca es su unidad.
Antonio es el deseo dentro de ese mundo de malas relaciones: sabe que le hace mal, pero salir de sus patrones es difícil. Juana baila de forma libre, sensual, fluida, llamando a ese Antonio ideal para ella. "Esto va para todos los Antonios que hay acá", dice Rozas.
I'm Star no es parte del disco que viene conformando el setlist, pero queda perfecto en la evolución de Tanya en este show. Ella sigue en su fantasía del bienestar (escaso, visto desde afuera, diríamos).
Con unos graves altos, el anteúltimo tema del show fue Wanna Hotel. Las vacaciones llegan a su fin, la fantasía termina: "Antonio ya hizo el checkout", canta Juana. Con Bad Choice, la cantante hizo participar al público en los coros. Como no podía terminar de otra forma, tras todo el viaje vivido, Tanya termina en el piso, tirada, desarmada como el paraguas que yace a su costado. Y así como ingresó con un simple "hola", se despidió diciendo solamente "chau" (pero con una gran sonrisa).
ONEX
JUANA ROZAS
Todavía el Centro Cultural Konex no está lleno, pero se avecina la segunda calma después de la tormenta: Mujer Cebra sube al escenario y así, sin decir nada, entona los primeros acordes de El veneno. El color de apego y despedida se deja espiar en su típica y melancólica voz. En Fantasma, el público más agitado y poguero refleja la bronca en la voz de Santiago Piedra y la incertidumbre de la cual habla la canción. Las escaleras del Konex se empiezan a llenar de remeras que gritan: "el under está presente y vivo", mientras suena XXYY, su hit.
RIDA
Fonder
El bajo de Gonzalo Muhape se hace presente en No te duermas, muy descontracturado, y apuntando al sol del atardecer dispara, y este termina de caer en el horizonte. Estalla llegando al final: Y no me digan nada, y la gente se emociona como en Verano (sin personas), que le siguió. Santiago dice: "¿Cómo están, che?", y el público le responde con ojos grandes y bocas abiertas, gritando.
Otoño imperdonable, con su iniciar tranquilo pero su terminación movida, dio pie al pogo final en la canción De películas, el cual rompió la barrera de la juventud.
El ambiente quedó en un estado de frenesí para Adrenalina, no solo para el público sino para la banda: una guitarra distorsionada que bailaba de acá para allá. Seisdiecisiete no calmó el ambiente; esa batería de Patricio García García Seminara, que pareciera explotar, se hizo llamar entre la gente. Piedra dijo: "Bueno, loco, nos vamos", y tocaron para terminar su fecha Invisible. Gente subida a los hombros, abrazada, y el mosh fueron la cereza del pastel de este show.
1) Veneno 3) XXYY 2) Fantasma 84 4) Not fu
SIN wujer Cebra
5) YNN
A las 20.30 horas cayó el sol y un Santiago Motorizado rubio subió con su guitarrista, bajista, bateristal la típica luz roja y azul al estilo "El Mató a un Policía Motorizado". Agarrado del pie del micrófono cantó Lo que perdí, tema hecho para la serie Cromañón. El CC Konex, totalmente lleno, cantando y escuchando en sincronía ese tema tan espacial, bien acompañado con humo. Le pasan la guitarra a él: "Buenas noches, buenas noches", dice. Las visuales de un cowboy arriba de su caballo se proyectaron en la gran pantalla, y Camino de piedras empieza a sonar.
Con Polvo de estrellas señaló al público mientras cantaba "los nuevos que acaban de llegar" y fue recibido con un "Vamos, Santi" coreado, aplausos y mucho agite de gente de todas las edades. Luego de Polvo de estrellas, Santi dijo entre risas: "Esta canción que vamos a tocar ahora es muy triste, muy triste. No es que las otras sean un canto a la alegría", preparándose para cantar Mil derrotas. Abrazos y gente cantando con sentimiento fue lo que se vivió. En Oh Dana, un sintetizador se abrió paso, como en No me trates mal; el ambiente se sentía amparador.
Saludando a Mujer Cebra y Juana Rozas, esta última se hizo presente en el escenario para cantar el tema que tienen en conjunto: "Para todas las personas que han perdido la razón", dijo Juana, y sonó Ridículo. Ella bajó del escenario y, con Jazmín chino, la gente se convirtió en un mar de celulares filmando ese momento tan íntimo.
Después de Gomoso, el ambiente se motorizó: las luces rojas y azules acompañaron la danza de la gente al ritmo de La revolución. La valla estaba extasiada.
Amor en el cine fue una sola voz entre el público y se dio lugar al primer gran pogo de este tramo. Santi soleó el principio de Te pido perdón, junto a una batería muy sutil de acompañamiento; la canción pide y transmite paz. "Un gran aplauso para la súper banda", aclama.
El fin se acerca, sus orígenes también, y la intimidad plena pide salir a la luz. Así es que esas luces blancas etéreas lo apuntan a él. La soledad en el escenario lo acompaña, pero no del lado del público, que canta codo a codo con él. En Diamante roto, una sombra se proyecta en la pared: es su sombra, y es ahí donde las cámaras apuntaron. Santi Santi dejó que las personas coreen "pierdo por vos, vos, vos". Su sonrisa de oreja a oreja, el solo de su guitarra y los aplausos de la gente fueron el cierre de este gran Parador Konex que nos brindaron este 15 de enero.
ERNE
En el afán de repetirme sigo pensando que durante milenios la certeza fue un trofeo de caza. Tener la razón no era algo que uno sentía sino algo que se construía a pulmón apilando evidencias hasta Ta madrugada bancándose que la realidad a veces no jugaba para nuestro equipo. La verdad tenía aristas y costaba sangre porque llegar implicaba atravesar el barro de la duda. Pero decidimos que pensar dolía demasiado. No fue una rendición explícita sino una erosión lenta donde pasamos de buscar respuestas a buscar que nos den la razón. El cerebro que busca zafar del esfuerzo encontró en la tecnología al dealer perfecto porque para qué cuestionar mis prejuicios si tengo un algoritmo en el bolsillo para decirme que soy un genio. Cambiamos la biblioteca por el eco y así el suelo donde encontrábamos para putearnos con argumentos se disolvió bajo nuestros pies...
Hoy la fiaca intelectual suplantó al hecho. Se industrializó nuestra complacencia. Antes para mentir
nos hacía falta ser un artesano del engaño con talento para la macana pero hoy la mentira es un commodity barato. Un modelo te redacta una justificación ideológica impecable sin fisuras y con sintaxis académica en lo que tardás en parpadear. Lo sintético es suave y digerible porque no tiene la fricción de la calle. El problema raíz es que nos quedamos sin árbitros y si yo tengo mi data a medida y vos la tuya la charla es imposible. Solo quedan dos monólogos paralelos gritando en el vacío. La confianza se devaluó más rápido que el peso. Estamos en la era del simulacro donde la verdad ya no se busca porque requiere un laburo que ya no estamos dispuestos a pagar...
Y acá aparece la paradoja, la mentira es inquietantemente prolija y por eso el nuevo sello de humanidad es el error no forzado. Lo que viene es un cambio de paradigma brutal. La imperfección el exabrupto y la duda son irónicamente los últimos bastiones de lo real. El futuro será de los que se animen a dudar...
ROCKEN BARADERO
3 Y 4 DE ABRIL ANFITEATRO MUNICIPAL⚫2026
BABASONICOS - RATA BLANCA - LAS PELOTAS
EL KUELGUE - LA VELA PUERCA-CATUPECU MACHU EL MATO A UN POLICIA MOTORIZADO-GUASONES MARILINA BERTOLDI LA DELIO VALDEZ PECES RAROS TURF EL PLAN DE LA MARIPOSA LOS PERICOS-KAPANGA ERUCA SATIVA ELZAR-GAUCHITO CLUB LOS ESPIRITUS LOS PEREZ GARCIA-CAMIONERO-AUTOS ROBADOS LOS TABALEROS - FLORIAN - KILL FLORA - TERAPIA SEDA CARMIN-BOYLER-JUAN BARO
Discos como fotos de un momento
Con el correr del tiempo, Delfina Campos se transformó en una de mis artistas preferidas. Su estilo pop/rock y sus letras personales me remiten a las artistas internacionales con las que me crié a principios de los años 2000. Tuve la suerte de seguir su carrera desde las primeras canciones y de ver su desarrollo, tanto en vivo como en el estudio.
Después de muchos años volví a hacer una entrevista, y la suerte quiso que fuera con ella. Tratando de disimular mis nervios y olvidando varias preguntas (a pesar de tenerlas anotadas), pudimos tener una charla amigable en la que repasamos parte de su carrera, su proceso creativo, lo que fue y sus planes para el futuro, además del show en Niceto, del que forman parte las fotos que acompañan esta nota.
- Van casi diez años de tu carrera. ¿En qué momento creés que te encontrás?
Guau, me siento anciana. Yo siento que recién empiezo, y a la vez me siento una especie de veterana absurda. Pero claro, empecé en 2017. Creo que saqué mi primer EP en diciembre de 2016 y empecé a tocar en 2017.
Sí, son nueve años. Más allá del shock, y fuera de joda, siento que en muchos sentidos recién estoy empezando, porque soy una persona de procesos lentos. Si bien mi carrera oficialmente empezó hace nueve años, cuando arranqué no sabía enchufar amplificador, literalmente.
Entonces es un vínculo muy vivo el que tengo con la música, y que permanentemente está cambiando. Para mí es como una relación de pareja: la relación con la música. Soy de la teoría de que ocupa un poco ese lugar, ¿viste? Es una relación de muchos capítulos y de mucho trabajo.
―Volcás mucho ahí también.
Sí. Yo siento que es una relación que se está reconfigurando constantemente. Así como podés descuidar una relación y estar en un mal momento, con la música también podés estarlo, o estar en un gran momento.
Hoy estoy en un gran momento. Estoy un reconectando con la composición porque vengo de un año muy hacial afuera, de mucho tocar, de mucho frente externo lindo. Ahora estoy volviendo un poco hacia adentro. Si bien planeo seguir tocando un montón, es momento de empezar a escribir material nuevo, grabar material nuevo. Es tanto lo que quiero hacer que siento que no puedo sino pensar que recién empiezo.
-Entre Cómo bailan los demás y Películas perdidas hay mucha diferencia entre el sonido y el clima. ¿Crees que eso se dio al momento de grabarlos o cómo se dio ese cambio?
Creo que el contexto en el que grabás las cosas es totalmente definitorio. Hay cosas muy intangibles que se imprimen en una grabación, quieras o no. Un disco es una foto muy clara y transparente de un momento de la vida del artista, en términos biográficos, pero también del contexto literal en el que fue grabado.
Todas las circunstancias en las que grabé material fueron muy distintas entre sí. Puntualmente Cómo bailan los demás fue completamente concebido en pandemia, en el encierro máximo.
-Incluso habla mucho de la soledad.
Ahora lo escucho y digo: "ah, Negri, wow". Estaba en una y no era tan consciente de eso. ¿Por qué no estábamos tan conscientes?
—No, creo nadie era consciente de nada.
Estábamos todos en modo estaba supervivencia. Yo como sobreadaptada. Fue componer literalmente en Ableton, porque en ese momento era mi chiche nuevo. Aprendí a componer directamente sobre un software, lo cual es completamente distinto. Es meter un un approach de producción desde la composición, algo raro para mí.
En mi primer disco me agarraron circunstancias insólitas: una pandemia mundial y una forma de componer totalmente distinta a la mía, que siempre fue guitarra o piano. Entonces fue como "bueno, a ver esto".
En muchos artistas el primer disco define el proyecto. En mi caso fue “se dio así", pero no sé si ese es mi sonido. Mi sonido cambia mucho de disco a disco. La experiencia tan solitaria, tan escindida del vivo, hizo que cuando terminó la pandemia y me subí a tocar, sintiera que el disco era bastante denso, con todo lo bueno de eso, pero más estático.
Empecé a necesitar adaptar las canciones al vivo, que la batería empuje. Entonces, cuando grabé Películas perdidas, estaba en el extremo opuesto. Quise colaborar, cosa que nunca había había hecho: co-componer, feats. Nunca había tenido un feat en un
proyecto propio.
La premisa inicial fue muy clara: yo sabía cómo quería sentirme tocando en vivo.
-Es que segundo.
es súper callejero el Claro, es totalmente distinto.
-Lo nuevo que estás componiendo, ¿para dónde va musicalmente?
No lo sabemos todavía. Yo hago canciones. Después, cómo las vestís, es la duda. Está muy incipiente.
-En el último Niceto entendí que estabas despidiendo Películas perdidas.
Sí... bueno. No (risas). Disfruto mucho tocar Películas perdidas. Disfruto mucho tocar en Niceto. Quiero mucho ese álbum, siento que está muy vivo. Planeo seguir tocándolo mientras laburo material nuevo.
El año pasado terminé un poco quemada porque no paré de tocar. Fue increíble, pero sentí una necesidad de mayor quietud. Quiero lograr algo que el año pasado no pude: tocar, girar y al mismo tiempo estar componiendo en el estudio.
En mi cabeza siempre fue algo disociado: o estoy girando o estoy en el estudio.
-Es difícil estar en dos lugares al mismo tiempo.
Sí, pero hay artistas que lo hacen. Quiero probar. No sé si me gusta estar tanto tiempo quieta sin tocar. Es como bajarte del caballo por mucho tiempo. Quiero ver si logro hacer las dos cosas al mismo tiempo.
-En ese show estuvo Cancamusa de invitada. Vos habías tocado en Chile con ellos y ahora vuelve a aparecer una banda chilena (Marineros). ¿Qué hay en esa unión con la escena de allá?
Mis amigos de Isla de Caras van a tocar ahora con Denver. Se da mucho ese intercambio y cada vez está más trazado ese puente.
Tengo grandes amigos músicos allá, conocí gente alucinante y tengo como una familita chilena. La escena de Santiago es muy chica, real. Entonces. conocés a mucha gente en росо tiempo. En Buenos Aires también pasa, pero es mucho más amplio.
Además tengo familiares en Chile. Será algo de la sangre que tira. Siempre que voy me reciben muy bien, me siento en casa. Fluye mucho. De hecho, es la tercera vez que voy en un año, y no estaba planeado.
-También pasaste por México.
—¿Y Costa Rica?
Estuve un mes en México. Tengo una obsesión con México: me fascina y es un mercado enorme.
-Creo que México tiene mucho más trabajada la escena pop rock. ¿Encajó bien Películas perdidas?
Re bien. Tengo ganas de volver cuanto antes. México es tan grande que hay público para todo. Vos decís "tengo un proyecto de rap con metal y country" y seguro hay un nicho.
Fue un delirio. Surgió estando en México y fue una sorpresa. Llegar a San José y decir "¿y acá qué onda?". Fue un 41
acústico divino. Conocí gente espectacular. Tengo mucha suerte.
-¿En México fuiste sola con la guitarra?
No, fue con banda entera.
-En España fue dividido.
Sí. En Madrid toqué full rockero, con banda. En Barcelona hice un set más Íntimo, piano y guitarra, en un lugar más jazzero y elegante. Fueron dos climas totalmente distintos.
A ver si puedo.
-Para este año hablábamos de componer y girar al mismo tiempo.
-¿Ya tenés más o menos establecido cómo va a ser?
Bueno, en términos de giras hay una intención de volver a México, de volver a Europa y cosas así. También Perú y Colombia son dos lugares a los que tengo ganas de ir. No sé si podré, pero tengo muchas ganas porque nuncal toqué ahí. Está en el plan, tiene que darse, viste.
Tengo muchas ganas de volver a Córdoba, que... te estoy diciendo mi wishlist. Va a pasar, claramente. Pero me quedé muy contenta, fue un show muy especial. También Rosario. Así que seguramente vuelva con la banda. Tengo un show pensado para La Plata ahora en abril, que ya lo vamos a anunciar.
Bastantes cosas. Muchas se están definiendo. Pero, como te decía antes, con muchas ganas de meterme a full a componer.
Yo cuando me pongo en modo componer estoy en modo una canción por día. Eso es un poco muy ambicioso. Bastante ambicioso. Pero bueno, por eso quiero encontrar ese ritmo de componer mientras estoy girando.
-¿Y en qué momento decís "la canción ya está"?
Sí, sí. Cuanto menos neurótico sea el proceso, mejor. Yo creo que quedarte demasiado truncada en una canción puede ser un dolor de cabeza, aunque puede pasar, me ha pasado.
Quedarte ahí muy loopeando, sin encontrarle la vuelta. Por eso me parece que si la canción es buena y es sólida en términos de acordes, de melodía y de letra, después la producción fluye mucho mejor.
Algo que me gustó mucho, por ejemplo, en Películas perdidas es que laburé con Percy, que fue uno de los productores del disco. Yo lo admiro muchísimo. Y tuvimos un proceso muy poco neurótico. Fue confiar mucho en sus decisiones y él en las mías, y producir un tema de pe a pa en una sentada, en una tarde. Y listo, sin mucho rollo. Eso no siempre pasa.
Para mí lo más importante es consolidar bien la letra. A mí me jode mucho cuando una letra la siento medio pelo. Tengo que estar muy convencida de todo lo que digo en la canción.
Si la letra, la melodía y la armonía están bien, la producción es más fácil. Pero bueno, ¿cuándo sabés que está
terminada? Es muy caso por caso. Me ha pasado de sacar una canción —no voy a decir cuál― que de golpe la letra se me venció un poco, tuvo una vida corta, y a la hora de salir a defenderla en vivo me cuesta más.
-Dos de tus canciones aparecen en la serie Envidiosa: "Romance con la luna" y "Casi extraños", y pegaron muchísimo en un público que yo no me esperaba. Yo trabajo en un hospital y estaba ahí con mis compañeras enfermeras, que escuchan bachata y reggaetón, y de repente estaban sonando canciones.
Jodeme... qué flash.
-Ahí fue cuando dije: "¿Qué pasó acá?". "¿Por qué están escuchando a Delfina?". Tuve que preguntarles, porque yo no miro series y no estaba enterado.
¿Enfermeras? ¿O sea, en un sanatorio? ¿Escuchaste que enfermeras estaban escuchando eso?
-—Sí. Y fue como: "¿por qué están escuchando eso?". No son el público.
Claro! ¿De dónde lo sacaron? Qué loco. Comprendamos que música como la mía es difícil que rote en radios hoy, porque hay mucho urbano y ya casi ni tus se escucha radio. Pero Pero sí, esas canciones se escucharon mucho y en varios lugares muy distintos.
-En una entrevista dijiste que regrabarías esa canción.
La remezclaría, creo. O tal vez la regrabaría.
-¿Por qué?
De hincha huevos. Punto (risas).
No, me encanta como está. Tiene casi ocho años y la grabé desde un lugar de mucha inocencia. Fue de las primeras cosas que grabé en mi vida. Tenía ese aura de las primeras veces: cantás como te sale, mezclás como podés, todo como podés. Eso le da ángel.
Después te profesionalizás y perdés esa inocencia. Como dice Picasso, hay que volver a ser niño. niño. Intentar reproducir eso es dificilísimo.
Desde lo técnico, me gustaría regrabar algunas voces, remezclar. La instrumentación me encanta. Pero no lo voy a hacer.
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El Festival Refresco tuvo su primera fecha de la edición 2026 el viernes 9 de enero en Niceto Club, con más de 12 artistas distribuidos en dos escenarios. En el mainstage se presentaron Tobogán Andaluz, Peligrosos Gorriones, Nina Suárez, Shaman Herrera y los Hombres en Llamas en formato orquesta—, UTAH, Niños Envueltos y F9. En paralelo, el stage dance contó con sesiones de Asia del Sur & Sergio Rotman, Kobra Kei y DJ Vintage, entre otros. La noche confirmó el formato mensual del ciclo y su cruce entre rock, indie y electrónica en pleno verano porteño.
SHAMAN HERRERA haman vios hombres en lallas
X NATI MANZANA
Ustedes eran muy chicos, pero hubo un tiempo en el que ver una película en casa implicaba ir a un lugar mágico: el videoclub del barrio. Góndolas por género, cajas de plástico y cartón, estrenos, clásicos y rarezas que te llamaban desde las tapas. Podías pasar horas leyendo contratapas y apilando para que nadie más se las llevara. Y cuando estabas perdido, aparecía el nerd o la nerda detrás del mostrador con la recomendación justa. Sin estrellas, sin reseñas, sin algoritmos: solo una cajita misteriosa y la promesa de una nueva aventura.
¡Hola! Soy Nati. Miro muchas películas y quiero que ustedes también las vean. Bienvenidxs al Videoclub.
Todo pasa muy rápido y lo que ayer fue una tendencia que invadía redes y medios de comunicación hoy ya está enterrado en el pasado ¿Se acuerdan de Stranger Things? Tal vez la vieron, tal vez no. Tal vez les encantó, tal vez les pareció una bazofia. Lo cierto que esta serie interpeló a más de una generación ¿Por qué? Porque se inspiró en películas muy específicas de los años ochenta y noventa (y alguna más reciente también), tomando conceptos clave como la amistad, la aventura, la infancia, lo sobrenatural, la nostalgia y por supuesto, una estética muy identificable.
Esta es mi humilde selección de películas en las que pensé mientras veía Stranger Things. La mayoría tiene la particularidad de situar sus historias en épocas anteriores. Hay para todos los gustos. Las ven y después me cuentan.
Ah, y por favor no se olviden de rebobinar.
SERIES
STRANGER THINGS
Más conocida como "la de Freddy". Cuatro adolescentes son atormentados en sus sueños por un psicópata asesino desfigurado. El problema es quedarse dormido, porque si te mata en la pesadilla, te morís en la realidad.
Normally maty but one.
She has the power to objects af every other cha
But then those who will do FIRESTARTER
Will the have the power.40
DINO DE LAURENTIS -
FALDDONS HEATHER LOCKLEAR MARTIN SHUN GEORGE C. SCOTT ART CARNLEY-LOUISE FLETCHER STANLEY MANN STEPHEN KING MARTHA SCHUMACHER
Los Goonies (1985) - Un grupo de chicos que, para salvar sus casas de una demolición, se embarcan en una aventura en busca de un tesoro pirata perdido. Siguiendo un viejo mapa, se enfrentan a trampas, caminos subterráneos y a una familia de criminales, mientras descubren el valor de la amistad y el trabajo en equipo.
SI NANCY NO CONSIGUE DESPERTAR INMEDIATAMENTE, NO DESPERTARA JAMAS
WES CRAVEN NIGHTMARE ON ELM SWEET Pagoeta JOHN SUON RONDE BURLEYHEATHER LANGENGAMP
UNA CAMARA FILMA, POR FIN, EL INTERIOR DE UNA PESADILLA
Firestarter (1984) También conocida como "Ojos de fuego". Cuenta la historia de una niña con poderes piroquinéticos que puede provocar incendios con la mente. Perseguida por una agencia secreta que quiere usarla como arma, ella y su padre. intentan huir mientras la niña lucha por controlar un poder tan peligroso como su propia ira.
GOONIES
LOS
It (1990) - O "la del payaso asesino”. Un grupo de chicos de un pueblo llamado Derry se enfrenta a una entidad maligna que adopta la forma de sus peores miedos alimentándose del terror. Los protagonistas deberán enfrentar tanto al monstruo como a los traumas que los persiguen desde la infancia.
THE SANDLOT
Más conocida como "Cuenta Conmigo". Sigue a cuatro chicos que emprenden un viaje a pie para encontrar el cuerpo de un niño desaparecido. En el camino, la aventura se convierte en un rito de paso donde enfrentan miedos, conflictos familiares y el final de la infancia, mientras se fortalece su amistad.
The Master of Horror unleashes everything you were ever afraid of.
STEPHEN
KING'S
STEPHEN KING'S IT STARRING HARRY ANDERSON DENNIS CHRISTOPHER RICHARD MASUR ANNETTE O'TOOLE TIM REID JOHN RITTER AND RICHARD THOMAS SPECIAL APPEARANCE BY TIM CURRY AS PENNYWISE MATTHEW O'CONNOR JIM GREEN AND ALLEN EPSTEIN LAWRENCE D. COHEN PART 2-LAWRENCE D. COHEN AND TOMMY LEE WALLACE TOMMY LEE WALLAGE THE KONIGSBERG/SANITISKY COMPANY AND GREEN/EPSTEIN PRODUCTIONS IN ASSOCIATION WITH LORIMAR TELEVISION
The Sandlot (1993) - No podemos obviar el gran nombre televisivo: ¡Cuidado! Hércules vigila. Un chico nuevo en el barrio quiere integrarse a un grupo de amigos unidos por su amor al béisbol durante un verano inolvidable. Entre partidos, travesuras y aventuras, la película retrata la amistad, el crecimiento y la nostalgia de la infancia.
Now and Then (1995) - Es la versión femenina de Cuenta Conmigo sumando una perspectiva adulta. Cuatro mujeres que se reencuentran en la adultez y recuerdan un verano clave de su infancia en los años 70. A través de flashbacks, la película muestra cómo la amistad las ayudó a atravesar el crecimiento, los primeros amores, los conflictos familiares y el momento en que la inocencia de la niñez desaparecer.
Una de yapa: Midnight Special (2016) - Esta no la vio ni la madre del director pero a mi me gustó. Trata de un padre y su hijo con habilidades sobrenaturales que huyen para protegerse de una secta religiosa y del gobierno. Resulta que el chico es clave en un fenómeno extraordinario que pone en juego el destino de ambos y del mundo que los rodea.
Una imperdible: Super 8 (2011) - Un grupo de chicos en un pequeño pueblo filma una película casera cuando son testigos de un misterioso accidente de tren. A partir de ese hecho comienzan a suceder fenómenos extraños, y los chicos se ven envueltos en una aventura que mezcla ciencia ficción, peligro y el paso de la infancia a la adolescencia.
JOEL KIRSTEN ADAM SAM EDGERTON DUNST DRIVER SHEPARD
MICHAEL SHANNON
HE'S NOT LIKE US.
FROM THE DIRECTOR OF TAKE SHELTER AND MUD
SE LO ENFRENTA
La previa a la primera fecha de "$0 pesos" nos convocó el jueves 22 de enero en la planta baja de Niceto Bar, a pasos del Club donde más tarde iba a estar tocando 99dosmil, El jardín es un desastre y Santi Máze en formato acústico. El ciclo promete una oferta variada y fresca de bandas que se presentan los jueves del verano 2026, ¡totalmente gratis! Un regalo para quienes nos quedamos este enero y febrero en CABA y alrededores.
$0 Pesos
Lxs chicxs quieren rock
La antesala del festival fue un conversatorio que llevó como eje la pregunta "¿Cómo hacer frente a la crisis en la escena independiente?” - o como lo plantearía Delfi Montagna en su rol de moderadora, cómo gestionar la crisis "desde la escena independiente". Eventos accesibles, bandas nuevas y autogestión son los ingredientes que los invitados reconocieron como catalizadores para una escena post- pandemia en ebullición.
La charla contó con la presencia de Fer Lamas, del espacio artístico y club de música en vivo Moscú, Leo de Cecco de Strummer Bar, y Berny de Liverpool Club -tres espacios en Villa Crespo y Palermo que son una referencia ineludible en la escena musical independiente de hoy en día. Por su parte, Delfi Montagna es redactora en el medio cultural online Indie Hoy.
El intercambio arrancó algunos minutos antes de las 21hs y duró alrededor de una hora, momento en el que la Av. Niceto Vega comenzó de a poco a llenarse del movimiento el ritmo que la caracteriza. En la vereda de enfrente fueron brotando grupos de jóvenes que se acercaban a la puerta del Club. Ya se palpitaba lo que iba a ser una fecha para el recuerdo: por reservas agotadas, esa noche el evento que cerraría con un show impecable de 99dosmil se trasladó de la sala sobre la calle Humboldt al escenario principal.
La esquina de Palermo empezaba a iluminarse con sus marquesinas, sus letreros en neón y los postes de luces LED que acompañan la traza de la ciudad. Mientras tanto, dentro del bar, Fer Lamas relataba la experiencia de Moscú al abrir durante la pandemia, sus dificultades iniciales y una recompensa: la identificación que se logró establecer entre el espacio y su público.
"-Nosotros puntualmente alquilamos en pandemia, en el 2020, cuando explota todo. Al final del 2020 alquilamos este lugar para trabajar por una cuestión prácticamente de necesidad. (...) Lo pudimos alquilar sin mayores pretensiones más que por lo menos poder abrir y hacer algo. (...) Los eventos que se hacían eran con un porcentaje muy mínimo de capacidad, tenía que haber distancia. (...) Fue una experiencia súper difícil, la verdad que fue difícil, súper linda a la vez. Y siento que posiblemente el contexto, con nosotros laburando ahí, todo hizo que muchos chicos se sintieran identificados con nosotros, con el espacio. (...) Entonces los chicos que venían después de dos años que estuvieron en la casa sin otra cosa, haciendo música y con ganas de tocar, lo tomaron muy personal, lo tomaron muy suyo." -
En Strummer Bar, Leo de Cecco empezó a ver lo que parecía ser el surgimiento de una nueva escena luego de la pandemia: -“lo que es muy interesante es la cantidad de pibes chicos haciendo música y bandas que realmente suenan muy bien (...). Que se genere toda esa escena, es algo. Estaba en ebullición algo nuevo." Desde su espacio, había un interés por aportar a que se dieran las condiciones para que la escena siguiera en pie: "Realmente llamaba la atención y a nosotros nos parecía que teníamos que apostar y darle el escenario para que se expresen, porque estaba realmente buenísimo todo. Y sigue estando buenísimo porque un montón de esas bandas crecieron y suenan mejor y sacaron discos y tocan en todos lados."
La historia de Liverpool Club también se vio marcada por la pandemia: estuvieron cerrados entre 2020 y 2024 y tuvieron que atravesar una mudanza. A partir de esta experiencia, Berny expresó que: -"el desafío de nuestras salas es justamente (que la escena) suceda y que se fomente. Desde darle las herramientas o el espacio, el escenario, el sonido, las luces, las plataformas a disposición, y estar como atento." Parte del desafío es "programar y darle la chance a todos los artistas, y ahí va sucediendo." Seguir siendo parte del circuito les trajo como recompensa poder darle espacio a "un montón de pibas y de pibes tocando, fuera de la pantalla, y tocando música."
Sobre esta observación, Delfi montó una pregunta sobre cómo lxs chicxs viven la música en vivo: "Desde el 2020 no sé si cambió la forma de habitar esos espacios, si siguen sintiendo la necesidad de las personas de encontrarse con otras
personas de carne y hueso que no sean un ente digital." Para Fer, a pesar de los cambios por cómo nos relacionamos en redes sociales, "igual el encuentro es prácticamente necesario, como desde siempre." Y agregó que:
-"Hay mucha exposición, eso puede ser de que sea todo un poco más individualista, pero siento que el arte y la música en general siempre fue mucho de agruparse. Hay un montón de solistas y todo, pero al juntarse con una banda dentro de una sala de ensayo me parece que hay algo muy único. Y eso se retransmite en un espacio cultural, porque es un escenario chico, casi al piso, la banda está tocando lo mismo que hizo en una sala de ensayo. El pibe que lo va a ver lo siente (...)”.
Pensando sobre la relación que se establece entre las bandas nuevas y la circulación digital, Leo aportó que "quizás hoy una de las peores cosas de lo digital es la ansiedad que te da y la inmediatez, esta cultura de de la inmediatez que tiene que ser todo ya y ahora; y muchas bandas creen que pasa por ahí. (...) Hoy hay una cuestión de la inmediatez que te frustra, te genera ansiedad, te interpela todo el tiempo." Sin embargo, para él el desarrollo la de escena independiente en realidad "pasa por tocar, estar en la sala de ensayo, hacer música, canciones, y bueno, salir a tocar y a tocar en todos lados, en todos los espacios donde se pueda." En ese sentido, desde centros y bares como Strummer, "tenemos que agradecer todo el tiempo y sostener estos espacios que cuesta tremendo (...), pero es sumamente gratificante."
Para dar cierre a la charla, Delfi propuso pensar en qué los mueve a "seguir apostando por lo por lo que hacen".
Fer: "Yo creo que un amor irrefrenable a la cultura y al arte que no te hace pensar en otra cosa. La verdad siento que si realmente fuéramos empresarios, capaz que nos dedicaríamos a otra cosa. (...) Esto sin pasión, en mi caso, creo que no rinde."
Leo: "Sí, yo sumo la palabra pasión, (...) pasión por lo que hacemos, por lo que tratamos de generar, tanto por la experiencia para los músicos como para el público. Pasión siempre."
Berny: "Bueno, lo mismo. Amor, vocación. Yo siempre hablo de la autogestión porque me genera mucho orgullo hablar de la autogestión, que tiene que ver con el hambre de hacer."
EI papel de los independientes en la cultura.
conversación una Montagna.
Delfi escribe en Indie Hoy desde hace más o menos tres años. Se acercó al medio luego de encontrar la fusión entre su amor por la música y su interés por estudiar la cultura. Algo que rescata de su trabajo es que el público que sigue al medio se parece a quienes participan de él: "los redactores quizás no somos tantos, pero sí todos tenemos gustos muy distintos. Quizás hay uno que le gusta más el rock, otro que le gusta más la electrónica, otro que le gusta más lo alternativo y entonces hay mucho de 'che, yo quiero hacer una nota de esta banda porque me fascinó, porque la descubrí".
Con respecto al rol de los medios independientes en la cultura, señala que el panorama en el que nos insertamos es "extraño" en cuanto a cómo funciona la lógica de "la generación de contenido." Además, en un contexto en el que la mayoría de los periodistas tienen más de un empleo, "el periodismo cada día más se transforma en un hobby o en una segunda profesión", por lo que se trata de un rubro "en el que todo el mundo hace lo que hace por amor al medios con Delfina
SRD arte." Esta es una reflexión que también surgió durante el conversatorio: la dificultad de valorizar el arte y de hacer del oficio algo posibilite seguir que nos económicamente a haciéndolo.
Dentro del ámbito cultural, Delfi reconoce que hay medios con distintos tipos de identidad. Los hay con "cierta identidad más corpo, (que) tienen tratos con marcas y demás", y por otro lado hay espacios como Indie Hoy, que ella define como "una trinchera cultural, en el sentido de que están buscando la forma de que siga en pie orgánicamente." Al valorar la diversidad de intereses y la curiosidad de quienes siguen al medio y de quienes lo componen, se logra construir una comunidad que, en palabras de Delfi, "sigue siendo un recurso muy valioso para encontrar y para descubrir cosas nuevas, por fuera de la lógica del algoritmo."
A veces funciona, a veces no Llegó la tercera parte de esta introspectiva saga que Fernando Ruiz Díaz inició en 2025. En las dos ediciones anteriores, además de temas propios (Magia veneno, Hay casi un metro al agua, El mezcal y La cobra), había incluido versiones de clásicos del rock nacional (Mañana en el Abasto, Té para tres, Manuel Santillán el león). Este tercer volumen presenta un tema nuevo con el que arranca y se llama Everything is possible. Fuerte y al medio. Una melodía ochentosa, de guitarras prolijamente sucias y mucho power. Carta de presentación ganadora y, si bien no hay una prosa interesante, acompaña y no molesta.
"Suenan fuerte los coros con llanto", y vaya que sí lo hacen en Musas, donde la participación de Lula Bertoldi y Nico Sorín, entre otros, le dan personalidad y color.
El Zorrito Von Quintero y Rosario Ortega se suman en hablando a tu corazón, que está muy a la altura y además suma: no es un cover más.
La base sobre una batería electrónica, un bajo muy presente y la guitarra que suena cuando tiene que sonar hacen que destaque mucho la voz de Fernando y no le saca protagonismo a los coros de Rosario. "Quiero que me escuches y que te abras". Versión prolija, respetuosa e interesante.
En El sueño aparece Hugo Lobo, que acompaña el fraseo y queda muy bien. "¿No es acaso la vida un sueño? ¿Pero de quién será?”.
Promediando el disco llega esta hermosa versión que los viejos catupequeros valorarán. Puede ser que sea algo larga, casi siete minutos, pero eso no la hace repetitiva, en gran parte gracias al ya mencionado Hugo Lobo. Punto alto de este disco que, no conforme con eso, le abre paso a un cover de Robi Draco Rosa: Más y más (que supo grabar con Ricky Martin). Y qué bien. que le queda esta melodía y la voz desgarrada de Ruiz Díaz, sobre todo en ese "yo no sé cómo abrazarme a tus brazos y no sufrir". De esas versiones que probablemente superen a la original.
El final nos espera con un clásico de Catupecu Machu, A veces vuelvo, en una versión más desprendida y solitaria, a la que el ingreso de Santiago Motorizado le da una suavidad que le queda bien y le suma un matiz muy agradable. Esta canción sirve de pasaje para la llegada de Sr. Flavio y un recuerdo a Ricardo lorio con ese himno que es Allá en Tilcara. Tan folclórico como metalero. Tan argentino.
Continuhará vol. III
8 Juancitos de 11 posibles.
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Buenos Vampiros llevó nuevamente su oscuridad al escenario de Niceto Club, donde presentó canciones nuevas y repasó parte de su discografía. El show se sostuvo con solidez a lo largo del set y reafirmó el crecimiento del proyecto frente a un público atento y constante.
BUENOS VAMPIROS
Buenos
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La primera edición del Festival Nueva Amenaza se realizó el viernes 9 de enero de 2026 en el Teatro Vorterix de Mar del Plata. Con una curaduría centrada en la escena alternativa local, se presentaron Marchitorial, Gilda Manson, Cartas a Mí y Ficciones, junto a Socorro como banda invitada desde Buenos Aires. La fecha funcionó como punto de cruce entre proyectos emergentes y propuestas autogestionadas, con una fuerte respuesta del público desde temprano.
Met
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