Igor Stravinsky/N° 1

• N° 1 2025
• RUSIA PERÚ
• ARTE SONORO EN EL 2025

Nuevas herramientas sonoras en la música. Una comprensión y acercamiento a la IA.

QUÉ ES LA NUEVA MÚSICA

Éste término explicado desde un análisis crítico musical.

DU∆L

IGOR STRAVINSKY

El tsunami Stravinsky en los compositores modernos.

OLGA VLASOVA MANUEL GALLEGOS

MAGAZINE

• Primera revista musical ruso peruana.
• propiedad de CASA DUAL.
• DU∆L

Fundada en Trujillo/Perú el 20 de enero del 2025. Propiedad de CASA DUAL.

Trujillo, Perú 2025

Directora Dirección de Arte Edición y redacción Colaboradores

Traducción

Maria Dimitriadis Edder Álvarez Agreda Diana Castillo Aranda Fernando Fernández Muñoz Roman Ivanovich Ruditsa Alexander Serechenko Katya Priyanik Maria Dimitriadis Tatiana Ossokina

Sobre la revista

DUAL MAGAZINE es una revista semestral de música clásica y contemporánea ruso-peruana. Abierta a espacios de libertad creativa y novedades artísticas entre ambos países. Con espacios de promoción para los artistas nacionales y rusos como la sección CONOCE y ENTREVISTA EXCLUSIVA donde se podrá exponer el material artístico al mundo desde una visión cultural y de unidad entre ambos países.

Trujillo, Perú (+51) 936 619 614 | [email protected]

Dual magazine es una revista musical de CASA DUAL

@dualmagazine440

La revista es uno de los espacios creados en CASA DUAL conmemorando su 3er aniversario. Por éste motivo se ha decidido ofrecer al público una selección de ar tículos y materiales de exclusividad, destacando la colaboración por invitación a maestros con trayectoria y ar tistas frecuentes del mundo académico y ar tístico.

Éstas selectas colaboraciones tienen el fin de promover a nuestros nacionales peruanos y rusos, sus lazos de hermandad con la música y el rescate del Arte en todas sus especialidades y proyectarlas desde nuestra ciudad al Perú y del Perú al mundo.

Los invito a disfrutar de éste primer número.

“Hermanos, hay mucho por hacer.” - Cesar Vallejo

Diana Castillo

EDITORA

6 IGOR STRAVINSKY

El compositor peruano Fernando Fernández nos narra sobre Igor Stravinsky, sus formas compositivas y su influencia musical no sólo en la rama académica, sino en el jazz, rock y metal.

11 QUÉ ES LA NUEVA MÚSICA

¿A qué llamamos Nueva Música? Ésta interrogante la responde el compositor ruso Roman Ivanovich Ruditsa bajo un análisis crítico-musical a una de las obras más aplaudidas en el festival de órgano de la RT en San Petersburgo (2024).

21 CÓMO SERÁ EL ARTE SONORO EN 2025

El dúo artístico Sasha & Katya, nos acercan a una concepción del sonido desde un ámbito sonoro nuevo e inclusivo. A través de un artículo nos acercan a la IA como nueva partitura de Arte Sonoro.

C A S A D U A L 3 A Ñ O S

27 OLGA VLASOVA

En esta sección, la revista nos acerca a la directora de orquesta rusa Olga Vlasova. Descubre sus inicios, estudios, performances y actuales colaboraciones con el colectivo MUSICAETERNA liderada por Teodor Currentzis.

ENTREVISTA EXCLUSIVA

35 MANUEL GALLEGOS

Desde Madrid-España, la directora de la revista nos acerca al Art Management Manuel Gallegos. En ésta entrevista, Manuel nos cuenta cuáles son sus funciones en el mundo del Arte.

C A S A D U A L 3 A Ñ O S

ARTÍCULOS

PROFESOR DE TEORÍA Y ANÁLISIS, COMPOSITOR Y TROMPETISTA.

BIO

Nació en Trujillo (Perú), inició sus estudios musicales a temprana edad en el Conservatorio Regional de Música del Norte “Carlos Valderrama” en la especialidad de Trompeta, posteriormente en la sección superior realizó estudios de Composición y Arreglos Musicales con el maestro David Martínez Apellaniz.

Sus obras han sido ejecutada.. s por la Orquesta Sinfónica de Trujillo y la Orquesta del Conservatorio Regional de Música del Norte “Carlos Valderrama”, asimismo su música de cámara ha sido presentada en diversas audiciones y recitales.

En 2004 el Trío Thelema estrenó en Bélgica la obra “Asimétricos Extramuros”, y en Italia la obra “El Norte del Sur” (obra basada en el aire de la danza Peruana denominada marinera ) y la presentó también en el Fringe-concerten Zeeuwsch-Vlaanderen (Holanda) y en el II Festival de Música Contemporánea en Perú.

Sus obras para Oboe han sido interpretadas por William Wielgus ex-integrante de la Orquesta Sinfónica Nacional de los Estados Unidos y de Fagot por Lía Uribe, integrante de la Orquesta Sinfónica de Northwest Arkansas. El 2024 en el Festival Musicantes presentó “Tres Danzas Peruanas” para violín y piano interpretados por Carlos Johnson y Katia Palacios, y participó en la composición de una misa en quechua con el Kyrie y el Sanctus que fue interpretado por el Coro Nacional de Niños del Perú . Actualmente se desempeña como profesor de Lenguaje Musical en el Conservatorio Regional de Música del Norte “Carlos Valderrama”.

INFLUENCIA EN LOS COMPOSITORES MODERNOS

Por Fernando Fernández Muñoz

Igor Stravinsky (1882-1971) uno de los compositores más influyentes de la música del siglo XX, fue un artista que transitó por diversos periodos compositivos y planteó su concepción, su necesidad expresiva empleando diversos recursos -que van desde el empleo de su folklore, elementos de la música renacentista, procedimientos compositivos del periodo de la práctica común, a los procedimientos desarrollados por la vanguardia -la politonalidad- importante referencia es el icónico acorde de Petrushka y el procedimiento dodecafónico (que implica la liberación de la disonancia -no hay “obligación” de resolver a una consonancia-), hasta elementos del jazz, creando obras diferentes pero dotadas de su personalidad; podría considerársele un transgresor; este tránsito y la calidad de sus obras, le da importancia para ejercer influencia en las generaciones que le sucedieron.

Probablemente con una de sus obras más conocidas, la Consagración de la primavera, en la que por la forma de manipulación del material temático, la orquestación, el empleo del recurso rítmico-empleo de síncopas, desplazamientos rítmicos, poliritmos, generó gran influencia, tanto en el ámbito académico, como en el jazz y el rock; además de sus reflexiones expresadas en el libro “Poética Musical” escrito con la colaboración de Alexis Roland-Manuel, donde reúne las seis lecciones magistrales de música que dio en la Universidad de Harvard durante el año académico 1939-1940; en el que Stravinsky establece su planteamiento filosófico sobre la creación musical.

Compositores Samuel Barber, Igor Stravinsky, Lukas Foss, Aaron Copland, y Roger Sessions en Carnegie Hall, al rededor de 1957.

El tratamiento del ritmo en su música, en la que emplea un lenguaje rítmico basado en células cortas e irregulares, o con acordes fuertes y repetidos, en lugar de frases con métrica regular, generando un ritmo entrecortado, sincopado, que genera un cierto grado de impredictibilidad, en algunos casos hasta violento, lo que lo hace emocionante; en opinión de Philip Glass “el uso distintivo del ritmo en la Consagración de la Primavera con el empleo de compases mezclados -cambios de compás de manera constanteimpulsa los ritmos a través de las líneas de compás y la estructura rítmica de la música se volvió mucho más fluida y, en cierto modo, espontánea"

En cuanto a la forma-estructura y organización, en lugar de un enfoque fluido, empleado en el periodo de la práctica común y representado en su forma más importante: La sonata, Stravinsky estructura la mayor parte de su música como un collage, en el que bloques de sonido se yuxtaponen en una especie de discontinuidad narrativa sistematizada.

“...las ideas y planteamientos musicales de Stravinsky influyeron en compositores con diferentes estilos como Carl Orff, Edgar Varese, Oliver Messiaen, Steve Reich, John Tavener, Aaron Copland, Philip Glass, Béla Bartók, Pierre Boulez y Frank Zappa...”

Stravinsky trabajando en The Flood

Stravinsky con su planteamiento musical establece un paradigma estético que puede denominarse antirromántico- hacia 1913 cuando se estrena la Consagración de la Primavera, los compositores buscaban romper con los excesos del romanticismo tardío de fines del siglo XIXque, en su forma más vulgar, podía apelar a un sentimentalismo superficial- y con la rigidez de la música del siglo XVIII, su propuesta entonces llega a renovar la actividad creativa musical.

Otro aspecto a considerar en su música es la orquestación, Stravinsky pone énfasis en la sección de percusión-empleo de efectos percusivos, en algunos casos hasta agresivos y violentos, y la importancia de la sección de cuerdas disminuye en favor de los instrumentos de percusión y vientos, llegando a escribir sin considerar violines ni violas-sinfonía de los salmos- e incluso sin considerar la sección de cuerdas completa-Concierto para piano. Les Noces está compuesta para voces, cuatro pianos y siete percusionistas.

En la música académica las ideas y planteamientos musicales de Stravinsky influyeron en compositores con diferentes estilos como Carl Orff, Edgar Varese, Oliver Messiaen, Steve Reich, John Tavener, Aaron Copland, Philip Glass, Béla Bartók, Pierre Boulez y Frank Zappa- quien interpretó alguna de sus obras con el grupo The Mothers of Invention-quienes también innovaron en la música en el ámbito tonal, rítmico y la forma musical. Aaron Copland apreciaba de manera significativa la música de Stravinsky que se refirió a él como su compositor favorito.

Igor Stravinsky junto a Edgar Varese en 1964

Kyle Etges de la Middle Tennessee State University en “Stravinsky’s Influence on the Jazz Idiom” señala la influencia de Stravinsky en jazzistas como Charlie Parker, Neal Hefti, Miles Davis, Ethan Iverson y otros importantes músicos de la historia del jazz, quienes apreciaban la música su música y utilizaron algunos de sus recursos compositivos en la improvisación y los arreglos de jazz- el uso de ostinatos, muchos gestos parecidos a riffs (en lugar de melodías de larga duración), aparecen también en ciertos tipos de jazz.

El vocabulario enérgico, agresivo, áspero, ruidoso del heavy metal, el empleo de células musicales cortas y repetidas-ostinatos- así como el empleo de riffs y la prominencia de la percusión en este tipo de música, puede considerarse también influencia de la música de Stravinsky, Metallica cita "La consagración de la primavera" como una de sus principales influencias; David Burke de la universidad de Southampton encuentra influencias en la banda de rock sueca Meshuggah.

Así pues, Stravinsky con su propuesta transgresora ha ejercido influencia en un amplio espectro de la creación musical.

3 AÑOS

PROFESOR DE TEORÍA Y ANÁLISIS, COMPOSITOR, PIANISTA Y CRÍTICO MUSICAL.

BIO

En 1990-1995 estudió en el Conservatorio de San Petersburgo. N. A. Rimsky-Korsakov, clase de composición Prof. S. M. Slonimsky, clase de teoría musical Prof. E. a Ruchevskaya, clase de piano y clavecín E. A. Seredinskaya. También estudió bajo la dirección del profesor T. S. Bershadsky (teoría de la música).1995 - 1997 - asistentepasantía en composición, director creativo S. M. Slonimsky. 1997 - 1998-escuela de posgrado en teoría musical, director científico E. A. Ruchevskaya.

Miembro de la Unión de compositores de San Petersburgo. Es autor de obras sinfónicas y de cámara, cantatas, de las cuales las más importantes considera cantatas de contenido espiritual ("El juicio final", "Josaf-Tsarevich y el desierto", ambas sobre textos de poemas espirituales rusos). En sus obras se esfuerza por desarrollar el arte polifónico, ampliar las posibilidades de armonía y contrapunto, considerando importantes tanto el apoyo a las tradiciones de la edad Media y el Renacimiento, como la creación de nuevas formas de organización estructural, el equilibrio de la intuición creativa y los métodos científicos (lógico-matemáticos). La mayoría de las obras se realizaron en las Salas de la Filarmónica de San Petersburgo, el Museo Ruso, el teatro del Hermitage, la Unión de Compositores de San Petersburgo, el Instituto estatal Ruso de arte teatral y otras Salas de conciertos de San Petersburgo. Escribió varias canciones, incluyendo "Himno de fútbol de San Petersburgo"...

UN ANÁLISIS A LA OBRA “CHRONOS” DE ANTON TANONOV

Por Roman Ruditsa

El tiempo... racional o intuitivamente, cualquiera puede comprender cuánto afecta su acción en la vida humana, cuán significativo es. Y no sólo eso en sí mismo, sino también conceptos relacionados, como la modernidad, la puntualidad. Estos dos conceptos son especialmente importantes para los creadores de arte, los experimentan con especial inquietud. No es difícil entender por qué: la puntualidad de una obra de arte es, ante todo, su demanda, la respuesta de las personas vivas a ella.

Una respuesta de gran importancia para el creador de la obra: ¿Cuál es el significado del acto creativo y todos los esfuerzos que conlleva, si el producto de ese acto no ha tocado las almas humanas, o al menos no ha sido útil para los humanos en algún sentido? Asegurarse de que es útil, preferiblemente ahora, en tiempo presente; si la respuesta a la obra sigue después de la muerte de su autor, ¿lo sabrá el autor?

La cuestión de cuál es el lugar en la sociedad de la música académica más nueva (es decir, creada directamente en nuestros días) es muy aguda. La envoltura de esta pregunta es: ¿En qué medida, en qué estratos y círculos de la sociedad se demanda esta música?, ¿Para quién son atractivas sus variedades específicas?, ¿Cuál es la demanda de esta música (es decir, hablando de manera informal, la gente responde mentalmente a ella, o de alguna manera la usa)? Para abrirse paso a través de este caparazón, es necesario aclarar muchos conceptos, aclarar muchos hechos.

Lo que es más interesante es que recientemente hemos visto un hecho vívido de la demanda de una obra musical académica. Un hecho de la resonancia, el entusiasmo musical y de escucha que acompaña a la obra desde su llegada al mundo. Se trata de un Concierto para órgano y orquesta "Chronos" del compositor de San Petersburgo Anton Tanonov.

“Semánticamente, el conjunto de herramientas de Chronos se selecciona con precisión, revelando el estado de ánimo emocional que acompaña a la idea del tiempo.

Entre estos modelos, tanto las obras maestras del diseño como los objetos están estrechamente relacionados con nuestra historia: 1. Cohete Big Zero; 2. Los navegantes que acompañaron a Gagarin en su vuelo; 3. Vostok anfibio-el reloj de buceo más famoso de la era Soviética; 4. Cohete código Ruso-reloj con marcha atrás; 5. Kolobok es un representante de la inimitable familia de "Monstruos en la muñeca", creada por Konstantin Chaikin. Por supuesto, los nombres de los famosos relojes no son sólo títulos sobre partes del concierto, la música de Tanonov tiene una conexión figurativa y semántica con estas cosas, y la conexión es muy no trivial.

Desde que los compositores comenzaron a expresar el tiempo, a transmitir su curso en la música, no lo hicieron directamente (¿y es posible expresar directamente el tiempo?), pero representando la acción de los mecanismos creados para medirlo.

En realidad, un reloj, como el de Haydn (sí, el nombre "Reloj" para la famosa sinfonía en Re mayor fue inventado por un público agradecido, pero parece que Haydn realmente transmite sobre el tiempo desde las páginas de esta partitura), o el metrónomo de Melzel, como en la octava sinfonía de Beethoven. También en Tanonov.

Su concierto está dedicado a los maestros relojeros nacionales. Este es un ciclo de cinco partes, cada una de las cuales lleva el nombre de uno de los modelos de relojes creados en la Unión Soviética y en la Rusia moderna.

La primera interpretación de "Chronos" tuvo lugar en marzo de 2024 en Kazán en la clausura del V Festival internacional de órgano de gaso RT y causó una Ovación de pie de tal intensidad que rara vez se encuentra en nuestro tiempo.

po en las paredes filarmónicas. (Debe recordarse la enmienda al hecho de que sonaba una cosa completamente nueva, inusual para la percepción, y recientemente una composición favorita del público, no una composición que tenga la reputación de una obra maestra). Tanto para el público como para la crítica, quedó claro de inmediato que el estreno del Concierto era el evento central del Festival, a pesar de que su programa incluía muchos ejemplos clásicos notables y obras contemporáneas dignas.

Anton Tanonov

En algún lugar, la relación asociativa entre los productos de relojería y la música es clara, se lee en el nivel de sonido, a través de los medios tradicionalmente atrincherados en algunas imágenes. En la segunda parte, se escucha naturalmente el vuelo estacionario en las extensiones interestelares, e incluso, tal vez, el despegue del cohete, la tensión de las fuerzas físicas que separan a la nave de la mesa de lanzamiento – y las fuerzas del alma, audibles en una voz que notifica la normalidad del vuelo en su próximo segundo…Tanonov tiene aquí, al comienzo del ciclo, el emblema sónico más explícito y tradicional del tiempo. El mismo TIC-TAC octavo, como Haydn, sólo al revés (en lugar de Tercia arriba Tercia abajo).

Y este tictac está entonado de tal manera que de él sale una cuenta infantil, un coro como "ok, ok, ok, ¿dónde estaban? - la abuela". El órgano entra, con su timbre sagrado, y saca una melodía, claramente de color ruso, ya sea imprudentemente optimista o irónica, que se repite con persistencia o con meditación, alineándose con todas las nuevas prendas texturizadas. Lo que tiene que ver con el Fabuloso perestroika "cero completo" no está claro, pero se siente que hay una conexión, y quiero desentrañarla. O el final – este swing asertivo, que se eleva, luego cae al borde del silencio, en el que las armonías simples con medios orquestales se convierten en un zumbido sonorístico.

Muchos detalles, mucho sonido, tela multifacética... ¿Cómo se relaciona esto con el lacónico "Kolobok" de Konstantin Chaikin? Entre otras cosas, la inspiración de Chaikin dio lugar a algo también muy misterioso. "El pan de jengibre", este monstruo verdaderamente asombroso es una cara suprematista de un color amarillo muy agresivo, con ojos que giran a diferentes velocidades (uno indica las horas, el otro los minutos), con una sonrisa segmentaria que expone los engranajes en lugar de los dientes…

Los relojes son atractivos para la imaginación humana. Pueden ser un atributo de lujo e influencia, un símbolo de habilidad y habilidad. En ellos se esconde un movimiento secreto y complejo, una especie de "semejanza en movimiento de la eternidad", que está presente junto a nosotros en la vida cotidiana. Al comparar partes del concierto y modelos de relojes, incluidos aquellos que recuerdan eventos históricos vívidamente memorables para los rusos, Tanonov hace que los oyentes participen en el juego para desenredar los hilos semánticos que conectan la música con el reloj. ¿Qué tipo de trama combina el reloj con las imágenes recreadas en los sonidos de "Chronos"? El oyente se deja llevar por el deseo de leer esta historia. Pero lo más importante es que en el concierto hay una trama de música en sí, que no se puede contar con palabras.

“La obra tiene una base armónica clara: en general, es una armonía tonal simple y nuevamente sobre clásica, que se interpreta libremente, sin prejuicios, como si se refractara en el oído del hombre moderno…”

La intriga es que a veces estos instrumentos actúan como personajes de timbre, voces principales, para quienes el resto de la sonoridad orquestal es el fondo o el medio. A veces, son productores de timbres que forman un sonido fusionado, por así decirlo, reactivos de timbre, de cuya unión surgen nuevas sustancias coloristas. El concierto tiene una solución de timbre original, nunca antes vista. Aquí vemos el ejemplo de la orquesta de una sola pieza, una idea de arreglo exclusivo que define la individualidad sonora de una sola composición.

Semánticamente, el conjunto de herramientas de Chronos se selecciona con precisión, revelando el estado de ánimo emocional que acompaña a la idea del tiempo. El órgano, con su sacralidad, está en consonancia con esa solemnidad mística que envuelve en nuestra visión un tiempo inexorable e incomprensible. Las casas son como las llamadas de juguete o de alarma mágica que emiten los mecanismos del reloj.

El conjunto de percusión también es una especie de herramienta de medición del tiempo, responsable de la uniformidad de su flujo, de la sincronización de las partes del conjunto…el sonido envolvente y homogéneo del grupo de cuerdas y el órgano en general se fusionan fácilmente, formando una especie de polímero de sonido. Y a este polímero se le agrega el vibrante y sonoro fluido de domra, el intenso timbre de la trompeta, de modo que se forma una mezcla de timbre energética, llena de ritmos y vibraciones de "Chronos", que tiene, en esencia, un carácter sonorístico.

Foto: Zhenya Potakh

Hay una historia de género y estilo en el concierto. Entre sus personajes se encuentra un cierto popjazz generalizado, un cierto "comienzo ruso", transmitido a nivel de color etnográfico, con algunos recuerdos (que nuevamente se hace eco del reloj, que también es una especie de recuerdo). En la cuarta parte, surge, como un tipo inesperado, un vals provincial, al principio simple, angular...

Con la aparición de esta persona, el órgano solemne y místico se convierte en un charmanka. Pero el valsoc inmediatamente, gracias a un síncope hábilmente introducido, se hibrida con algo así como Kikuoka, y de repente se transforma en un amplio giro lírico.

Los modelos de estilo aparecen claramente, luego se disuelven en una aleación general, mutan... están inmersos en un entorno sonorístico inusual para ellos, único, "Chronos", gracias a lo cual se produce un efecto de desapego, familiar y típico se escucha como si fuera desde el exterior, separado de sus significados internos… la transmisión pictórica, por así decirlo, literal del curso del tiempo a través de la imitación de los sonidos del mecanismo del reloj se encuentra en el Concierto de Tanonov sólo una vez, en la primera parte. Pero la dimensión, el tiempo, impregna el ciclo de principio a fin. Encarna el concepto del concierto y define su estructura básica.

Tal figura en cada parte es especial, además de tener un claro prototipo en la música clásica, en el campo del pop, el jazz... Así, la balada cósmica dedicada al reloj de Gagarin, se refiere a la sonata Lunar y sus composiciones meditativas similares del pasado, en la cuarta parte el tiempo se mueve al ritmo del vals. Y la estructura temporal misma de la obra es claramente, incluso declarativamente tradicional: un metro subrayado, fracciones de tiempo, compases, dos actos, que se suceden con una regularidad impecable…

Pero el elemento de repetición varía constantemente. El compositor lo complementa, lo transforma, y estos cambios son plásticos, surgen de manera impredecible y siempre son inesperados, como si fueran sugeridos por un giro libre de la fantasía. Y, al mismo tiempo, en las vicisitudes, el tiempo de flujo es una intriga que el compositor planifica y siente, las transformaciones ocurren de tal manera que dirigen efectivamente, reviven la atención del oyente

Lo mismo ocurre con el "Chronos" y con la armonía. La obra tiene una base armónica clara: en general, es una armonía tonal simple y nuevamente sobre clásica, que se interpreta libremente, sin prejuicios, como si se refractara en el oído del hombre moderno…

Entonces, tenemos ante nosotros una obra que causó una resonancia fuerte, rara en estos días para la música académica, que al instante fue amada por el público. Es un éxito indudable. ¿Cuál es su causa, más precisamente, la naturaleza? Estas son algunas de las propiedades de la obra: La programación es la yuxtaposición de lo que es visible con los ojos y puede describirse con palabras, con el sentido musical que evoca las imágenes en la visión interna, pero no reducimos a ellas, como no reducimos a ninguna formulación verbal.

Alusiones de género y estilo, intriga que consiste en su conflicto. La tradición básica es desde el nivel de las células elementales, de las cuales se forma el todo, hasta el nivel de estilo, modelos de género. En el "Chronos" de Tanonov hay, por así decirlo, un metro métrico, un ritmo rítmico, una armonía armoniosa... los elementos básicos del habla musical existen originalmente en la forma en que son más naturales y cómodos para la percepción de la mayoría de las personas modernas.

Calidad y exclusividad. En este sentido, el Concierto de Tanonov se puede comparar con obras de alta relojería. El reloj no puede dejar de ser tradicional, que consiste en todos los mismos elementos. Pero se elevan al nivel de los valores de alto orden cuando estos elementos y su unidad no sólo se cumplen con una calidad especial, con una comprensión del asunto, sino que también tienen una solución de autor, en la que el principio inicial puede llegar a un desarrollo lejano, hasta la paradoja.

Todas las características enumeradas del concierto, sin duda, tienen que ver con su éxito. Para los oyentes, la personalidad humana es especialmente atractiva – la individualidad brillante del compositor, que se expresa en la refracción de los modelos de género y estilo, en la solución original del ritmo, la armonía y la orquesta.

Pero parece que la razón más profunda de la resonancia de "Chronos" es que su música resuena seriamente con la percepción musical masiva de nuestro tiempo. El contenido principal de esta percepción es sobre los modelos clásicos. Pero no en su forma original: se dispersaron ampliamente en música pop, jazz, rock y cine, refractándose, reinventándose en ella, se alejaron mucho de su contenido primario, de su lógica nativa. De esta forma, llenan todos los días el oído de cada uno de nosotros. Y Tanonov, en su "Chronos", integra, expresa este oído musical cotidiano, inherente a la modernidad.

3 AÑOS

Alexander Serechenko 2019-2021 Universidad Federal del Lejano Oriente, Maestría en Artes Digitales 2000 - 2008 Universidad Nacional de Investigación Nuclear MEPhI, Facultad de Seguridad de la Información, estudiante de posgrado, escuela de posgrado

Ekaterina Pryanishnikova 2019-2021 Maestría en Arte Digital, Universidad Federal del Lejano Oriente 2016 - 2019 Escuela de Arte Rodchenko, Escuela de Fotografía y Multimedia de Moscú 2015-2016 Academia de Fotografía Documental "Fotografía", San Petersburgo 2009-2010 Escuela de Cinematografía, Moscú 2006 - 2011 Universidad Social Estatal de Rusia, Moscú

IA Y UNA NUEVA PARTITURA DE ARTE SONORO.

Por Alexander Serechenko y Katya Pryanik

Cuando Igor Stravinsky, en 1913, presentó por primera vez "La Consagración de la Primavera", no fue solo un escándalo musical — fue un gran avance en el concepto de lo qué es sonido, ritmo y composición. Destruyó lo habitual y dio voz a lo nuevo. Hoy, más de cien años después, la inteligencia ar tificial puede estar cometiendo un error, una revolución menos radical, pero ya no en las salas de concier tos, sino en los paisajes donde la música nace de texto, gesto o respuesta neuronal.

Este artículo es una reflexión sobre lo que la inteligencia artificial puede hacer hoy y cómo las características de la creación de sonido con la ayuda de instrumentos pueden cambiar el arte sonoro próximamente.

Perfor mance de audio y luz en la que dos par ticipantes controlan la transferencia de una imagen desde una cámara web a una tira LED. (Conductor 2019)

Como Stravinsky, quien usó la música como un medio para romper con la tradición académica, los artistas de sonido moderno con la ayuda de la IA crean una lengua que no existía antes. No trabajan con notas, sino con intención, no con orquesta, y con un modelo de aprendizaje, no con una partitura, sino con un bucle de retroalimentación. También como Stravinsky reformuló el concepto de ritmo y estructura, la inteligencia artificial difumina los límites entre el compositor, el oyente y la máquina.

Las herramientas de IA en el campo del audio de hoy no son sólo generadores de música de acuerdo con la descripción textual, sino también los complejos sistemas de traducción entre los medios, interfaces de control adaptativos, así como tecnologías que conectan sonido y el cuerpo humano directamente. Estamos en un momento en que el arte sonoro deja de ser el único resultado de la intención del compositor — es el resultado del diálogo entre la máquina y el cuerpo sensible.

El principal punto de entrada al arte de la generación de audio hoy en día es el texto prompty. Con herramientas como Suno, Audio, Music LM, StableAudio, el artista ya no está obligado a poseer notación musical o instrumentos de composición tradicional. Todo lo que necesita es la capacidad de precisión y formulación poética del pensamiento. Las interfaces de IA convierten esto en texto intención en el archivo de audio: desde paisajes sonoros hasta sinfonías enteras. La práctica requiere menos claridad técnica que conceptual. La habilidad de trabajar con “la intuición " de los modelos, y las limitaciones se convierte en habilidades artísticas. Estamos presenciando el nacimiento de una nueva forma de autoría, cuando la música se convierte en un collage de muestras generadas, conectadas no por notas, sino por intención.

Estudio de modelado 3D en Rhino con arduino y sensor de distancia. Gray cake.

Perfor mance "Otro estado vivo". El dúo Gray Cake utiliza algoritmos de redes neuronales y bucles personalizados para crear una actuación en la que los objetos cotidianos y sus propiedades visuales se convier ten en el material de origen de la historia.

La siguiente tendencia observada en el arte sonoro es la traducción entre medios en tiempo real. Inspirado en la cultura rave y el bricolajeherramientas, los artistas crean sus propios modelos de entrenamiento capaces de transformar el sonido en sonido — de un estado a otro. Por ejemplo, la herramienta RAVE (Realtime audio Variational autoEncoder) - desarrollado por IRCAM modelo diseñado para la síntesis de audio de alta calidad y ultra rápida en tiempo real, incluyendo tareas de generación, transformación de timbre y transferencia estilística del sonido. Ver y escuchar un ejemplo de la herramienta aquí TyT. No es solo el procesamiento del sonido, es decir, la traducción, donde el acto en sí la transformación se convierte en un gesto expresivo.

Este enfoque de creación de instrumentos de sonido restaura el interés en la grabación de campo y otras técnicas en la recopilación de material de audio, pero con un enfoque en la creación de paisajes sonoros de autor a través de la formación de modelos en un material único. La transformación que convierte la traducción es una forma de narración.

Las herramientas de IA controlan cada vez más dispositivos en vivo y analógicos: desde sintetizadores a instrumentos acústicos. Aquí surge el híbrido interacción, donde la IA actúa como coautor, intérprete y productor.

Él no simplemente sigue los parámetros, pero interpreta, ajusta y entrena a través de reinforcement learning (aprendizaje por refuerzo): método de aprendizaje automático, en el que el agente aprende a tomar decisiones interactuando con el entorno y recibiendo premios a las acciones exitosas), tratando de" gustar" al oyente.

Cada vez más los productos de audio funcionan según el principio de adaptación personal. Ejemplos como Endel y las listas de reproducción adaptativas de Spotify son solo el comienzo. La IA deja de ser herramienta en manos del usuario: se convierte en un medio que responde a incluso sin instrucciones directas.

Trabajando con la IA “Sueños de la máquina” presenta artefactos de algoritmos de redes neuronales entrenados para reproducir la experiencia del sueño humano.

También se desarrolla la idea de TRADUCIR los movimientos corporales en sonido — por ejemplo, a través de captura de gestos o señales bioeléctricas. En este sentido, la IA se convierte en mediador entre el cuerpo y el mundo sonoro, no reemplazando al hombre, sino expandiendo rango de su expresividad. El siguiente paso es el sonido no calibrado por me gusta, y por respuestas neurofisiológicas. Cuando los dispositivos como Neuralink (o interfaces cerebro-computadora menos radicales) comenzarán a transmitir emociones reaccionando directamente, el sonido se volverá no sólo interactivo, sino literalmente reflexivo. La música se adaptará al estado del cerebro en tiempo real, creando una verdadera soundosfera emocional.

Las herramientas de IA dejan de ser meras herramientas de creación, se convierten en los idiomas a través de los cuales nos comunicamos con la tecnología, nosotros mismos y entre nosotros. Sonido en 2025 no es un producto, sino un proceso. No una pista, sino un flujo. No es obra de compositor, sino encuentro entre el hombre y los sistemas de agentes. Y en esta reunión, no sólo la tecnología es importante, sino la ética, la atención y la intuición son todas las cosas que hacen que el arte viva.

Por Diana Castillo

Foto: Zhenya Potakh

AUTÉNTICA, EXPLOSIVA, RÍTMICA. ASÍ ES OLGA VLASOVA, LA DIRECTORA DE ORQUESTA QUE REVOLUCIONA EL MUNDO DE LA MÚSICA EN RUSIA.

Comenzó en la música desde muy pequeña bajo instrucción de una familia musical. Teniendo como referente cercano a su madre, directora de coro popular graduada de la Academia Gnesin, se enrumba hacia dicha especialidad. Sus aspiraciones, según narra en una entrevista realizada por MUSICAETERNA (2024), fue especialmente para el canto y la actuación. Sin embargo, la acertada visión de su madre la hizo postular a la Universidad Ippolitova- Ivanova para la especialidad de dirección de coro.

El canto, según comenta, nunca salió de ella, sobre todo el contemporáneo, lugar donde demuestra una natural comodidad de exploración e interpretación para la música de los compositores modernos. No negamos que ésta música es una complejidad aún, pero Olga Vlasova demuestra que se puede seguir haciendo performances novedosos en cuanto a la voz tal como afirma:

“Siempre tomo con interés los escritos de Charrino, Apergis, Schelsi, Ligeti, Xenakis. Aprecio sus composiciones por la amplitud de los rangos, la complejidad rítmica y los altos requisitos para la precisión de la ejecución. Creo que la música moderna necesita una especie de tutela escénica de un artista profesional que pueda transmitir su lenguaje difícil a los oyentes de la manera más convincente posible.”

Aparte del canto, su desempeño como actriz en la escena contemporánea le ha permitido ser participante activa de muchas performances y sus contribuciones en éste rubro, tal la obra “Ry/C” (2022) en el papel de Alexandrinka, “Moyri FM” (2022) en el festival Diaghilev, han demostrado no sólo su versatilidad para el Arte en general, sino una demostración elocuente con su esencia musical y lo que representa para el mundo.

Olga Vlasova, Teodor Currentzis, Alexey Sioumak y Andrei Samsonov

Teodor Currentzis y Musicaeterna

Su talento originó un encuentro con el director de orquesta greco-ruso Teodor Currentzis, o su boleto de felicidad como se comenta en la entrevista realizada por Musicaeterna: “Mi familiaridad personal con Teodor Currentzis comenzó en 2010, mientras trabajaba en el Réquiem; de Alexei Syumak: canté.” Luego, según la entrevista, llegó a una pasantía en el teatro de Ópera y ballet de Perm como maestra de coro y se convirtió en asistente de Teodor en la producción de la Ópera la Boda de Ana Sokolovich.-” (2016).

Desde ese momento su participación con el colectivo MUSICAETERNA se vuelve más frecuente y diríamos casi indispensable para la escena artística. Sus dotes de cantante, actriz y directora la convierten en una artista completa. “Elegir entre dirigir y cantar es muy difícil para mí. Ahora trabajo en el proyecto musicAeterna Dance; Mystery about IT; donde por cierto tuve experiencia profesional colectiva. En la obra, hago un papel en el que combino habilidades vocales, performativas, de actuación, de baile e incluso de dirección. También hay espacio para el sonido vocal experimental, que generalmente se define como; voz extrema; es decir, canto extremadamente alejado de la noción clásica de la voz.” (2024).

El festival Diaguilev realizado en Perm (2022), cuyo director artístico es Teodor Currentzis, forma parte, quizá, de una decisión ya no difícil sino necesaria para su arte. Es aquí donde quedamos sorprendidos por su nivel de versatilidad artística. Su performance en canto, actuación y dirección deja al descubierto a una Vlasova al natural, al desnudo y se puede ver a la música, al Arte hablando a través de ella. Conmovedor, sacro y magno, vamos a llamarlo así, la interpretación a la música de Georgi Sviridov (1915-1998), Poema para piano en las palabras de Sergei Yesenin (1977) y la versión de Alexey Sioumak (n. 1976) para solista, recitador y conjunto de cámara.

Festival de Diaghilev. Performance "Moira FM” (2022)"

En el mundo, muchas mujeres incursionan en la dirección de orquesta; sin embargo, no podemos dejar de lado, aún, la falta de visibilidad para este género, las presiones sociales, culturales y musicales impiden que se desarrollen con total libertad. ¿Qué sucede en el caso de Olga Vlasova? Para ella no existen los límites. Su personalidad en escena demuestra firmeza, seguridad, sensibilidad y elocuencia interpretativa. Un ejemplo para cualquier mujer que desee aspirar a ser directora.

Sus estudios activos con maestros destacados como Gennady Rozhdestvensky, Vladimir Yurovsky, Valery Polyansky, Vladimir Ponkin y Teodor Curretnzis (junto a su orquesta MUSICAETERNA) le han permitido solidificar su nivel interpretativo, humano y gestual al momento de dirigir. Mencionamos aquí grandes referentes del mundo de la dirección de orquesta y por si fuera poco la marcada personalidad de una mujer que puede hacer lo que quiera en la escena artística. Razón suficiente para darle tales adjetivos.

Foto: Zhenya Potakh

Invitada como directora en festivales como Clásica Nueva (2025) con la orquesta PRÁCTICA, Festival Diaghilev (2022), Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Moscú (2025) realizado en la gran sala del Conservatorio, Orquesta Sinfónica Académica Estatal de la República de Bashkortostan (2024) proyectos creativos como el “Programas de Conciertos con la participación de directoras, coreógrafos, músicos y solistas (2025) Estaciones Vivaldi”, el ensamble île thélème, claro está, su gran experiencia con la orquesta MUSICA ETERNA, le han dado una importancia necesaria dentro del país. Recientemente ha aparecido en el documental “Teodor Currentzis. Ya no hay tal (2025)”. Finalmente, laureada del Concurso de directores Dimitri Shostakovich (2025). Sin importar el género o las funciones que la sociedad espera de ella podemos definir generalmente a ésta gran directora como auténtica, explosiva, rítmica, gestual. Así es Olga Vlasova, la directora de orquesta que revoluciona el mundo de la música en Rusia y cuya participación se vuelve cada día más esperada por el público.

Por Maria Dimitriadis

• Art
• Manuel Gallegos
• Management

Boston, Argentina, Italia y finalmente España. Hoy Manuel demuestra un trabajo dedicado al Arte.

PorMaria Dimitriadis

A través de una videoconferencia desde Madrid, entablo una amena conversación con Manuel, nos saludamos, reímos y previo a dar inicio conversamos sobre la música, los animales, los teatros, entre otras cosas. Yo me sentía muy emocionada, aunque no lo parecía, de poder conversar con un joven tan profesional en éste rubro.

¿Cómo lograste esto? - El muy humilde responde sobre sus convicciones y sobre todo la determinación, punto clave de sus logros. Luego, yo con bastante interés en hacer algo por mi ciudad (Trujillo) le comento mis deseos de hacer performances aquí, pero no tenia el apoyo. El muy firme y decidido en la escritura me dijo: !CRÉALO TÚ!

Por el año 2022 vi una publicación de la Universidad Nacional de Música, refiriéndose sobre un joven destacado que había obtenido una importante maestría en la Accademia alla Scala de Milan y con esa intriga de saber quién es, le escribo.

Así comienza la historia de crear un espacio donde las Artes Escénicas puedan cobrar vida desde un hermoso lugar llamado Trujillo, y claro esta al mundo, un poco mas especifico, Rusia.

Manuel, del Conservatorio de Boston en la especialidad de canto, a la Universidad Católica de Argentina en dirección de orquesta. Luego la Accademia alla Scala de Milan y finalmente el Teatro Real.

Bueno sí, es un recorrido extenso si se puede decir, pero que me ha ayudado mucho en mi carrera profesional. Tu mencionas la escuela de canto en Boston luego la dirección de orquesta. Siempre quise explorar mas allá, no sólo quedarme con el canto, creo que eso es lo que todos deberían hacer, en mi opinión. La dirección por ejemplo, es un arma de doble filo, porque debes reunir requisitos no sólo de “marcar” sino de otras áreas como el lenguaje musical, armonía, contrapunto, etc.

A éste punto quiero llegar, como un muchacho de canto, puede desarrollar mas habilidades como la dirección por ejemplo. Es muy poco común, ver eso en estudiantes de canto, sobre todo aprender mas sobre lo que es la música y sus requerimientos.

Claro, creo que eso es lo demandante de la música, uno no sólo se forma en una especialidad sino también, es un músico. Ahí esta la diferencia. De igual forma es a gusto de quien decida formarse completamente.

Ahora eres un Art Management. Explícanos qué significa y a qué se dedica.

Un Art Management ve todo lo relacionado a presupuestos, te asesora sobre un proyecto, un concierto o a un artista que decide hacer carrera. Ve temas de produccion y post produccion. Muchos artistas creen que no se debe tener conocimiento de ello, pero la realidad es esta.

Te comento brevemente, cuando uno inicia a querer generar proyectos, siempre el presupuesto es el tema clave, que bien frena o hace que un proyecto avance o.. ¿Me equivoco?

Por supuesto, hay que cotizar realidades, un teatro no trabaja igual que cuando sales hacer un recital, por ejemplo. He visto muchos músicos salir a querer hacer carrera, pero se topan con realidades y variantes que no entienden a pesar de su talento. Los instrumentistas o tomemos a los cantantes, la ópera que es lo mas cercano a mi, muchos hacen audiciones y no quedan seleccionados, eligen a otros más jóvenes o con cierta técnica. Aquí viene el punto, el de la intervención de los mecenas o empresas privadas, en pocas palabras, los que sostienen un teatro. Un teatro se sustenta por mecenas y son ellos los que en cierta manera mandan, esto no lo sabe un cantante. Si habláramos ahora sobre un teatro y sólo el área de selección artística no terminaríamos nunca.

“Debemos aprender a conservar y exponer nuestro material al mundo. Decirles que somos ricos en producciones de índole escénico y musical. “

Me imagino, yo por ejemplo llegué a un punto en el que el asesoramiento de presupuesto es necesario, no sé por donde empezar...

Tú lo has dicho, hay desconocimiento. Debería existir un curso, mínimo, de presupuesto artístico o al menos algo similar a ello. Hoy en día es una necesidad, resolvería muchas dudas del joven aspirante. No es salir y decir: ¡Tengo talento! Tendría que ser un genio, digámoslo así. Pero ésta es nuestra realidad y tenemos que saber movernos.

El tema del público, es un factor indispensable en mi opinión, ¿Cómo generamos audiencia? Te pregunto esto porque he visto que el Perú esta aún socialmente cerrado a muestras escénicas o performances contemporáneos. El material de los compositores de este tiempo..., y mas sobre la llamada música nueva, hay ya una necesidad de generar público para esta música o se trata sólo de concientización para con el Arte.

El público si es un factor importante, es otro de los muchos factores que influyen en el éxito de un proyecto. Es cierto, el Perú está retrasado en estas muestras, si nombráramos a los teatros mas importantes del país, creo que no hay muchos, pero menciono: El Gran Teatro Nacional o el Municipal. Para ellos lo clásico siempre vende, pero lo contemporáneo aún no. Entonces, debemos evaluar cuáles son los factores que impiden el apoyo y support a los artistas actuales para con su arte, porque sin este conocimiento estamos relegándolos a no ser atendidos y por consiguiente menos público o en todo caso, no existe.

¿Cómo decidiste especializarte definitivamente en éste rubro y qué te motivo a ser el profesional tan grande que eres? Porque para mi, lo eres.

Gracias por pensar eso. Bueno, me interesaba de sobremanera todo lo que engloba la producción de una ópera, creo que ese acercamiento me lo dieron todas las áreas que estudié previo a las Artes Escénicas. Aprendí mucho más en esta área. Postulé a la Accademia alla Scala de Milan para la maestría de Art Management. Esto me permitió conocer mucho más el camino que hará un artista sobre todo el cantante, mi deber es darle a conocer el mercado, el presupuesto que necesita, etc. Esto es lo que falta cuando salen a buscar trabajo en ópera, por ejemplo. Mucho se habla que sólo deben tener un pianista acompañante desde sus inicios para ensayos, pero en si lo que siempre recomiendo: Es un repertorista. No saben cuan importante es esto, muchas veces este ayuda más que el maestro. Es todo un staff que deben tener y para esto esta mi asesoría, ver todo lo que demanda este campo, que también es muy bello. El mundo de un teatro es megadiverso, si puedo llamarlo, desde las cabezas grandes hasta los artistas, suena duro decir esto, pero es así. La realidad debe decirse cuando se va hacer carrera.

Te veo, y veo que el Perú se esta perdiendo un talento grande para los teatros, porque en mi gran y honesta opinión tienes todo para poder liderar un equipo y hacer surgir un teatro en nuestro país.

Creo que el talento existe, ese es un tema indiscutible. Lo que sucede como bien lo dices es quiza el liderazgo de personas capacitadas para esto. Sobretodo y vuelvo a decir, la oportunidad de darles, a los artistas peruanos, vitrina en la producciones. Y para esto se necesita conocimiento de qué es eso extra para seguir creciendo.

Esta primera edición es dedicada a Igor Stravinsky, compositor ruso que quebró muchas reglas musicales y sobre todo dejó nuevos lenguajes rítmicos y sonoros para la música. Recuerdo mucho ésta frase del libro IGOR STRAVINSKY por Andre Boucourechliev, donde el autor se refiere a él como un hombre sin precedente, que “su herencia no esta precedida de ningún testamento”. Y es cierto, la música-coreográfica por ejemplo, innovadora y hasta ahora expuesta por grandes compañías.

Yo siempre digo, Stravinky es un huracán en el campo de las Artes Escenicas, y la razón por qué arrasó y arrasa con todo a su paso. Imagínate entrar en el mundo del ballet, eso es inusual, más cuando se ingresa de la manera que el lo hizo, contra toda sociedad de aquel entonces y mostrando lo que es el folklore ruso con paganismo, según lo vieron.

Nosotros como país también somos ricos en Artes Escénicas, más de 400 obras músico-coreográficas, entre óperas y representaciones cortas. Hace poco me obsesioné con Theodoro Valcárcel y su ballet Suray Surita, tal fue mi obsesión que quise recuperar sus bocetos o manuscritos sobre el ballet, que sí tuvo estreno, pero que lamentablemente no se ha podido averiguar más. Sin embargo, todo ese material lo tiene Francia, a quienes llamé para pedirles todo su trabajo, pero la respuesta fue, no. Guardan como joya ese material.

Me imagino, en ese tiempo muchos de nuestros compositores nacionales tuvieron sus amistades con Francia, Debussy por ejemplo. Pero qué importante eso que mencionas sobre ese extenso trabajo que nos corresponde, y digo “nos”, porque aunque esté lejos, soy peruano y es mi deber decirlo: Debemos aprender a conservar y exponer nuestro material al mundo. Decirles que somos ricos en producciones de índole escénico y musical. Créeme que esos proyectos faltan pero mas tiene que ver el equipo que lidera eso.

En mi amistad con Rusia pude descubrir algunos trabajos peruanos que estan registrados en la biblioteca de San Petersburgo, un hermano ruso hizo una representación del Inca y su pueblo en una ópera, una maravilla. Es mas, el gran maestro Nikolai Slominsky, en un acertado comentario musical, dijo sobre nuestro Theodoro Valcarcel que el Perú, tiene a su propio Stravinsky y ese es el gran Theodoro Valcarcel. Me conmoví mucho que el maestro Slominsky se refiera con tanto respeto sobre nuestro nacional, especificando el tema de sus danzas en los ballets y los motivos sonoros y rítmicos que introdujo en sus obras, inspirándolo a crear una breve danza Kachampa en homenaje al Perú. ¿Qué opinas sobre esto?

¡Qué maravilla! Es cierto, todos estos proyectos tuvieron tanto valor en el pasado, quizá ahora haga falta un cambio para volverlos ha mostrar. El trabajo detrás de ésta muestra es lo que engloba la producción y marketing, por así decirlo, de nuestro material musical. Tenemos que innovar y corresponderle a la actualidad como entrelazamos esos puntos para generar audiencia y muestra de nuestros artistas, es un trabajo muy grande pero comenzando con la idea se tienen grandes resultados.

Querido Manuel ha sigo un placer conversar contigo y espero podamos llegar a trabajar juntos, tengo planes y tú eres uno de los que puede llegar hacer que el país repotencie musicalmente en la rama académica. Lo último que quieras decir. Un consejo a nuestros lectores que se dedican a la música o mejor aún a las Artes en general.

Si quieren avanzar deben saber cuál es la realidad y buscar estrategias para lograrlo, los pasos, los objetivos. El talento no puede ser ajeno a las estrategias musicales ni personales para lograr algo. La música es exigente, el arte lo es, pero tenemos que saber que más hay por detrás de nuestras exposiciones en escena. Eso es lo que he aprendido.

1 Fernando Fernández Muñoz www.fernandofernandezff.zonalibre.org [email protected]

4 Manuel Gallegos www.manuelgallegos.org [email protected] +34 600 276 166 Madrid - España

2 Roman Ivanovich Ruditsa www.ruditsa.ru Andrey Bayadzhan, representante de Roman Ruditsa: [email protected]

5 Olga Vlasova www.operabase.com [email protected] +79175666834 [email protected]

3 Alexander Serechenko y Katya Priyanik www.graycake.com +79160636213 [email protected]

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