En Tijuana Hay Rock Revista - Edicion 119

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EN TIJUANA HAY ROCK REVISTA es una publicación electrónica gratuita e independiente, especializada en información, noticias y reseñas de la cultura musical y urbana fronteriza. Es una publicación de AudioTijuana TJ Superestación Multimedia. / EDITOR: José Angel Rincón Rodríguez.

/EN TIJUANA HAY ROCK

BIENVENIDOS

Esta edición de verano podemos decir que fue darle un giro a lo que estábamos haciendo, integrando tres portadas que muestran tres realidades distintas de la música internacional, y eso es importante: que no todo se vaya hacia un lado o hacia un molde, sino presentar lo que hay en todas partes. Desde una banda legendaria que sigue haciendo historia en la escena del ska, uno de los artistas internacionales más consolidados en la escena del rap que sigue haciendo historia, y la inclusión de un artista tijuanense experimentado que finalmente ve los frutos de su trabajo en la escena.

Seguimos en nuestra línea, y es importante señalar que seguimos explorando mucho más dentro de la escena local con el proyecto en general, por lo que tenemos mucho que ofrecer y seguiremos explorando dentro de la escena fronteriza, siempre con el enfoque de buscar a quienes rompen esquemas, proponen y abren puertas a innumerables posibilidades creativas, algo que nosotros siempre defenderemos en esta publicación, que ya va por su aniversario 18, con todo y pausas, aquí sigue.

EXPLANADA ESTADIO CALIENTE 24 OCT

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FIARA DREAM

Desde San

Diego, California, Fiara Dream ha convertido la crudeza de la vida entre fronteras en su mayor fortaleza. Su nuevo sencillo Payday (Radio Edit) es una versión más corta y directa del tema original de su disco The Grand Trines, producido y compuesto íntegramente por ella. La canción nace de un momento de estrés y cambios personales, con la política y la vida entre dos culturas como telón de fondo. Fiara quería reflejar esa dualidad de vivir hoy en día: empezar con una energía bailable y poco a poco transformarse en un llamado a la realidad, un "despierta" que habla de las injusticias del trabajo y de esa mentalidad de "hay que vivir al día" tan presente en las mamás latinas. Con una mezcla de dark-pop y la energía cruda del punk, la canción sorprende al oyente, llevándolo de la fiesta a la reflexión sin previo aviso.

Su enfoque creativo ha evolucionado hacia la incorporación de la energía punk como un complemento natural a su sonido. "...Sigo haciendo dark-pop, pero me di cuenta de que el punk me queda perfecto: es un género honesto y directo, como siempre han sido mis letras...", explica. La reacción del público en vivo ha sido reveladora: la gente baila, pero cuando llega el cambio de tono, se queda congelada escuchando.

E"...Sentirse incómodo es bueno para fluir y crece,,,r", reflexiona. Para Fiara, la libertad creativa lo es todo, y su mejor trabajo surge cuando tiene total flexibilidad para seguir sus impulsos. Lo que antes algunos veían como una personalidad difícil, hoy es su mayor fuerza y autenticidad. Su música conecta especialmente con la comunidad mexicana y latina, que la ha apoyado con todo, y también espera llegar a su herencia coreana, aunque allí la escena alternativa siga siendo underground y tabú.

Fiara Dream identifica en el internet uno de los mayores desafíos para los músicos independientes. "...La trampa de tener que ser creadores de contenido todo el tiempo hace que muchos artistas pierdan su propósito...", advierte. Critica que la industria y los managers se fijen solo en números, dejando de lado el talento real. Su mensaje final es claro: espera que al escucharla, la gente sienta algo real y viva una experiencia íntima a través de sus palabras. ",,,Que conectemos a través de la música es el mejor regalo para ustedes y para mí...", concluye. Con Payday (Radio Edit), Fiara Dream demuestra que la autenticidad, la rebeldía y la conciencia social pueden convivir en la pista de baile, y que el dark-pop también puede ser un grito de conciencia.

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LINEUP POR ORDEN ALFABеTICO

ALDO LADO A BAD MICHIS BARDOS BATOPILAS DE ETNIA ENSERES ESPÍAS MEXICANOS FERZY GRAND BANTAM GLAMOUR BRAVO HUMAN LEMONADE LE VACANCES LA TROPA INCONTROLABLE SULTAN PAN DE MUERTO⚫ TULENGUA

• CERVEZA
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• RITMO Y CERVEZA
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• BUENA ONDA
• INSURGENTE

Hay crudeza, hay vulnerabilidad y hay una búsqueda constante de sentido en medio del caos cotidiano. Por eso, lo que escuchas es real, palpable, y se queda contigo mucho después de que la canción termina.

NASMAR

Násmar es un solista tijuanense que apuesta por el riesgo y sus ideas. Alejándose un poco de lo atmosférico de Entre Desiertos, ha logrado construir una identidad con la que conecta de inmediato con quien lo escucha. Canciones como La Puta Vida, Morir un Día Más y Feliz Cumpleaños llevan su sello distintivo: letras directas, instrumentación personal y una honestidad que desarma. Násmar no se esconde detrás de metáforas ni pretende ser lo que no es; se muestra tal cual, con todas sus aristas. Su sonido bebe del indie-pop, pero introduce matices que crean narrativas envolventes y, al mismo tiempo, directas sobre la vida en la frontera y su propia experiencia personal.

Cada canción se presenta como una radiografía, pero con una vibra que pocos artistas logran. Más que un cantautor, Násmar es un fotógrafo de la vida, de sí mismo: se observa, se reflexiona y se reconstruye a través de sus letras. Sus canciones no son ficción; son trozos de realidad, momentos capturados en acordes y versos que resuenan con quien ha vivido algo similar. No hay artificio ni poses.

Násmar observa y reflexiona, y luego regresa a quien lo escuche con lo más honesto de sí mismo. No necesita grandes producciones ni discursos vacíos para conectar; le basta con ser fiel a su visión y a su entorno. En una ciudad donde el talento a veces se diluye entre tanta oferta, Násmar se destaca por su autenticidad y su capacidad para transformar lo cotidiano en arte. Por eso, es uno de esos talentos a seguir en Tijuana: un artista que no solo canta, sino que documenta la vida desde su trinchera, y lo hace con una voz que merece ser escuchada.

• FANT
• ARROYO SECODEL
• PRESENTAN
• (LA/SEATTLE)
• ACID TONGUE
• LIVE IN TIJUANA, MÉXICO
• WITH GUESTS
• M.ATD.
• Miranda And The Beat
• 25 DE AGOSTO @MOUS TACHE
• (NEW ORLEANS
• 7 PM
• DONACIÓN SUGERIDA $100 PESOS
• D. SABLU
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AV. FRANCISCO I. MADERO 1250, ZONA CENTRO, 2000, TIJUANA, B.C.

ALERTA FRONTERA

Serendipia se abre paso en la vibrante escena reggae de Tijuana con una propuesta que fusiona los ritmos cadenciosos del Caribe con la psicodelia, creando un sonido único que ha logrado sorprender a propios y extraños en su aún joven trayectoria.

GADA

Gada forma parte de la escena local con varios proyectos, pero como solista ha emprendido un camino en donde da rienda suelta a historias que tocan, conmueven e inspiran. Su primer EP, Nota de Voz 11, muestra 4 canciones que nos hacen viajar al escucharlas. Gada se establece como otra voz que logra ir hilvanando un camino creativo interesante dentro del sonido fronterizo.

ORANJE ATTACK!

Oranje Attack! es una banda joven que ha encontrado en el stoner/psicodélico su territorio sonoro. Su música evoca imágenes alucinantes, con una crudeza y explosividad que transporta directamente al desierto. Su manifiesto lo dice todo: "...Música para asesinar al sol. Visiones abrasivas nacidas del desierto y la revelación...". Es un sonido crudo y alucinante.

WEST WOLF

West Wolf es una banda joven que ya ha recorrido el camino suficiente para convertir sus ideas en canciones con peso y dirección. Su sonido es rock con garra: furia, verdades y una mirada cruda a la realidad cotidiana. En sus letras, lanzan dardos envenenados con narrativas incisivas que no dejan indiferente a nadie. No es solo rock: es un llamado a cuestionarlo todo y a pensar distinto.

• +RUIDO
• Festival
• De AGOSTO

BARRA BRAVA BAD BRUNO MUTANT BEANS RENKORBOO! NUESTROS MUERTOS FALLIDOS HIPOGRIFOS CAPITÁN MUTANTE

ROCA LUNAR MILFSX VAGINAS SUICIDAS

PERTURBA

PERTURBA es una banda tijuanense que forma parte de la nueva generación de bandas de heavy metal en la ciudad. Su sonido se mueve por los rubros del power metal, lleno de guitarras pesadas, técnica y agresividad. Pero lo que realmente los distingue no es solo la contundencia de su música, sino la capacidad de convertir el estruendo en algo más: canciones que no solo suenan, sino que cuentan historias. Temas como "Tote" y "Barba Negra" muestran su habilidad para ir más allá del sonido pesado, construyendo narrativas que conectan con quien las escucha, sin perder nunca la esencia de su estilo.

En el escenario, PERTURBA se distingue por lo explosivo. Solos potentes, una sección rítmica implacable y una energía que no da tregua hacen de sus presentaciones una experiencia que va más allá de lo musical: es un encuentro con la fuerza del metal hecho desde la frontera.

No buscan solo impresionar con técnica, sino lograr que cada canción sea un viaje. Su sonido, aunque trabajado y con capas, mantiene una crudeza que recuerda a las bandas clásicas del género, pero con una frescura que los conecta con el presente y con una escena local que cada vez los reconoce más.

Con una trayectoria que los ha llevado a PERTURBA diversos escenarios, se está estableciendo como una banda a seguir, junto con otras de su generación, distinguiéndose por crear música original y poderosa. No se limitan a repetir fórmulas: construyen su propio camino, con canciones que son tanto estruendo como sustancia. En una ciudad donde el metal sigue encontrando su espacio, PERTURBA demuestra que el heavy metal puede ser tan reflexivo como agresivo, y que las historias también pueden contarse con guitarras afiladas y baterías atronadoras.

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Yorba, proyecto musical desde Tijuana, Baja California, presenta su más reciente sencillo "Si vas a amar", una canción que es un mensaje a la entrega, a arriesgarlo todo nuevamente después de una ruptura o desamor. Es una invitación a amar sin límites y a dejar atrás el miedo que nos limita a entregarnos nuevamente al amor. La canción nace desde la experiencia personal, pero busca ser un eco para quienes han sentido que el amor duele y, aun así, deciden volver a intentarlo. Para Yorba, este sencillo es parte de un camino donde las canciones van tomando rumbos inesperados, con la participación de músicos de sesión internacionales y sesiones creativas que visten los temas de formas que antes solo existían en su imaginación.

Su enfoque creativo ha evolucionado hacia la paciencia y la constancia. Lejos de la ansiedad por los resultados, Yorba camina con pasos firmes, entendiendo que sus proyectos anteriores fueron la semilla de lo que ahora está floreciendo. "Creo que paso a pasito vamos dándole a los temas lo que se merecen", comparte, y esa filosofía se refleja en un proceso donde la relajación creativa y la ejecución sin prisa son clave. Para él, conectar con una audiencia no se trata de buscar fama, sino de encontrar un rumbo musical honesto y constante. "La fama no es lo mismo que la obra en sí", afirma, y defiende que el arte requiere templanza, creatividad y la capacidad de compartir desde el amor, no desde el ego.

YORBA

EN PORTADA

-TSobre la libertad creativa, Yorba es claro: el artista no debe pensar primero en la parte comercial de su arte, porque entonces la intención se pierde y la obra termina siendo poco auténtica. "El arte es el presente, enfoque y sentirlo; es la imaginación y emoción. Nada tiene que entrar ahí cuestiones monetarias O comerciales; eso es una consecuencia que viene con la calidad de la obra", reflexiona. Esta postura no ignora que el arte tiene connotaciones comerciales, sino que coloca la creación por encima de la mercantilización, confiando en que una obra auténtica encontrará su camino.

Entre los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, Yorba identifica dos: primero, hacer música por amor al arte, sin importar reflectores ni aplausos, disfrutando los procesos creativos y las conexiones con otros creativos. Segundo, formar alianzas con otros artistas independientes, festivales y foros, sin caer en los vicios de las grandes industrias que siempre ponen a los mismos en los escenarios. "La música independiente es nueva música, nuevas propuestas, nuevas corrientes que buscan fluir con la historia de cada país", sostiene. Para él, la unión y la fuerza no son para derrocar a las grandes corporaciones, sino para amplificar la voz de la buena música que el algoritmo esconde.

El mensaje final de Yorba es un agradecimiento y una invitación: toda su música son historias de vida reales, momentos que han ido definiendo su existencia. "Cuando me escriben que han conectado con alguna canción, siento algo muy especial en mi corazón", confiesa. Por eso invita a escuchar sus canciones con atención, sabiendo que cada una es honesta y nace desde lo más profundo. Con "Si vas a amar", Yorba no solo ofrece una canción, sino un recordatorio de que el amor, como el arte, merece ser vivido sin miedo.

El rap en Iberoamérica es una constante lucha por validar lo auténtico, y Trueno (Mateo Palacios Corvalán) es la prueba viviente de que esa autenticidad puede conquistar el mundo sin perder sus raíces. Para entender su dimensión artística no basta con sumar reproducciones o repasar fragmentos virales de sus batallas de freestyle. Trueno no es un fenómeno espontáneo moldeado por el algoritmo, sino la síntesis viva de casi cuatro décadas de cultura urbana en español. Hijo de Pedro Palacios (Peligro), referente histórico del rap callejero bonaerense, creció en el barrio de La Boca respirando hip-hop desde la cuna, heredando la ética del esfuerzo, el respeto por el micrófono y los códigos de barrio. No es una pose comercial; es la segunda generación natural del rap en español, esa estirpe que tomó el testigo de los pioneros para proyectar el género hacia una vanguardia global sin perder la raíz.

La década de 2010 reconfiguró el panorama urbano a través de las batallas de gallos, y Trueno no solo dominó esa era al consagrarse campeón de Red Bull Batalla y FMS Argentina en 2019, sino que logró el paso más difícil: trascender el formato de competición para construir una discografía con sustancia. Con Atrevido (2020) y BIEN O MAL (2022), recuperó la tradición de agrupaciones históricas como Control Machete, Tiro de Gracia u Orishas, comprendiendo que para que el rap iberoamericano tenga voz propia frente a la hegemonía anglosajona debe sonar a sus propias tierras. Al fusionar el boom bap clásico con folclore, guitarras criollas y ritmos autóctonos, convirtió la protesta en una proclama de identidad latinoamericana. El Último Baile lo llevó a explorar el West Coast, el funk de los noventa y el Miami bass, deconstruyéndolos con una frescura rioplatense que lo instaló en los principales escenarios internacionales.

Su cuarto álbum, TURRAZO, lanzado el 24 de abril de 2026, es el proyecto más ambicioso de su carrera: una obra que ancla las raíces musicales argentinas en el epicentro del hip-hop global. El álbum debutó en el puesto #4 del Top Global Albums Debut de Spotify, supera los 150 millones de reproducciones y ya figura en las listas de los mejores álbumes del año de Billboard, Rolling Stone y NPR. El sencillo X UNAS LLANTAS, producido junto a Tatool y El Guincho, abre el álbum con una chacarera distorsionada que traslada al oyente a los barrios argentinos, narrando una historia de ambición donde los zapatos deportivos se convierten en símbolo de estatus e identidad. La fusión de hip-hop con ritmos tropicales y ese mambo tan dominicano como cordobés (variante del cuarteto) logra una conexión generacional que reivindica el merengue house de los noventa para toda una nueva generación. Turr4zo, el tema que da nombre al disco, reinterpreta la jerga, el ritmo y la actitud de la cultura de barrio y la traslada a un diseño de sonido pulido e internacional, demostrando que estar en la vanguardia no exige olvidar el punto de partida.

El ascenso de Trueno ha sido respaldado por la crítica internacional: NPR lo calificó como "el rapero más impresionante que ha salido de Latinoamérica", mientras que Hypebeast destacó cómo se abre paso entre la élite global del hip-hop. Su debut en The Tonight Show with Jimmy Fallon marcó su llegada a la televisión estadounidense, y su participación como acto de apertura de Gorillaz en el Reino Unido dejó boquiabiertos a miles de espectadores, consolidando una relación que comenzó en 2022 en el Quilmes Rock de Buenos Aires, cuando Damon Albarn lo invitó a interpretar Clint Eastwood. Además, colaboró con Gorillaz en el tema The Manifesto para el álbum The Mountain. Trueno también completó un círculo al ser jurado oficial de la Final Internacional de Red Bull Batalla en Santiago de Chile, la misma competencia que ganó en 2019. Sumó siete nominaciones a los Premios Gardel, protagonizó portadas de GQ México y Billboard Argentina, y su gira mundial TURRAZO World Tour ya pasó por Londres y se dirige a Tokio (Fuji Rock), Nueva York (LAMC SummerStage), Latinoamérica y Europa, con presentaciones confirmadas en Ecuador, Perú, Chile, España, Guatemala, Costa Rica, Venezuela, El Salvador, México y Argentina.

Trueno no ha cambiado de discurso; simplemente ha logrado que el altavoz de su barrio suene más fuerte que nunca. Turr4zo es la prueba de que la identidad local, cuando es auténtica, puede resonar con fuerza en cualquier parte del planeta. El ascenso y constante metamorfosis de este dos veces ganador del Latin GRAMMY confirman que el rap en español ha alcanzado la madurez, conectando el pasado de los pioneros, la energía competitiva de las plazas y un presente donde Iberoamérica se posiciona a la cabeza de la música urbana internacional. Con TURR4ZO, Trueno no solo reivindica su herencia, sino que redefine el sonido del hip-hop en español contemporáneo, llevando el latido de todo un barrio -de La Boca al mundo en cada verso.

RUENO

En 1996, la radio fue tomada por asalto por un cover de Come On Eileen de Dexys Midnight Runners: enérgico, alegre y melódico, interpretado por una banda californiana llamada Save Ferris. Fue una explosiva carta de presentación que introdujo al universo la voz y presencia de Monique Powell, el hilo conductor de la historia del grupo, que desde el inicio destacó con la misma fuerza que sus contemporáneos. Con una estética visual elegante y un sonido más tradicional dentro del ska-punk de los 90, la banda se embarcó en giras, festivales y prácticamente conquistó el mundo, convirtiéndose en una influencia clave para la siguiente generación de artistas, con conciertos que se volvieron legendarios por su energía y carisma.

Formada en 1995 en Orange County, California, Save Ferris emergió rápidamente como una de las bandas más representativas del movimiento third-wave ska de los años 90. Su álbum debut de estudio, It Means Everything, lanzado bajo Epic Records, alcanzó el estatus de disco de platino, consolidando la carrera de su carismática vocalista. El disco es mundialmente reconocido por su fusión de ska, punk y pop, destacando especialmente su versión de Come On Eileen, que se convirtió en un éxito duradero en las listas de Billboard y las radios alternativas. Producido por Peter Collins (conocido por su trabajo con Rush, Queensrÿche y The Cardigans), el álbum logró el equilibrio perfecto entre la potencia en vivo de la banda y un acabado de producción brillante y radiofónico, con temas como The World Is New" (inmortalizado en la banda sonora de 10 Things I Hate About You) y Superspy, que coqueteaba con el swing revival que también florecía en California a finales de los 90.

Para conmemorar el 30.º aniversario de este material emblemático, la banda ha emprendido una extensa gira por Norteamérica en 2026, recorriendo diversas ciudades de Estados Unidos y Canadá. Por primera vez en sus tres décadas de historia, Save Ferris interpreta el álbum Means Everything en su totalidad de principio a fin en conciertos selectos, incluyendo presentaciones especiales en el Vans Warped Tour en Long Beach. Según Powell, esta celebración es especialmente significativa debido a la conexión intergeneracional que ha permitido que una nueva ola de seguidores descubra y abrace el disco con el mismo entusiasmo que el público original. Además de los conciertos, el aniversario incluye el esperado lanzamiento por primera vez en vinilo de It Means Everything, editado en múltiples variantes de color y ediciones limitadas a través de Parting Gift Records. Con más de 400,000 copias vendidas desde su lanzamiento original y sencillos que han resonado internacionalmente, S

CASAVE

FERRIS

El contexto histórico de la Tercera Ola del ska es clave para entender el fenómeno. Desde la Primera Ola en Jamaica (The Skatalites, Prince Buster) hasta la Segunda Ola / 2-Tone en el Reino Unido (The Specials, Madness), el género cruzó el Atlántico hacia Estados Unidos en los 90. En el sur de California, el ska se despojó de la solemnidad británica y se fusionó con la energía del pop-punk y el skate, con el Condado de Orange como epicentro. Save Ferris emergió de esa misma escena local que vio nacer a Reel Big Fish, No Doubt y The Aquabats, pero con un elemento diferenciador: su carismática vocalista Monique Powell, quien con formación operística, un registro vocal potente y una presencia escénica magnética, se posicionó junto a Gwen Stefani como una de las pocas mujeres al frente de la ola ska-punk noventera. Como ella misma lo expresó: "...Nosotros solo queríamos tocar en fiestas de patio y salones comunitarios. Nunca imaginamos que terminaríamos compartiendo escenario con las bandas que escuchábamos en la radio...".

El impacto cultural de It Means Everything y la Tercera Ola perdura por varias razones. El ska mantuvo una ética DIY (Do It Yourself) heredada del punk, y los conciertos siguieron siendo espacios inclusivos donde el baile (skanking) y la camaradería prevalecieron sobre la actitud defensiva del rock convencional. El sonido de Save Ferris sentó las bases para lo que hoy se conoce como la "Cuarta Ola" o el renacimiento contemporáneo del ska, representado por agrupaciones como The Interrupters, Operation, JER y We Are The Union. Aunque el éxito comercial masivo del ska disminuyó a finales de los 90, la comunidad construida alrededor del género nunca desapareció. Con su gira de aniversario y el lanzamiento en vinilo, Save Ferris no solo celebra su pasado, sino que reafirma que el ska-punk, el baile y la alegría desafiante siguen siendo tan necesarios ahora como hace tres décadas.

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ROCKALENDARIO

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UN PROGRAMA DE ROCK NO ROLL UNDERGROUND

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PIRATE

Radio Pirata, una estación de Música Alernativa Mexicana por Cuadrante Local cuadrante

\LOCAL cuadrantelocal.com

• 102.5 FM TIJUANA INICIA LA RUTA
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• INSTITUTO MEXICANO DE LA RADIO

OLIVIA HAPPYLAND

Desde Madrid, Olivia de Happyland resume su razón de hacer música con una frase que lo dice todo: "...Hago música para no morir. Siempre ha sido así...". No hay artificio ni pose en sus palabras, solo la urgencia de quien ha encontrado en la creación una forma de mantenerse viva. Su enfoque creativo ha evolucionado hacia la producción propia, confiando en que lo mejor para sus canciones son sus propios vestidos: una metáfora que habla de autonomía, de no delegar lo esencial, de vestir sus temas con la intimidad que solo quien los concibe puede darles. Esa decisión no es solo técnica, es una declaración de principios: su música es suya desde la primera nota hasta la última mezcla, y eso se nota en cada acorde.

Olivia tiene una ilusión especial por conectar con el público mexicano. "...Siento algo especial por este país...", confiesa, y esa energía se traduce en una expectativa que va más allá de los números: es el deseo de encontrar un eco en tierras que le resultan cercanas, aunque estén al otro lado del océano.

Su relación con la libertad creativa es clara y sin concesiones: prefiere la libertad antes que cualquier limitación comercial, porque no podría defender un producto que no saliera de su esencia. No es una postura romántica, es una necesidad. Su música no es un producto, es una extensión de sí misma, y defenderla implica defender su forma de estar en el mundo.

Olivia identifica en las redes sociales el arma de doble filo de los músicos independientes: todos tienen un altavoz, pero el mar es gigantesco, y la presión de ser creador de contenido constante puede desviar el foco de lo que realmente importa. Aun así, su mensaje para quienes la siguen es un abrazo para quienes se sienten fuera de lugar: "...Si sientes que no encajas en ninguna parte, este es tu sitio....". Con esa frase, Olivia de Happyland no solo ofrece música, sino un territorio donde la diferencia no es un defecto, sino una bandera. Su arte es un refugio, y quienes lo habitan saben que ahí siempre hay un lugar para los que no encajan.

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((( JAGA )))

Desde Mexicali, ((( JAGA ))) presenta un álbum que Disfruta cada etapa desde una perspectiva orgánica y genuina. No compite con los tiempos del mercado; simplemente hace lo que le gusta y lo comparte desde la honestidad. Esa decisión no es una postura, sino una forma de habitar la música: sin prisa, sin artificios, con la confianza de que lo auténtico siempre encuentra su camino.

es el resultado de un proceso creativo de varios años, donde las vivencias personales fueron marcando el rumbo de su experiencia artística. Lo que comenzó como composiciones acústicas con guitarra y voz, pensadas para grabarse con banda completa, dio un giro inesperado después de 2022. En lugar de seguir la ruta convencional, decidió convertir el proyecto en una preproducción acústica Con este disco, ((( JAGA ))) desea que su música grabada en estudio, con la intención de rescatar sus raíces como compositor y artista. Así nació un disco conceptual inspirado en la radio y los géneros que descubrió en su etapa inicial como músico y cantante. No es un álbum que busque impresionar con producción, sino con la verdad de su origen.

Su enfoque creativo ha evolucionado de manera contundente en el sentido artístico, dejando de lado la presión comercial. "...Descubrí que yo voy trazando mi ritmo y mi tiempo...", explica. Aunque la industria musical actual exige una producción constante de contenido, él se mantiene firme en su proceso.

LOVE TO llegue a quienes necesitan escucharla para inspirarse de manera positiva. Valora la independencia artística como un regalo que le permite verse reflejado en el espejo sin filtros, vistiéndose primero para sí mismo antes que para los demás. Entre los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, identifica la necesidad de tener una visión clara de quién se es, de dónde se viene y hacia dónde se va. "Sembrar algo que realmente va a dar fruto cuando disfrutas el proceso y sabes que todo lo demás se da por añadidura cuando lo haces de corazón y con amor." Su mensaje final es una invitación: "Disfruten la vida intensamente de manera positiva." Con este álbum, ((( JAGA ))) no solo entrega canciones, sino un recordatorio de que la música también puede ser un refugio para quienes buscan sentido en medio del ruido.

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El punto de partida creativo para Airport Departure Lounge surgió de la necesidad de dar sentido al extraño paisaje psicológico que atraviesa nuestra época: noticias 24 horas, realidades filtradas por algoritmos, desinformación y el resurgimiento de movimientos autoritarios. La imagen que persistía era la de una sala de espera de aeropuerto, donde dos personas pueden estar sentadas una al lado de la otra, con los mismos boletos de abordaje para el La esperanza de Andy Jans-Brown es simplemente que el álbum encuentre a las personas que lo necesitan. No busca escribir canciones que digan a la gente qué pensar, sino hacer preguntas honestas y explorar ideas que muchos están abordando, aunque no siempre tengan las palabras para hacerlo. "Si esas canciones ayudan a alguien a sentirse un poco menos solo, o a mirar el mundo con más curiosidad que miedo, entonces habré hecho mi mismo vuelo, y sin embargo tener experiencias trabajo", explica. Creció en una era extraordinaria de completamente diferentes. Una está aterrada, convencida de que va a morir; la otra no puede esperar a despegar, emocionada por la aventura que la música popular, donde compositores como John Lennon, Bruce Springsteen, David Bowie, Bob Dylan, le espera. Nada externo ha cambiado, solo aquello Leonard Cohen, Joni Mitchell y Jim Morrison le hacia donde dirigen la mirada. Esa metáfora se convirtió en el eje del álbum, abriendo una reflexión sobre todos los umbrales que cruzamos en la vida: el espacio entre la infancia y la adultez, la inocencia y la experiencia, la certeza y la incertidumbre. Esa zona liminal, con un pie en lo que fue y el otro en lo que podría ser, es donde habitan estas canciones.

Este álbum representa un proceso creativo opuesto a su trabajo anterior. Falling, su disco previo, llegó como un torrente de ideas tras un largo periodo de bloqueo creativo, y solo al final descubrió que todas las canciones exploraban la idea de "caer" de alguna manera. Con Airport Departure Lounge, el título llegó primero, junto con la metáfora central. Desde el principio, supo que quería explorar qué se siente al vivir en una era de incertidumbre y transición, y cada canción fue escrita con ese paisaje en mente. La evolución fue clara: de seguir el rastro de las canciones a construir un mundo deliberado, sin perder la capacidad de asombro.

enseñaron tanto sobre la vida como cualquier maestro. Esas canciones se convirtieron en puertas hacia un mundo de lectura y pensamiento, y así concibe su propio oficio: como un testigo en una carrera de relevos que atraviesa generaciones, donde por un tiempo se lleva la antorcha, se añade la propia voz y luego se pasa a alguien más.

Para este artista, la libertad creativa lo es todo. No podría escribir honestamente de otra manera. Las limitaciones comerciales existen, pero no las ve como una razón para comprometerse; al contrario, lo han vuelto más autosuficiente y creativo. Prefiere hacer algo completamente fiel a sí mismo y conectar profundamente con una audiencia más pequeña, que crear algo diseñado para complacer a todos pero que termine diciendo muy poco. Entre los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, identifica la atención como el recurso más escaso. Vivimos en una era de contenido infinito, donde las canciones compiten no solo con otras canciones, sino con un flujo interminable de noticias, entretenimiento y distracciones algorítmicas. Para los independientes, es cada vez más difícil construir comunidades genuinas. Sin embargo, se mantiene optimista: la tecnología siempre encuentra artistas que la usan de maneras auténticas, y quienes realmente logran abrirse paso suelen ser aquellos con la voz más clara, no el presupuesto más grande. Su mensaje final es un agradecimiento profundo: "Una canción no está realmente completa hasta que llega a los oídos de otra persona y se convierte en parte de su vida. En cierto modo, cada canción es como una carta buscando su destino. Gracias por escuchar, por asistir a los conciertos, por compartir este viaje conmigo y por darle a estas canciones un lugar donde aterrizar."

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MADAM NIGHTINGALE

La artista australiana de synth-pop Madam Nightingale regresa con Dance With Me (remix26), una reimaginación más oscura y orientada a la pista de baile de su himno original de 2023. Llegando a nivel mundial el 7 de agosto de 2026 a través de Xelon, el remix transforma la percusión en vivo y los metales triunfantes del original en una producción electro-pop pulsante, creando un corte hipnótico para la noche. Con la colaboración vocal de The Doc, esta versión, producida por Emiliano Treleani, abraza texturas electrónicas elegantes mientras conserva el mensaje central de la canción: encontrar luz en los momentos más oscuros de la vida. Descrita como una "colisión alegre de art-pop, synth-pop y música electrónica experimental", Madam Nightingale continúa desdibujando las fronteras entre música, performance y arte visual.

Detrás del proyecto está Phaedra Gunn (they/she), cuyo alter ego se ha convertido en una presencia destacada en el circuito de festivales de música y artes alternativas de Australia. Desde su debut, que ganó el primer premio en el Sounds of St Kilda Battle of the Bands en 2020, el proyecto ha evolucionado hacia una experiencia audiovisual completamente realizada, que la crítica ha descrito como "una visión comprometida e inmersiva llevada a la vida".

Su trabajo ha sido reconocido con una prestigiosa residencia artística en Bundanon (2026), fue finalista del Newcastle Fringe Artistic Merit Award (2023) y su canción Dance With Me fue incluida en el Top 5 de canciones del año de RSOM. Su sencillo de 2026, Since That Night, exploró temas de conexión romántica con una producción melancólica y un ritmo hipnótico, y este remix continúa esa intensidad emocional en un formato bailable.

Más allá de su trabajo solista, Madam Nightingale es una colaboradora activa en la escena musical independiente australiana, trabajando con productores Aj'Zho y Flip That Groove, y es una de las dos mitades del dúo electro-prog So..., lo que demuestra su versatilidad artística. Con Dance With Me (remix26), Madam Nightingale continúa forjando un camino distintivo en la intersección de la música, la performance y la narrativa inmersiva, consolidando su era disco-baddie como una de las propuestas más interesantes del synth-pop contemporáneo. Un viaje sonoro que invita a bailar, pero también a sentir.

los

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Somos un proyecto independiente de Tijuana autogestionado por artistas locales que apoya la escena musical local a través de herramientas de cooperación para buscar en conjunto la relevancia y éxito regional e internacional

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UBANDA

Desde Duitama, Boyacá, UBanda ha construido un sonido que fusiona el pop rock latino con la cumbia pop, creando canciones cargadas de emotividad, romanticismo y reflexiones sociales. Su más reciente sencillo nace de la búsqueda de expresión hacia un amor latente que se encontraba perdido, una excusa para querer devolver el tiempo o "poner la reversa". La canción, que además cuenta con la colaboración creativa de Requilates -un grupo de jóvenes talentos santandereanos de entre 12 y 15 años-, representa un puente generacional que enriquece la propuesta musical de la banda. Esta alianza entre la experiencia y la frescura juvenil refleja la esencia de una agrupación que entiende la música como un territorio de encuentro y aprendizaje mutuo.

Para UBanda, cada género y cada proyecto es una oportunidad de aprendizaje que convierte su presente en algo mejor que su ayer. Su enfoque creativo ha evolucionado al ritmo de las experiencias, permitiéndoles explorar nuevas sonoridades sin perder la esencia que los define.

Con este sencillo, sueñan con que la canción se vuelva parte de la vida de quienes la escuchan, que sirva como excusa para acercar amores lejanos y que se convierta en un himno para quienes buscan una segunda oportunidad. No buscan solo éxito comercial, sino que su música tenga un impacto real en las emociones y las relaciones de su audiencia.

Como artistas independientes, UBanda se abre camino intentando hacer las cosas de la forma más profesional posible y con todo el amor que el arte merece. Reconocen que uno de los mayores desafíos hoy es resistir y competir contra la avalancha de música que se crea diariamente. Sin embargo, su mensaje es claro: la poesía, los versos, el profesionalismo y el amor por hacer las cosas sigue latente. En un mundo donde la inmediatez a veces opaca la profundidad, UBanda apuesta por la autenticidad y la conexión genuina, recordándonos que la música, cuando se hace con el corazón, siempre encuentra su camino.

• MDYSSL
• MMARIA DANIELA Y SU SONIDO LASSER
• MARKO DISKO
• 12 DE SEPTIEMBRE
• TIJUANA, MX
• ETS

THE ILLUMIN8TIVES

Desde Selma, Alabama -el lugar donde la historia de los derechos civiles se escribió con sangre y donde la noche se encuentra con el día-, The Illumin8tives regresa con su cuarto sencillo, Hide the Throne, bajo el sello de Sorepo (Soul Repossession) Records. La banda describe su ciudad como el punto en el universo donde lo oscuro y lo luminoso se fusionan, y su música es el eco de esa dualidad: un Es una canción para quienes saben que el momento de mostrar las cartas no es antes, sino después de haber vencido. En la cara B, Technical Problems es un thriller psicológico que acelera el pulso, inquietante y fascinante a la vez, que expone el delgado velo entre la locura y la profundidad. La canción deja al oyente en una encrucijada: decidir si pertenece a lo primero, a lo segundo, a ambos o a relato que transita entre tres ciudades -una en el ninguno. Una pregunta sin respuesta fácil, que cielo, una en el infierno y otra en el purgatorio-, creando un paisaje sonoro que bypassa la mente y habla directamente al alma de quienes están lo suficientemente cerca de la naturaleza salvaje desde resuena mucho después de que la pista termina.

The Illumin8tive no solo hace música; construyen la que la banda se expresa. Su sonido, sin embargo, mundos donde el oyente debe habitar, enfrentarse a trasciende lo local; es universal en su capacidad de comunicar la experiencia humana en toda su complejidad.

Hide the Throne es el himno de quienes ocultan su grandeza hasta que la batalla está ganada, conscientes de que los obstáculos suelen interponerse en el camino de los sueños que exigen demasiada atención.

THE sus propias sombras y decidir qué parte de la historia le pertenece. Hide the Throne es un recordatorio de que, a veces, la mayor fortaleza está en la paciencia y en saber esperar el momento justo para revelar lo que realmente somos. Con este sencillo, la banda de Selma reafirma su lugar como una de las voces más enigmáticas y necesarias del underground contemporáneo, demostrando que el arte también puede ser un acto de resistencia y de autoconocimiento.

ILLUMIN&TIVES

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NOTICIAS ROCKERAS

ENTIJUANAHAYROCK

La-The Rolling Stones publicaron su nuevo álbum de estudio, Foreign Tongues, el 10 de julio. El disco, de 14 canciones y producido por Andrew Watt, incluye colaboraciones póstumas y ha sido recibido como una muestra de que la banda sigue en plena forma. Por otro, The Strokes rompieron un silencio de seis años con el lanzamiento de Reality Awaits el 24 de julio. Su séptimo álbum de estudio, producido por Rick Rubin, llega precedido por los sencillos Going Shopping y Falling Out of Love.

-La escena también ha visto movimientos en el metal y el punk. Avenged Sevenfold sorprendió a sus fans con el lanzamiento sorpresa de un EP de cuatro canciones titulado STATICA el 23 de julio. De cara a agosto, la agenda de lanzamientos se mantiene igualmente activa. Se esperan nuevos trabajos de artistas como Weezer, con su nuevo álbum homónimo Weezer (también conocido como Gold Album), programado para el 21 de agosto, y de Ann Wilson (Heart), quien lanzará Consecrated Ground.

-La actividad en vivo ha sido frenética, con algunas de las giras más esperadas del año. AC/DC Vinició su gira norteamericana "Power Up" en Charlotte, con una lista de 21 canciones. Guns N' Roses continúa con su gira mundial 2026, con fechas confirmadas en Toronto (5 de agosto), East Rutherford (12 de agosto) y Las Vegas (22 de agosto). Queens of the Stone Age también ha anunciado nuevas fechas para su gira, mientras que Ronnie Wood, guitarrista de los Rolling Stones, ha emprendido su primera gira en solitario en 16 años.

-La actualidad también ha traído noticias agridulces. La banda de metal francés Gojira tuvo que reemplazar de urgencia a su batería, Mario Duplantier, debido a un problema migratorio para poder cumplir con sus compromisos en Estados Unidos. Iron Maiden causó controversia al rechazar su inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll, citando conflictos con su gira.

-Por otro lado, el mundo del rock despidió a la activista y madre de Tom Morello, Mary Morello, a los 102 años, mientras que la comunidad se une en recuerdo a Jennifer Finch, bajista de L7, tras ser diagnosticada con cáncer cerebral y quien tambien nos dejo.

IJUANA SUICIDA

EN VIVO EN TIJUANA ROCK BAR

Calle Sexta, Revolucion y Madero, Zona Centro, Tijuana

SABADO 24 DE OCTUBRE 9PM

COVER $50 PESOS SOLO MAYORES DE EDAD

LUNES 8 PM (TJ) 19 PM (CDMX)

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