En Tijuana Hay Rock Revista - Edicion 116

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EN TIJUANA HAY ROCK REVISTA es una publicación electrónica gratuita e independiente, especializada en información, noticias y reseñas de la cultura musical y urbana fronteriza. Es una publicación de AudioTijuana TJ Superestación Multimedia. / EDITOR: José Angel Rincón Rodríguez.

FO/EN TIJUANA HAY ROCK

BIENVENIDOS

Un nuevo ritmo para En Tijuana Hay Rock Revista

La idea original era sencilla: salir cada dos meses, solo cuatro números al año. Pero la realidad y las ganas de hacer más nos ganaron. Así que no, no vamos a estar en pausa. Estaremos presentes por lo menos hasta octubre, revisando toda la información que tenemos y podemos generar, porque creemos que esa es la mejor opción: presentarles una revista que vaya más allá de las buenas intenciones. Queremos ofrecerles diferentes perspectivas de lo que sucede en el ámbito musical de nuestra ciudad, pero también ir más lejos, con artistas y propuestas que nos parecen interesantes, y ahora sí, de todo el mundo

Espero que disfruten esta edición. Es solo el inicio de algo que se viene con todo. Gracias por seguir ahí, leyendo, compartiendo y siendo parte de esta comunidad que no para de crecer. Esto recién empieza

INSIDE JOKE

En Tijuana, la banda Inside Joke ha decidido no mirar hacia otro lado. Su más reciente álbum, compuesto hace un par de años, resulta hoy más vigente que nunca. Las canciones nacen de situaciones globales que, lamentablemente, siguen sucediendo: la violencia en el país inspiró Mundo Extraño, un tema que reconoce que este problema no es exclusivo de México. Por otro lado, la falta de libertad de expresión y la cultura de la cancelación dieron forma a su más reciente sencillo, Voz de Minorías, cuyo video se estreno el viernes 24 de abril. Inside Joke no solo hace música: está documentando su tiempo.

El enfoque creativo de la banda ha evolucionado hacia ver el estudio de grabación como una herramienta para llevar ciertas ideas al extremo, aunque aún enfrentan limitaciones técnicas. Pero quizá el cambio más profundo está en la gestión del tiempo. "...Yo lo veo más como tomar las riendas de tu propio tiempo...", explican.

Con familia y compromisos de por medio, la independencia no es solo una decisión artística, sino también una forma de vida.No les molestaría tener más presencia comercial, siempre que sea haciendo la música que les nace. Mientras tanto, componer, grabar y ensayar a su propio ritmo tiene ventajas que no cambiarían fácilmente.

Entre los mayores desafíos que identifican está la falta de interés del público hacia el talento local, tanto en locales como en festivales. Y lanzan una reflexión incómoda pero necesaria: "...Todo tributo quita también un poco el foco en lo nuevo...". No están en contra de los clásicos —reconocen que sin ellos no existirían―, pero sienten que cuando un flyer dice "Rock en Español", la gente ya espera los mismos himnos de siempre, mientras la música nueva lucha por encontrar su espacio. Su mensaje final es un agradecimiento sincero: "...Agradecerles de todo corazón por escucharnos. Sin ellos no somos nada...". Inside Joke no busca revolucionar el mundo, solo que le presten atención a lo que pasa a su alrededor. Y suena a que vale la pena hacerlo

24 OCTUBRE

DE ETNIA

Desde Tijuana, De Etnia presenta su más reciente sencillo, Caramelo, una canción que nace de la poesía y de letras complejas, absurdas, cargadas de metáforas hiladas por el hilo del romance y la pasión. Al más puro estilo de referentes como Gustavo Cerati y Cultura Profética, la banda se atreve a mezclar dos géneros que aparentemente poco tienen en común: la bossa-nova y el reggae. El resultado es un tema que invita a escucharse con calma, dejándose llevar por sus texturas y por una lírica que pide ser descifrada. "...Es un tema que nos gusta mucho a nosotros —comentan―, esperemos que el público lo reciba bien y se dé el tiempo de escuchar el tema completo para entender el concepto en su totalidad...", Para De Etnia, cada lanzamiento tiene un proceso único. No fuerzan las canciones: dejan que la inspiración y el objetivo converjan en el momento justo que cada tema nace, plasmando así sentimientos e ideas en cada entrega.La libertad creativa es, para ellos, el objetivo principal. “...La música es nuestro medio de expresión...", afirman con convicción.

sus M

Y esa libertad no la negocian, aunque eso signifique alejarse de las fórmulas comerciales más evidentes.Su propuesta con Caramel" es clara: no buscan ser tendencia, buscan conectar desde la honestidad.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, desde su punto de vista, es la falta de consideración por parte de productores, promotores y empresas, que muchas veces ponen por delante los números y el potencial viral de una canción por encima de su calidad y autenticidad. "...Ahora se enfocan más en las redes sociales y en si la canción será viral, aunque el mensaje no sea auténtico...", reflexionan. Eso limita el desarrollo de talentos que buscan exposición y crecer. Su mensaje final es un llamado a no olvidar lo esencial: "...La música es para expresar tus ideas, sentimientos y emociones. Sigamos haciendo lo que nos gusta de una manera auténtica, no solo buscando vistas o haciendo música para un trend. Entendemos que la música no deja de ser un producto y mueve al mercado, pero no dejemos de lado su objetivo principal...”. Con Caramelo, De Etnia demuestra que se puede hacer pop con profundidad, y que la autenticidad, aunque no sea viral, siempre encuentra a sus oyentes.

EN CONCIERTO SABADO 9 MAYO 7:00 PM

• $120 MXN / ENTRADA GENERAL
• REPÚBLICA MALTA
• TIJUANA, B.C.
• BOLETOS DISPONIBLES
• REPÚBLICA MALTA

LOG

RICK HARTBROKE

Rick HartBroke respira rock. Cada show y cada live session lo confirman. Con perseverancia se ha ganado un lugar en la escena fronteriza y un grupo de fans que no le pierden pisada. Sea en el escenario o en el estudio, siempre da el 100%.

BLACKISS

Blackiss es una banda que también lleva la bandera del rock en alto, lo que los impulsa a ser uno de los grupos que siempre está presente en los diferentes escenarios. Lo de ellos es respirar rock y llevarlo a los escenarios con su energía, desde los clásicos hasta los éxitos que van marcando época. Con toda la energía, de Tijuana a donde sea, siempre están listos.

MEXICAN PRIDE dos a Mexican Pride emergió en la década de los 90, siendo una de las bandas pioneras del sonido rapcore en la ciudad, creando junto con otras bandas un circuito del que aún hoy se siente su influencia. Tras un largo descanso, es en los últimos dos años cuando regresan, más fuertes que nunca, y presentando un material discográfico llamado Rito Mexicano, que hace sentir toda su fuerza, la cual sigue intacta.

MATAM

MATAM debuta con Cambia. El sencillo es parte de un proyecto influenciado por la historia personal de sus integrantes. Criados en el cristianismo evangélico, su música explora las tensiones entre la fe heredada y la experiencia propia durante la juventud.

LUL

• 11 4 12 JULIO
• FEST VOL. 3
• ENTRADA GRATIS
• 12-8 PM

EXPLANADA DE CECUT, TIJUANA, B.C. @ROCK.MUSIC.FEST / WHATSAPP 6641285015

VÖLKA

ALERTA

DAFFLIKYE'S

Völka es una banda tijuanense que tuvo su debut hace unos meses, pero su historia es más profunda. Sus raíces vienen de otra banda local llamada Lucky 7, y ahora, con mayor madurez y experiencia, su fusión de folklore y punk rock se ve plasmada en su disco debut, ya disponible. No solo han conquistado su ciudad natal, sino también otros territorios, entre ellos la Ciudad de México, donde tocaron en el mítico Gato Calavera. Su sonido es un potente híbrido de punk con música celta, lo que les da una identidad muy distintiva. "...Völka se inspira en los sonidos del viejo continente, las historias perdidas y las fiestas en fraternidad...", explican. Las canciones de su disco en proceso tocan un amplio abanico de temas: desde la introspección, la depresión y la muerte, hasta aspectos históricos desde un enfoque filosófico, siempre musicalizados por ese binomio que los define.

La evolución de Völka es, en esencia, la evolución de Lucky 7."...La madurez se aprecia en la calidad musical y el nivel de composición de cada canción...”, afirman, buscando dejar un buen sabor de boca al finalizar el último acorde de cada tema. Ruido | 102

Su expectativa es clara: llegar a ser una banda que resalte por su contenido lírico y sus melodías pegajosas. Quieren ser conocidos como una banda que te alegra el día musicalmente y te lleva a la reflexión líricamente. Y en cuanto a la libertad creativa, no negocian: "..Völka es una banda fiel a su estilo, a su sonido y a su mensaje. Hacemos música honesta y con el corazón; para eso no hay limitaciones posibles..".

Uno de los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, desde su punto de vista, es el miedo. "...El miedo a apostarle a una carrera musical, el dudar invertir en una banda para poder lograr alcanzar escenarios en todos lados, y sobre todo el miedo a creer que se puede lograr trascender con el arte...", reflexionan. Su mensaje final es una declaración de principios corta pero poderosa: "...Con música, somos invencibles...". Völka no solo ha encontrado un sonido único, sino una filosofía. Entre gaitas, distorsión y letras que invitan a pensar, esta banda tijuanense demuestra que el folklore y el punk no solo pueden convivir, sino que juntos pueden conquistar cualquier escenario. Y apenas están empezando.

• SÁBADO
• Festival
• 22 DE AGOSTO

• ASTRONAVES
• E Mar att
• YAMA

La experimentada band tijuanense

Astronaves se prepara para lanzar su segundo disco, un álbum de nueve canciones que ya está terminado. A diferencia de su primer trabajo, Soy Humano, donde llegaron al estudio con cada tema completamente definido, esta vez el proceso fue distinto: las canciones se grabaron y, a partir de ahí, se permitieron explotar el sonido, modificar lo necesario y disfrutar de esa fase creativa

"...Normalmente soltamos todas las ideas entre los cuatro, ya sea con algún evento o historia, y tratamos de musicalizar esa idea....", explican. Cada canción ha tenido su propio camino, y ese respeto por el proceso individual de cada tema es lo que le da al disco una frescura orgánica.

Para Astronaves, la libertad creativa es todo. No se limitan al crear: si la "marea de la creación musical" los lleva en una dirección alejada de lo comercial, simplemente la siguen. No importa si una canción dura mucho o tiene cambios inesperados. Lo importante es plasmar la idea con sinceridad y pasión

"...Si al escuchar una canción de Astronaves te lleva a un recuerdo, una historia o te hace sentir lo mágico de esta vida, esa es la conexión que nos gusta tener con la gente...", afirman. Su expectativa para este nuevo álbum es justo esa: que logre transmitir esa chispa a más personas y que cada oyente encuentre algo propio en las canciones.

Sin embargo, el camino independiente no es sencillo. Entre los mayores desafíos que enfrentan está el poder viajar fuera del estado para tocar. Por cuestiones de tiempo y trabajos, aún no han logrado concretar presentaciones más allá de su región, y conseguir eventos grandes no es nada fácil. "...Es un círculo muy pequeño, por así decirlo...", reconocen. Aun así, su mensaje final es de gratitud y calidez: "...Esperamos que disfruten escuchar nuestras canciones así como a nosotros nos gusta tocarlas. Les mandamos un abrazo a todos, gracias por estar con nosotros en este viaje...". Astronaves sigue navegando, sin prisas pero con rumbo fijo, llevando su música con honestidad y ganas de conectar. El nuevo disco ya está listo. Solo falta que el mundo lo escuche.

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DON

Con 18 años de carrera, DON se ha consolidado como una de las principales referencias del pop punk y hardcore mexicano moderno. Pero no se han quedado quietos. Su nuevo disco, Tijuananarquía, contiene seis canciones nuevas que nacen de la situación geopolítica, social y cultural que vivimos día a día, así como de un proceso de transformación personal basado en la toma de conciencia y el bienestar común. El nombre no es casualidad: está anexado a otros eventos, a otras cosas, a lo que hizo en su momento alguien como Luis Güereña, que es parte de la historia de Tijuana. Porque Tijuana es una escena con historia, con bandas que han trascendido internacional y nacionalmente. Algunas siguen vigentes, otras no. Pero cada una, al alcanzar cierto éxito, deja una huella. Si hubiera que elegir una palabra, esa sería trascender. Y DON lo tiene claro: la raíz es la protesta, pero la evolución natural es la propuesta. "...¿Qué vas a hacer con todo ese enojo? Lo mejor es canalizarlo de manera positiva...", plantean. Por eso Tijuananarquía, por eso los consumos de Tijuana, por eso el luchador. Protesta está bien. Propuesta, mejor.

El enfoque creativo de DON ha evolucionado incorporando saberes de disciplinas como la psicología, la filosofía y la pedagogía, además de reforzar lo usual (literatura, cine) y expandir su dimensión musical empujando fronteras entre géneros. Su núcleo sigue siendo punk, con la intensidad del hardcore, la sensibilidad del pop y sin miedo a la experimentación. Últimamente han agregado hip hop y electrónica. "...Me alegra que se note el trabajo -comentan

Uno evoluciona, pero siempre debe sentar bases en su sonido. Estamos explorando distintos géneros, y me gusta que lo que hacemos siga sintiéndose como DON, aunque es inevitable cambiar. Ya no puedes escribir lo mismo que hace diez años. Es una transición natural, lógica, aunque a veces a la gente le cueste entenderlo....". Para ellos, lo importante es hacer lo que sientes, porque si no, solo estarías complaciendo a los demás. Y eso no es satisfactorio.

El enfoque creativo de DON ha evolucionado incorporando saberes de disciplinas como la psicología, la filosofía y la pedagogía, además de reforzar lo usual (literatura, cine) y expandir su dimensión musical empujando fronteras entre géneros. Su núcleo sigue siendo punk, con la intensidad del hardcore, la sensibilidad del pop y sin miedo a la experimentación. Últimamente han agregado hip hop y electrónica. "...Me alegra que se note el trabajo —comentan—. Uno evoluciona, pero siempre debe sentar bases en su sonido. Estamos explorando distintos géneros, y me gusta que lo que hacemos siga sintiéndose como DON, aunque es inevitable cambiar. Ya no puedes escribir lo mismo que hace diez años. Es una transición natural, lógica, aunque a veces a la gente le cueste entenderlo....". Para ellos, lo importante es hacer lo que sientes, porque si no, solo estarías complaciendo a los demás. Y eso no es satisfactorio.

En cuanto a las expectativas para este nuevo álbum, DON espera que quienes lo escuchen experimenten felicidad, pero sobre todo quiere abrir conversaciones sobre temas elementales que suelen ser vistos como tabú: salud mental, sexualidad, ego, autoestima, amor propio. "...Me gustaría reforzar la interacción e integración de generaciones distintas, sin importar sexo, género, raza o condición económica...", afirman. Para la banda, la autenticidad es el sello del proyecto, valorando lo que disfrutan y viven a tope, permitiéndose sentir lo que construyen con tanto esfuerzo. La libertad creativa no es negociable, aunque eso signifique alejarse de ciertas limitaciones comerciales.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, desde su punto de vista, es generar contenido en lugar de solo ruido. En un mundo saturado digitalmente, con algoritmos y economía de la atención, el producto artístico necesita propósito y dirección para destacar entre tanto material disponible e inteligencia artificial. El mensaje final de DON es contundente: "...Ya no basta con pensar, cuestionar y protestar: hace falta proponer y actuar, tomar conciencia y despertar...". Con Tijuananarquía, DON no solo celebra 18 años de vida, sino que reafirma su lugar como una banda que no teme cambiar, crecer y, sobre todo, trascender. Porque en Tijuana, el punk también se reinventa.

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THANATOLOGY

Thanatology es uno de los mitos del underground tijuanense. Muchos los vieron en sus primeras etapas, las cuales, tras un camino que los llevó de tocar en casas a escenarios más decentes, fue un sendero lleno de tripas y sangre... literal. Ese recorrido duró hasta el 2002. Después vino la etapa de proyecto de estudio, editando grabaciones que impactaron no solo a nivel local, sino también nacional e internacional. Eso trajo la etapa más fuerte en los escenarios del proyecto: un torrente de giras nacionales e internacionales que desgastaron a su creador, El Dr. Bautista, quien decidió dejarlo descansar al manifestar que todo lo que quería hacer, lograr y decir tanto creativa como conceptualmente— ya lo había hecho.

Hace dos décadas emergió uno de sus brazos y fue el catalizador de una era importante en la escena del metal fronterizo. Y aunque el proyecto era de estudio, logró causar un impacto profundo. El Dr. Bautista siempre ha buscado que su visión se mantenga intacta: un grind metal lleno de momentos grotescos y siniestros, la crudeza de una sala de operaciones, la putrefacción absoluta de lo extirpado, los trozos de operaciones. Sin duda, lleva lo grotesco a sus propios límites. Thanatology construyó un universo sonoro donde el dolor, la podredumbre y la violencia quirúrgica se convirtieron en arte.

Ahora, Thanatology regresa para una última vuelta definitiva. Ya hay un sencillo y un futuro disco, con el que le darán cierre al proyecto. Pero el Dr. Bautista tiene un proyecto paralelo: El Sr. Dr., un narrador de historias que suceden en el desarrollo de la vida de un medico y sus colegas. Es un proyecto solista que, de cierta forma, es una versión más humanizada de Thanatology, pero con su propia personalidad y enfoque, volviéndose más escénico con solo él en el escenario. Thanatology se va, pero su legado de caos, sangre y brutalidad quedará tatuado en la historia del metal extremo de Tijuana y más allá. Que empiece el fin.

EL GRIND FINALE DE JONATHAN BAUTISTA

Después de 28 años recorriendo la escena del metal extremo, Jonathan Bautista anuncia que su ciclo termina. Y esta vez va en serio. En el pasado lo había dicho, pero hoy es definitivo: "...Ya dije todo lo que tenía que decir. No hay nada más que hacer...". Su camino lo llevó desde los rincones más subterráneos de Tijuana hasta escenarios en Estados Unidos y Europa.

EL ESCUADRÓN ATAQUE TORMENTO

El Olor a Muerte de la Post-Guerra es el cuarto disco de El Escuadrón Ataque Tormento, una banda que en seis años ha desatado una oleada de violencia musical absoluta. No tienen contemplaciones. Su música es agresión pura contra todo y todos. Cada una de sus canciones es un canto bélico que pone la perspectiva en lo que significa un ejército que muestra un sonido lleno de guitarras veloces y una sección rítmica arrasadora. No son canciones: son retos directos a las convencionalidades de un sistema podrido ante sus ojos. El de los valores, el de la moral. Es confrontarlo con un ataque lleno de odio y rencor, y también disparar contra los enemigos, a quienes el Escuadrón les desea destrucción absoluta. Crudo y oscuro metal bélico originario de Tijuana, B.C.

Fuera del escenario, en alguna ocasión el General confesó que para él este proyecto representa un reto muy importante a nivel creativo y artístico, y se siente. Hay mayor agresión, es diferente a lo que ha hecho antes. Hay más crudeza, menos elaboración técnica, pero el uso del tiempo y el espacio como concepto lleva un desarrollo que pocas veces ha sido visto en vivo. El Olor a Muerte de la Post-Guerra no pierde el tiempo. Sobre todo y contra todos, es violencia oscura en toda su expresión. El video fue realizado por el Capellán Militar Martínez Trejo. La letra, producción ejecutiva, dirección musical, arte y concepto corren a cargo de El General Bautista Padilla. La música, arreglos, ejecución, captura, re-amping, mezcla y masterización por El Coronel Rivera Mejía. Voz y arreglos por El Teniente Coronel Jonathan V. Matus. Captura vocal por el Artillero Pepe Cue. Logos por el Soldado de Infantería Vargas García y el General Bautista Padilla, e ilustración por el Carne de Cañón Faisal Ilham.

Este producto fue tácticamente planeado y ejecutado entre Tijuana, Culiacán y la CDMX entre 2024 y 2026, bajo la base de inteligencia de Negligent Records. El Escuadrón está conformado por: El Gran General (voz), El Tiránico Coronel (guitarra), El Maléfico Capitán (bajo) y El Sargento Vil (batería). Su mensaje es claro y amenazante: "Mantente firme. La guerra anticristiana está por venir". Si buscas metal que no pide permiso, que huele a pólvora y no a flores, este disco es un campo de batalla del que no se sale ileso. El Escuadrón Ataque Tormento no viene a convencer: viene a destruir.

Dejó más de 30 grabaciones con proyectos como Dodecamerón, Thanatology, Carnero Negro, Escuadrón Ataque Tormento, Los Springbreakers, El Sr. Dr., Shattered Eyes, T.H.E.M., Samperio, sin olvidar su paso por Luciferion y La Banda De Los Sonorriticos. Pasó de pedirle la pesadilla en el escenario a otras bandas a trerla el mismo y con ello a convertirse en un personaje único e irrepetible dentro de la escena tijuanense.

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SAMPERIO

El crimen, la sangre y todo lo que conlleva siempre han sido parte del metal extremo. Siempre. Pero en este caso, los crímenes hechos por mujeres en México son el tema que ha tomado el dúo SAMPERIO, integrado por Jonás (concepto, voz y letras) y Mario (guitarras, bajo, batería y composición musical). Samperio construye un recuento de los hechos de manera rápida. No se trata de crear una opinión, sino de tejer una crónica llena de sangre y de sucesos escalofriantes. Desde los personajes más sádicos hasta aquellos crímenes cometidos por liberarse. Es como abrir un expediente violento, una radiografía de lo que significa ser mujer en este país. Porque si de un lado se ve solo un enfoque, Samperio trae el otro rostro: ese que despierta el instinto más oculto que emerge y destruye no solo las vidas ajenas, sino sus propias vidas. Con un sonido violento de grind metal, las canciones son rápidas y van al punto, con todos los escalofriantes detalles.

Con dos EPs y un tercero en camino, Samperio es un proyecto que estremece por su crudeza, pero también es un documento sonoro sobre la violencia implacable que muchas veces es solo una parte de la historia. La dirección de arte corre a cargo de Jonathan Bautista Padilla. La música fue grabada, mezclada, re- amped y masterizada por Mario Rivera Mejía en Akelarre Estudios (Culiacán, Sinaloa). La captura vocal fue grabada por Patrick Alexander en Cacho Studios (Tijuana, B.C.). El logotipo de SAMPERIO es obra de Lorenzo Vargas, y el proyecto cuenta con Jonathan Bautista Padilla como productor ejecutivo para Negligent Records.

Samperio no busca ser un disco de fondo. Es un testimonio sonoro que incomoda, que golpea y que no pide permiso para mostrar lo más oscuro del ser humano. Un espejo donde la violencia no se justifica, pero se expone en toda su dimensión. Si el grind metal tiene un propósito más allá del ruido, Samperio lo ha encontrado: narrar lo innombrable y hacer que no podamos apartar la mirada. Porque a veces, la crónica más honesta es la que sangra.

• INVITA
• CONECTANDO LA BAJA
• PERTURBA
• NAHUALES
• LUGAR:
• ZACAZ BAR
• FECHA:
• 23 DE MAYO
• COLABORADORES:
• LEVENDAS
• DARK
• APRIL
• LA LIEBRE
• HORA:
• 20:00PM
• NO COVER
• ID REQUERIDA

CALLE 7MA HERMENEGILDO GALEANA #8280 ZONA CENTRO, TIJUANA, MEXICO, 22000

• LTALLEN D
• ARCHIUD
• ROCK
• OBONCE
• Gama

• FECHA:
• JUNIO
• QUERIDA
• LA BAJA
• EL TALLER DEL ROCK TJ✰
• DRAGON ROJO BAR
• HORA:
• HAYLEY MATMURA REGION 4 NOISE
• (TIJUANA)
• LEYENDAS
• HAMBURGUESAS Y ROCK
• SPACE
• (TIJUANA)
• (ENSENADA)
• (ENSENADA)
• UBICACIÓN: CALLE PRIMERA, TIJUANA, MEXICO, 22000
• CONEXION
• ROCKOLA
• ARCHIVO SONDRO
• Gama

THE ITSOK

The Itsok es una de esas bandas que no se pone límites. Originarios de Mexicali, B.C., acaban de lanzar su primer disco, DAIMON, el pasado viernes 1 de mayo, acompañado del sencillo Tsunami. Una canción de rock alternativo con una fuerte carga emocional, que transita entre atmósferas que evocan influencias del emo punk, el nu-metal y el rock alternativo de los 2000. Con una base melódica que crece de forma progresiva hasta convertirse en una liberación, Tsunami es solo una probadita de lo que el álbum completo ofrece. La invitación es clara: DAIMON. Encuentra tu voz interior.

El enfoque creativo de la banda es tan honesto como sencillo: disfrutar el proceso y aceptar lo que sale al momento de escribir una canción. Puede ser rock alternativo, pop rock, o cualquier género que surja. "...Si a la banda le gusta, le seguimos...", afirman. Para The Itsok, la libertad creativa es fundamental. "...Muchísimo, podemos hacer lo que queramos...", responden al hablar de las limitaciones comerciales, y así lo plasmaron en DAIMON.

ROCK

Su expectativa con este álbum es conectar con gente que disfrute la música de forma alternativa, con un enfoque en lo que más aman hacer: crear canciones que inspiren.

Entre los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, The Itsok identifica el poder sacarle provecho a herramientas como las redes sociales. El reto es usarlas para conectar genuinamente con personas a las que les gusta tu música, no como una obligación de tendencia. Su mensaje final es puro entusiasmo: "...DAIMON es el primer LP de The Itsok. Sale el 1 de mayo, esperamos les guste. Lo hemos hecho con mucho entusiasmo y estamos seguros de que encontraremos a esos oídos interesados en nuestra música. ¡Si te estamos buscando a ti para que seas parte de The Itsok Army!..." Con esa energía, la banda mexicalense demuestra que el rock alternativo sigue vivo y que hay espacio para quienes se atreven a ser ellos mismos.

• MAQUILA
• CULTURAL
• ESTACIÓN TIJUANA 22 MAYO
• 20:00 HRS18+
• JUAN RUIZ DE ALARCON 1570-1
• ZONA URBANA RIO TIJUANA 22010
• Calvano Música passline
• SMOKY PODCAST PRESENTA
• MAQUILA!

Mayo 30 La Maquila Tj RISAS MALH

• Chetes
• Blanco Fácil
• XX Aniversario
• Open Act
• Batopilas - Arroba Nat
• Puertas 8PM passline BUNKER MAQUILA
• PRODUCCIONES
• Boletos en PASSLINE.COM

PLAZA NACOZARI: JUAN RUÍZ DE ALARCÓN 1570, ZONA RÍO, TIJUANA MX, CP 22010

• CULTURAL
• ENSAMBLADAS STAND UP EN LA MAQUILA
• CHISTES
• PROMO EN PIZZAS Y BEBIDAS!!
• HOST:
• ALAN KARLOFF
• SHOW: 8:00 PM
• ENTRADA LIBRE
• LISTA ABRE: 7:00 PM

TODOS LOS MIÉRCOLES SON DE OPEN MIC

• DISPONIBLE EN YOUTUBE
• LA MAQUILA
• ►YouTube
• LOVEY SESSIONS VOL. 01
• SONY

KASBAHN

Desde la Ciudad de México, Kasbahn decidió darle una segunda oportunidad a canción que, en su momento, no recibió el trato que merecía durante su promoción. ¿La solución? Reinventarla junto a un buen amigo de otra banda muy querida: Goodbye Victoria. Hicieron nuevos arreglos sin perder la esencia original, y el resultado los convenció por completo. "...Qué mejor manera de darle un aire nuevo que con un amigo...", explican. Esta colaboración no solo revitaliza el tema, sino que también refleja una de las mejores cosas del circuito independiente: el apoyo mutuo entre bandas.

El enfoque creativo de Kasbahn ha evolucionado hacia un modelo más personal y descentralizado. Cada integrante compone ideas desde su propio espacio, y luego se juntan para dirigir la canción, quedándose con las mejores partes. En cuanto a la libertad creativa, la valoran profundamente. Pueden hacer y publicitar sus canciones de la manera que creen y les gusta. Eso sí, reconocen que a veces se necesita alguien que le dé un enfoque diferente al material, pero siempre desde un lugar donde se sientan cómodos una Su expectativa con este relanzamiento es clara: que la canción guste, y que su gente conozca a Goodbye Victoria, así como los seguidores de Victoria los conozcan a ellos. Un intercambio justo, sano y necesario en la escena actual.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, según Kasbahn, es la creación de contenido en esta nueva etapa generacional marcada por lo fugaz. Captar la atención de las personas se ha vuelto cada vez más difícil. Aun así, su mensaje final es de gratitud y conexión honesta: "...El que alguien se pueda identificar con alguna letra o simplemente con la música que hacemos, y que nos reproduzca y estemos en su día a día, es lo que más valoramos...". Kasbahn no busca revolucionar el mundo, solo construir puentes ―entre canciones, entre bandas y entre personas- y que esos puentes se crucen una y otra vez. Con este segundo aire, lo están logrando.

• PRESENTA
• World Goth Day
• TIJUANA GOTH WEEKEND 2026
• En vivo: EGO BLISS
• Viernes 22 mayo
• GOTH WALK Caminata gótica/dark
• Dj's: Psyklon/Christabel/HTR/Merlina NO Cover 18+ID
• Sábado 23 mayo

PASARELA MALEFICARUM por Damián Damián Dj's: Electrohead/E-Kompressor/Christabel/Damián Cover: 100 MXP / 18+ID

Domingo 24 mayo

SUNDAY DARKS domingo familiar En vivo: Silent Dawn/Mecanik Fabrik/Shvdowless NO Cover / Todas las edades

• DAMIAN
• DVWIVИ
• NÓMADA
• BLACK KITTY

AV. MADERO 1250, ZONA CENTRO, TIJUANA MX

SCORIE

Desde Francia, la banda Scorie acaba de presentar su primer EP, titulado Gallodrome. Su proceso creativo es, en sus propias palabras, "...un gran desastre...". Pasan semanas tratando de reducir el exceso de sus demos, navegando entre inspiraciones que cambian día a día y entre músicos. El desafío es encontrar una visión colectiva que reconcilie identidades muy opuestas. A veces quieren que todo sea poderoso y directo; otras veces necesitan más introspección para llegar a ese lugar que tienen en la mente. En cuanto a las letras, les gusta describir una versión extrema de los defectos de la humanidad retratando personajes muy malvados o muy tristes. No buscan complacer, sino exponer. Para Scorie, este EP es su primera declaración de principios, y la libertad creativa ha sido total. "...Nadie nos está esperando —afirman—. Podemos construir nuestra mansión creativa como queramos...". Luego escucharán lo que el público tenga que decir y probablemente adaptarán sus próximas canciones sin traicionar su sensibilidad artística. Porque no hacen música para complacerse a sí mismos, sino para compartir algo con los demás. Y a veces, la gente entiende cosas de ellos que ni siquiera habían sospechado. Su mayor deseo con Gallodrome es que la audiencia comprenda la unidad entre las canciones y la historia que intentan contar. Lo que sintieron al empezar a escribir este EP les pareció tan coherente con lo que tenían en mente que solo esperan que la gente capte el significado del viaje que proponen.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, según Scorie, es encontrar audiencia cuando la industria se enfoca en expandir la presencia en redes sociales. Si no existes en Instagram o TikTok al menos cada semana, o si no encuentras contenido verdaderamente creativo para compartir, no eres nadie. "...¿¿Queremos publicar videos estúpidos haciendo lo que sea para obtener más likes? Claro que no. ¿Queremos boicotear los reels y TikTok? Por supuesto que tampoco. Es difícil encontrar el equilibrio entre creatividad y esa búsqueda patética de atención...". Su mensaje final es contundente y poético: "...A veces, escuchar lo peor de la humanidad es la mejor cura para recordar cuánto bien tienes dentro de ti. Hablamos de violencia, vicio, egoísmo y capitulación porque eso no es lo que somos. Decir lo que está mal en la gente es una protección contra el riesgo de convertirse en uno de ellos. Escucha a los peores personajes de Scorie por la mañana; al final del día, te encontrarás siendo una persona bastante decente...". Gallodrome no es un disco cómodo, pero quizá por eso es necesario.

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LOS MOTOSAICOS RED VELVET CON TRIBUTO A CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

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• JULIAN JAMES BAND
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• BANDAS
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SKYLAR ATLAS

Desde Naarm (Australia), Skylar Atlas se presenta como un artista queer, solista, con un sonido que desafía cualquier etiqueta convencional. Lo llaman cuntpop: una fusión audaz y sin disculpas inspirada en artistas como Charli xcx y más allá. Su nuevo sencillo, CURIOUS?, nace de una idea tan juguetona como provocadora: un crush provocado por un filtro de amor. No es una canción más de pop, es una declaración de intenciones. Después de su primer sencillo Cabaret!, que se inclinaba más hacia el sonido de club, Skylar quiso mostrar su versatilidad con un pop pulido y directo. "...Hacer un tema que la gente pueda disfrutar...", explica. Y vaya que lo logra.

EI enfoque creativo de Skylar Atlas está profundamente ligado a la libertad. Aunque hace pop ―un género comercial por definición― su prioridad es clara: hacer el tipo de pop que la gente queer quiere escuchar. Eso significa, muchas veces, inclinarse hacia lo alternativo y lo electrónico. "...Quiero tener una identidad verdadera en mis canciones ―afirma—. Que se sientan como si solo yo hubiera podido crearlas...".

PRIVATE

FUNCTION

Por ahora no tiene álbumes ni EPs programados, pero le encantaría hacerlos en el futuro. Mientras tanto, su apuesta es clara: autenticidad antes que complacer fórmulas. Y en un mundo donde el pop puede ser genérico, Skylar Atlas prefiere ser el bicho raro que brilla por sí mismo.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan los músicos independientes hoy, desde su punto de vista, es destacar. "...Todo está tan sobresaturado estos días...", reflexiona. Se necesita mucho para que la gente note lo que haces y empiece a seguirte. La mayoría de las veces, tienes que estar haciendo algo completamente nuevo. Su mensaje final es un agradecimiento profundo y conmovedor: "...Muchísimas gracias por apoyar a un artista queer y trans y sus sueños. La música es algo que siempre supe que quería hacer, y cada persona que escucha y sigue está ayudándome a recorrer el camino que creo que fui elegido para tomar....". Con CURIOUS?, Skylar Atlas no solo lanza un sencillo: lanza un recordatorio de que el pop también puede ser territorio de disidencia, de orgullo y de magia. Y con cada reproducción, ese camino se hace más ancho.

New Lords Booking x I am Death Productions presenta 20 JUNIO 2026

• Upreina
• Show Reunion
• AHENHON MONGER
• Jewel
• SCHEME
• THE END IS BEAUTIFUL
• DJ SET POR: DVNXX GRXXN
• Nomada (Moustache Bar) $150 7PM PUERTAS

A LOVE ELECTRIC

A Love Electric, la banda integrada por Todd Clouser (guitarra, voz), Aarón Cruz (bajo y armónica) y Jorge Servín (batería), presenta su séptimo álbum Man and Machine, una exploración de la relación entre el humano, la tecnología y la modernidad.

El disco marca un nuevo capítulo en el sonido de la agrupación, que durante 15 años ha sido arquitecta del rock más libre, transitando por el psycho-power, el punk-jazz y el freak-rock. Man and Machine incluye ocho temas producidos por Todd Clouser, que reflejan una mirada crítica a la tecnología y su influencia en la vida cotidiana de los años recientes, con sonidos que van desde lo obtuso hasta himnos que muestran el cambio del mundo. "...Es importante para nosotros renovarnos cada dos o tres años y trabajar la música desde otro ángulo. Creamos música que refleja nuestras vidas actuales...", comenta Clouser. En 2023 exploraban el surf-rock inspirado en La Costa Grande de Guerrero, y ahora abordan temas musicales, sociales y creativos nuevos y pertinentes.

Para celebrar el lanzamiento, la banda comienza una gira que incluye ciudades mexicanas como Mexicali, Mazatlán, Irapuato, Morelia, Pátzcuaro, Cholula y CDMX, con la participación especial de Daniela Mecalco en el bajo para las fechas de abril y mayo. Posteriormente, la gira continuará en Italia con la colaboración del guitarrista Alberto NA Turra. A Love Electric no pretende que les hagan reverencias, sino invitar al público a explorar música, pensamiento y creatividad sin falsas solemnidades.

"...Nos dimos cuenta de que, aunque estamos considerando temas complicados, no queremos fingir que nos creemos mucho. Somos tres músicos creando, intentando aportar algo, haciendo que la vida tenga más propósito y sentido para nosotros...", afirman. Man and Machine es el reflejo de una banda que entiende la música como un vehículo para cuestionar el presente, sin perder el humor ni la accesibilidad, equilibrando la densidad conceptual con la energía de un trío que suena como un ejército.

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VISTANTES resiliencia.

IRON KINGDOM

Los heavymetalleros canadienses de Iron Kingdom entran en una nueva etapa con el lanzamiento de su sexto álbum de estudio, Shadows And Dust, que llegará el 6 de junio de 2026. La fecha no es casualidad: coincide simbólicamente con su 15º aniversario y con el 82° aniversario del Día D. "Se podría decir que los planetas se alinearon", comentan desde la banda. Como anticipo, acaban de estrenar un lyric video para el tema Blood And Steel, uno de los cortes que forman parte de un tracklist de diez canciones que incluye Defenders (cuyo video ya fue lanzado como primer sencillo), Eternal Emperor, Dreamless Sea, Deadhouse Gates, Line Of Fire, Shadow Of Time, Dark Demands, Starlight y Sacred Fire. Con Shadows And Dust, Iron Kingdom afila su propósito, renueva su fuego y construye un sonido que honra el pasado mientras forja un camino hacia adelante.

Este álbum marca varios hitos importantes. Es la primera vez que graban por completo en su propio estudio casero, un gran paso en su filosofía DIY de toda la vida. Musicalmente, combina sus raíces clásicas del heavy metal con nuevas texturas, toques progresivos y un renovado sentido narrativo. Líricamente, explora un paisaje más oscuro y cargado de emoción, abordando temas como la muerte, la impermanencia, la adversidad y la un La creación del álbum refleja una madurez colaborativa: las canciones surgieron de sesiones de composición basadas en jams, donde riffs, letras y conceptos evolucionaron de forma orgánica. Según Leighton, la inspiración lírica a menudo proviene de "...libros y, a veces, películas... siempre que sean estimulantes...", mientras que Chris enfatiza el compromiso de la banda por crear álbumes que lleven al oyente a un viaje.

El show de lanzamiento se llevará a cabo en el emblemático Rickshaw Theatre de Vancouver, un lugar donde alguna vez abrieron para sus héroes y que ahora se convierte en un símbolo de lo lejos que han llegado. La historia de Iron Kingdom es una de resistencia, evolución y el poder inquebrantable del heavy metal. Shadows And Dust no solo celebra 15 años de carrera, sino que también los posiciona en un momento definitorio, con sonido más maduro, oscuro y ambicioso que nunca. Para los fanáticos del buen metal con alma clásica pero mirada al futuro, el 6 de junio será una fecha marcada en rojo.

DESCENDENTS

IMATION

Org Music continúa su ambicioso proyecto de reedición del catálogo de los Descendents con Enjoy!, el tercer capítulo de una campaña que celebra los cimientos de la banda y que comenzó tras recuperar la propiedad de sus grabaciones maestras. Lanzado originalmente en 1986, Enjoy! captura a los Descendents entregándose por completo a sus instintos: canciones cortas, rápidas, orientadas a la melodía, que equilibran el humor juvenil con una composición afilada y una urgencia inconfundible. Para entonces, la banda ya había ayudado a definir lo que más tarde se conocería como pop punk, pero con este álbum expandieron la fórmula sin perder ni un ápice de intensidad. Temas como Hürtin' Crüe y Get the Time canalizan la irreverencia a través de la velocidad, la melodía y la tensión, mientras que toques sutiles de new wave y pop —incluyendo una versión punketizada de Wendy de The Beach Boys― amplían el espectro sonoro de la banda sin desafilar su filo. Cuarenta años después, Enjoy! sigue siendo una entrega fundamental en el catálogo de los Descendents y un documento crucial de su evolución inquieta.

Esta nueva edición ya está disponible en LP, CD y casete, con múltiples variantes de vinilo de color. Producida en estrecha colaboración con la banda, la reedición devuelve Enjoy! a los estantes con una atención meticulosa a la presentación y el detalle. Entre las ofertas en vinilo destaca una edición limitada llamada Punk Note, exclusiva de Org Music, que presenta un empaque alternativo diseñado por John Yates (Stealworks), inspirado en los icónicos diseños de jazz de Reid Miles y Francis Wolff, cuyo trabajo ayudó a definir el sello Blue Note.

Esta reimaginación visual de los clásicos del punk continúa la serie estética que comenzó con las reediciones de Bad Brains de Org Music. Cada título de la serie Punk Note incluye nuevas notas de Andrew Sacher, editor senior de BrooklynVegan, y se presenta en una funda de lujo.

La reedición de Enjoy! llega después de las aclamadas reediciones de Milo Goes to College e I Don't Want to Grow Up, consolidándose como el tercer capítulo de un proyecto de archivo dedicado a mantener los discos esenciales de Descendents al alcance de los fans de toda la vida y de las nuevas generaciones. Las variantes disponibles incluyen vinilo negro, Wild Cherry, Green Green (exclusiva de la banda), Sour Grapes (Zia Records y Org Music), Bubblegum (Amoeba Records y BrooklynVegan), una edición en vinilo negro con obi strip exclusivo para Celebrated Summer Records, así como el CD y casetes en rosa y rojo (este último exclusivo de Tapehead City). Cuarenta años no han podido con la furia melódica de Descendents. Enjoy! sigue siendo un testimonio de que el punk, cuando es honesto, no caduca.

• TO THE 1865 FESTI
• JULK) / 117/ 2026
• REPUBLICA

DESPUES DE B AÑOS OTRA VEZ EN TIJUANA

• 7PM PRIMER BANDA
• REPUBLICA.
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OENTIJUANAHAYROCK

-Tygers of Pan Tang continúa demostrando que la NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal) sigue más viva que nunca. La legendaria agrupación británica lanzó el pasado 4 de mayo su nuevo sencillo y video Electrifyed . Se trata de un tema de alto voltaje que combina la garra clásica de la banda con una producción moderna, adelantando lo que será su próximo álbum de estudio.

-North West, la hija de Kanye West y Kim Kardashian, sorprendió al mundo del rap y el rock al lanzar su EP debut titulado North4evr. Con solo 12 años, la joven artista explora una fusión de rap y rock, demostrando que la música también corre por sus venas.

-En Paraguay, la música en vivo se tomará el puerto de Asunción con la segunda edición del festival Rock al Puerto, programado para el 23 de mayo. El cartel está encabezado por el legendario Andrés Calamaro, quien compartirá escenario con bandas argentinas de la talla de Estelares y la innovadora Usted Señálemelo, además de lo mejor de la escena local como Paiko y LaNuestra.

-David Lee Roth (ex-Van Halen) reveló en una reciente entrevista que el éxito mundial Jump fue escrito pensando en un público muy específico: las mujeres . La icónica canción fue compuesta a 126 BPM para que las chicas pudieran bailarla, buscando alejarse del rock más agresivo "para chicos" . Roth, quien sigue activo con presentaciones en solitario, interpretó el tema en el festival Stagecoach junto al cantante Teddy Swims, demostrando que la energía del rock clásico sigue vigente.

-En el ámbito de los festivales, la noticia más emotiva viene de Colombia: Rock al Parque celebrará sus 30 años con una programación especial que va más allá del escenario principal . El festival, que se ha consolidado como uno de los espacios culturales más importantes del país, expandirá su influencia por toda Bogotá con su iniciativa Rock al Parque llega a tu barrio, llevando la música a diferentes localidades de la capital . Además, se realizarán actividades paralelas como exposiciones, el lanzamiento de un libro conmemorativo, espacios de periodismo musical y una serie audiovisual, haciendo honor a tres décadas de historia del género en Colombia.

FORSAKEN PROFITS

ROAD RASH

FORSAKEN PROFIT$ (2026)

Forsaken Profit$ acaba de estrenar su más reciente trabajo, Road Rash, una descarga demoledora de sonido y actitud. Es un disco que no cede ni un segundo: un ataque frontal de punk, hardcore y thrash que los coloca en un nuevo nivel dentro de su carrera. Originarios de Atlanta, esta banda de skate punk y crossover thrash ha creado un álbum rápido, agresivo, crudo y orgullosamente DIY. Desde la primera escucha, Road Rash captura el caos de amplificadores reventados, noches sin fin y cero titubeos. Las nueve canciones -DTE, Chemical Burn, Kookslide, Decayed, Absolute Zero Knives, Avalanche y Last Hope Dawn— son golpes directos e intensos. No es ruido por ruido: es un conjunto que refleja lo que observan y lo que viven, siempre acompañado de aventuras llenas de adrenalina.

Lo que más destaca en Road Rash es la actitud totalmente frontal. La banda no escatima palabras ni energía: cada tema es directo, convincente porque es real. Forsaken Profit$ es una banda hecha en la calle, expresando con esa crudeza sus ideas y críticas a un mundo que se desmorona. Con influencias políticas y melódicas entrelazadas en su propulsión thrash, el álbum combina la velocidad del skate punk con la ferocidad del crossover, logrando un equilibrio perfecto entre himnos para romper huesos y momentos de reflexión ácida. No hay espacio para adornos: cada riff, cada grito y cada golpe de batería están al servicio de la urgencia.

Si hay una banda que realmente ha vivido y visto de todo, esa es Forsaken Profit$. Con Road Rash demuestran, una vez más, que no van a ninguna parte con un disco que solo revienta tímpanos, sino que también abre diálogos urgentes sobre el mundo que habitamos. Son frontales, directos y no vienen a jugar. Este álbum, que verá edición en vinilo desde hoy, es un recordatorio brutal de por qué el punk y el thrash nunca deben domesticarse ni convertirse en moda. Está hecho para quienes sudan, para quienes se lastiman, para quienes aún creen que la música puede ser un puñetazo sobre la mesa. Forsaken Profit$ acaba de elevar su propio estándar, y el resto de la escena haría bien en prestar atención.

ROAD RASH

GOTTLIEB

THE FAR FALLEN FRUIT

QUIET PANIC (2026)

Gottlieb por fin estrena su esperado disco debut, The Far Fallen Fruit, una violenta radiografía profunda que funciona como una observación punzante sobre todo lo que sucede a su alrededor. No es solo punk rock: es el espíritu real del rock and roll, ese que va del ruido atronador a momentos de melodía y musicalidad, pero con la agresividad natural como hilo conductor a través de diez canciones. El álbum logra capturar ese cóctel de un liderazgo fallido, del ataque a las libertades, contra la ira, de la codicia utilizada como un arma letal. Sin embargo, lejos de quedarse en la queja, la banda encabeza una poderosa resistencia en cada uno de los temas. Pipe Bomb, What Are You Worth?, American Blood, Dogs, Pt. 1 (Joy to Distract from Resistance), City on the Hill, Optimized Child, Dogs, Pt. 2 (The Far Fallen Fruit), I Started Carrying a Knife Today, White Vans y Sugar Packets componen un arsenal sonoro que no da tregua.

FAR FALLEN FRUIT

AXGELE

Completamente auto-producido —desde la grabación y mezcla hasta el arte · The Far Fallen Fruit captura a Gottlieb en su momento más directo y sin concesiones. Bebiendo de la tradición políticamente cargada de bandas como Ceremony, Crass y Refused, el grupo entrega un sonido volátil y melódico que se niega a separar la urgencia de la intención. Mientras gran parte del resurgimiento reciente del hardcore se apoya en la estética, Gottlieb utiliza el formato como un vehículo para confrontar la precariedad económica, la violencia sistémica y el costo psicológico de la vida moderna estadounidense. En el núcleo del álbum está lo que la banda describe como una ruptura generacional. "...Nuestra generación tiene una relación antagónica y mutuamente destructiva con los Estados Unidos...”, dice Joey Pescara (voz) .El ideal americano se ha derrumbado, y el sueño americano es algo que nos han obligado a rechazar - incluso mientras esperamos que aún pueda ser recuperado....". El bajista Dylan Marquez añade: "...Somos la primera generación proyectada para tener una vida más corta y de menor calidad que la de nuestros padres. La manzana ha caído muy, muy lejos del árbol...".

Lejos de ofrecer reforma o nostalgia, The Far Fallen Fruit se lee tanto como una elegía como una provocación: rechazando los sistemas heredados mientras empuja hacia algo más allá de ellos. "...Este álbum está dedicado a aquellos que están plantando mejores árboles, bajo cuya sombra nunca descansarán...", concluye Pescara. Es un disco que no solo se escucha, se vive a través de él: un espejo profundo, violento e incesante. Gottlieb es una banda de punk con conciencia política que opera desde una cooperativa en el centro de Los Ángeles. Mezclando la tensión del post-punk con la ferocidad del hardcore clásico, el grupo combina lirismo propagandístico con presentaciones explosivas y activismo abierto contra la violencia policial, ICE, los multimillonarios y la oligarquía. Gottlieb estará de gira por todo Estados Unidos en mayo y junio. Es imperdible verlos en vivo. Es de esas bandas que hacen que hierva la sangre al escucharlos.

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TOURFLIP

Mitch Harris, guitarrista de la legendaria banda de grindcore Napalm Death, conoce bien el dolor de girar. Mala planificación de rutas, ofertas perdidas, ingresos que nunca llegan. "...Construí TourFlip para que tú no tengas que pasar por eso...", sentencia. Y es que la industria musical independiente está en crisis: el streaming mató los ingresos por álbumes, la radio apenas apoya a nuevos artistas, y los costos no paran de subir. Combustible, viajes, todo es más caro. Los precios de los boletos suben, las tarifas de servicio también. Los fans pagan más, los artistas se llevan menos. Las bandas son las primeras en llegar, las últimas en salir y las últimas en cobrar. Los promoters y las salas también sufren, mientras los crew aún encuentran trabajo por recomendación verbal, y muchas ofertas nunca llegan a los artistas para los que fueron hechas.

TourFlip se lanzará oficialmente en el verano de 2026, y propone un modelo que elimina intermediarios y reduce costos. La plataforma permite contratación directa entre bandas y promotores de todo el mundo, sin necesidad de agentes tradicionales. Los fans pueden comprar boletos al precio original, sin cargos adicionales abusivos. Además, ofrece herramientas integradas para gestionar logística, pagos y costos operativos ―esos que suelen devorar la mayor parte de las ganancias de los músicos— y también incluye una red social y una tienda para vender mercancía directamente a la comunidad. Todo en un solo lugar.

Actualmente, en TourFlip.com los interesados pueden registrarse como Founding Supporters (Patrocinadores Fundadores). Los primeros en unirse recibirán una insignia permanente visible en su perfil, acceso anticipado a la plataforma y, para quienes contribuyan con $100 USD o más, seis meses de servicio Premium y una insignia de oro. En un mundo donde las bandas independientes cada vez tienen menos margen para sobrevivir, TourFlip llega como una herramienta hecha desde la trinchera, no desde un escritorio corporativo. Habrá que ver si la industria está lista para cambiar el chip. Pero al menos, alguien con experiencia real está intentando hacerlo.

MICHANTE

Así como dijo Karol Wojtyła en su emotiva visita a México en 1999: "Mi Chante se va, pero no del todo". Porque más allá de las cursilerías, queda un archivo de 25 programas disponible en ckut.ca/MI al que pueden acceder desde donde quieran y cuando quieran (o hasta que la estación cambie de servidor). En el último episodio, hicieron un breve recuento de lo acontecido entre abril de 2024 y marzo de 2026. En estos dos años, Mi Chante entrevistó a destacados artistas latinoamericanos como Natalia Lafourcade, Boogát, Gepe, Cha de Fobia, Meme del Real (Café Tacvba) y Pascual Reyes (San Pascualito Rey). También abordaron temas coyunturales como la guerra, la inteligencia artificial y los Juegos Olímpicos, así como asuntos que nos interpelan: migración, identidad, nostalgia, literatura, y tópicos de la industria musical como festivales, turismo musical, world music y radio.

Antes de cerrar el telón, el programa agradece a cada uno de sus colaboradores. A Paola Vázquez por sus siempre acertadas contribuciones con un agudo punto de vista sociológico, por su entusiasmo en redes sociales y por su brillante sección América Latina Livre. A Roberto Romero por su contrapunto filosófico y por su aporte con invitados de diversos ámbitos fuera del musical.

MI CHANTE

CKUT 90.3 FM MONTREAL

A Angel Montaña por seguirles la corriente con esa idea surgida de una reunioncita y por heredarles los seguidores de AcidConga y World Groove. A Vicente Carcaño por su sección BOTPRONTO, por conseguir invitados musicales y por encargarse de las relaciones públicas y la distribución del newsletter. También agradecen a Jack Solar, coordinadora de contenidos hablados de CKUT, por aceptar la propuesta, y a Spencer Gilley por facilitarles el equipo necesario.

El programa extiende su gratitud a todos los invitados: Niña Dioz, Púrpura de Cascabel, B-Girl Swami, Son Rompe Pera, Pahua, Víctor Robles, Petite Amie, Same Sky, El Balcón, La Zorra Zapata, Yaride Rizk, Espanglish, Ximena Holuigue, Jorge "Bacanauta", Michelle Pamtre, Daniel Barbedillo, Kujipy, Julián Woodside, Other Partido Lara, Sergio Arbelaez, Ceci Bastida y Líber Terán. Pero sobre todo, al público. Porque la radio es un diálogo, un ida y vuelta, un canal de dos vías. En la última colaboración de BOTPRONTO, Chentes Carcaño presenta un proyecto que remite a la nostalgia: Gunther y los Royal Folks crean una nueva versión del tema Marzo, 16 años después de su estreno. BOTPRONTO agradece a Mi Chante, en especial a Carlos Ascencio, por el espacio otorgado para presentar propuestas destacadas. "...Ha sido un gran placer sumar a este gran esfuerzo...", concluyen. "...Deseamos que no sea la última vez que hagamos algo en conjunto y que nos volvamos a encontrar...". Mi Chante se va, pero no del todo. Y mientras el archivo esté vivo, seguirá siendo puente, memoria y futuro.

• NUE MUERTOS
• TIERRA Y HUESOS
• INVITADOS
• BORDO BEAT PERDICIÓN DISORROR
• COOP
• VOLUNTARIA

UABC RADIO

UABC Radio

La historia de la radio en Baja California no puede contarse sin el aporte de la radio cultural y pública. Y en ese relato, el referente principal y definitivo es UABC Radio, que en 2026 celebra su 50 aniversario. Cinco décadas dando voz a la comunidad fronteriza con contenidos diversos. Todo comenzó en 1976, cuando en Mexicali, capital del estado, se fundó la XHUA-FM 104.1. Posteriormente emergió la XHUAC-FM 95.5 en Ensenada, y desde hace un cuarto de siglo está vigente la XEUABC-AM 1630 AM. Con el tiempo, la emisora ha evolucionado en conceptos y también en innovaciones tecnológicas, adaptándose a las exigencias de cada época.

UABC Radio es la emisora oficial de la Universidad Autónoma de Baja California, dedicada a la difusión cultural, académica y estudiantil en el estado. Transmite contenido variado las 24 horas del día: noticias, ciencia, música y entretenimiento, con una parrilla diversa que refleja la vida universitaria. La estación transmite a través de una señal radial unificada que permite integrar contenidos locales a una programación estatal. Además, cuenta con un portal en Internet que ofrece escucha en vivo y descarga de contenidos, llegando a quienes prefieren este formato. Producir y transmitir contenidos que pongan al alcance de las audiencias los conocimientos científicos, humanísticos y artísticos generados en la universidad es su misión. Cada una de las emisoras del Sistema Universitario de Radio y Televisión Digital se ha posicionado como una opción diferente en el ecosistema mediático y como un referente confiable para la comunidad en general, contribuyendo a la formación integral y ciudadana con respeto a la diversidad y los derechos humanos.

La celebración del 50 aniversario se realizará en dos ciudades con dos conversatorios en los que participarán representantes de otras instituciones del país. En Mexicali, el 13 de mayo se llevará a cabo la primera charla: La Radio Universitaria: Espacio sonoro de diversidad, saberes y debate. El valor de lo público en el entorno digital a cargo de la profesora e investigadora Patricia Ortega (UAM, CDMX). En Tijuana, el 20 de mayo se realizará el panel Radio, comunidad y frontera con Carlos Lara (Radio Universidad Autónoma de Tlaxcala) y Andrés Tinoco (Radio Universidad Autónoma de Yucatán). Cinco décadas después, UABC Radio sigue siendo un faro cultural en la frontera, demostrando que la radio pública no solo sobrevive, sino que sigue siendo necesaria.

UN PODCAST DE EN TIJUANA HAY ROCK rebrandly/escuchasonido75 sptfy.bio/sonido75

BAJA CALIFORNIA

LINKTR.EE/RUTAMEDIOSBC

COVVER.COM/ENTIJUANAHAYROCKREVISTA