Castellanos- Guio- Tovar- Tovar - Entrega final – Diseño de Producción
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Paris. Francia
La década de 1970 en Francia representó una ruptura con el orden de la posguerra, marcada por la crisis del modelo político gaullista, el auge del liberalismo y nuevas luchas sociales como el feminismo y los derechos de los inmigrantes; al mismo tiempo, las crisis económicas transformaron la estructura productiva hacia los servicios, mientras que en la cultura, la arquitectura y la moda surgieron expresiones modernas que reflejaban una sociedad más diversa, crítica y en proceso de redefinir su identidad.
El inicio de una "Mutación profunda" Los años 70s no fueron solo una década cronológica, sino un periodo de transición crítica donde Francia intentó reconciliar su tradición estatista con una realidad política fragmentada. Este periodo marca el final de las "Trente Glorieuses" (1945-1975) y el inicio de lo que se describe como el origen de nuestra modernidad actual. Para entonces, se produjo un colapso del consenso tecnocrático de la posguerra, dando paso a un sentimiento de confusión y desubicación entre las élites intelectuales. Fue una década marcada por la duda, pero también por la invención de nuevas formas de vida
Figura 1. Funeral de Charles de Gaulle en Francia (1970). La muerte del líder simbolizó el fin de una era de estabilidad política y el inicio de una etapa de incertidumbre y transformación en la sociedad francesa.
Figura 2. Georges Pompidou y Valéry Giscard d'Estaing durante la década de 1970, representantes de una nueva generación de líderes que reemplazaron el personalismo gaullista por una política más pragmática, técnica y orientada a la modernización de Francia.
La muerte de Charles de Gaulle en 1970 simbolizó el fin de una era de "grandeur" personalista y el inicio de una política más modesta y pragmática.
Surgió un nuevo estilo de liderazgo con Georges Pompidou y Valéry Giscard d'Estaing, quienes buscaron modernizar el país mediante la técnica y el liberalismo, alejándose de la figura del "salvador" nacional
Figura 3. Manifestación feminista del Mouvement de Libération des Femmes (MLF) en Francia, década de 1970. Estos movimientos reflejan el desplazamiento de las grandes ideologías hacia nuevas formas de acción política centradas en identidades y derechos específicos.
La vida intelectual francesa vivió un cambio sísmico: el marxismo perdió su hegemonía frente a un renacimiento liberal que promovía un Estado más modesto. Este cambio permitió el surgimiento de la "política de identidad", donde las narrativas de grupos específicos (mujeres, inmigrantes, ecologistas) reemplazaron a las grandes ideologías de clase
"La cultura política de los años 70 se caracteriza por un intento de repensar la democracia francesa fuera del marco de la confrontación ideológica total" (Ziegler, 2011, p. 44).
La inauguración del Centro Pompidou (1977) en el área del Plateau Beaubourg se consolidó como uno de los símbolos más representativos de la modernidad cultural en la Francia de los años setenta. Su arquitectura industrial, caracterizada por estructuras expuestas y tubos de colores, rompió de manera radical con la estética clásica parisina, generando un debate nacional comparable al que en su momento suscitó la Torre Eiffel. Este tipo de intervención urbana reflejaba una transformación más profunda en la concepción del espacio y la cultura, en un contexto en el que los modelos tradicionales de la posguerra comenzaban a ser cuestionados y reemplazados por propuestas más experimentales y abiertas.
En paralelo, el ámbito artístico evidenció una crisis de los grandes relatos ideológicos y una inclinación hacia lenguajes más fragmentados y esenciales. Movimientos como Support-Surface buscaron reducir el arte a sus componentes básicos, mientras que artistas como Joseph Beuys ampliaron la práctica artística hacia la acción y la performance, redefiniendo la relación entre el individuo, la naturaleza y el espacio social. Este giro se relaciona con las transformaciones urbanas del periodo, donde los grandes proyectos modernistas comenzaron a ser criticados por su desconexión con la vida cotidiana, evidenciando así una transición hacia nuevas formas de entender la modernidad.
Figura 4. Joseph Beuys durante la performance I Like America and America Likes Me (1974), una práctica artística que ejemplifica el giro de los años setenta hacia nuevas formas de expresión que replantearon la relación entre arte, sociedad y espacio (Beuys, 1974).
Figura 5. Valéry Giscard d'Estaing en su etapa presidencial en la década de 1970, figura central de la transformación política francesa hacia una "sociedad liberal avanzada" (Giscard d'Estaing, 1970s).
Durante los 70s Georges Pompidou impulsó proyectos industriales masivos como el Concorde y el tren de alta velocidad (TGV). Tras su muerte en 1974, Valéry Giscard d'Estaing promovió una "sociedad liberal avanzada", legalizando el aborto y reduciendo la edad de voto a los 18 años. Giscard introdujo una sensibilidad ambientalista, deteniendo proyectos de autopistas urbanas y limitando la construcción de torres de gran altura en el centro de París. En 1977, Jacques Chirac fue elegido como el primer alcalde de París en más de un siglo, tras una reforma constitucional impulsada en 1975. Esto otorgó a la ciudad una independencia administrativa del Estado central que no tenía desde la Revolución.
La década de los 70 fue el periodo de la emancipación definitiva de la mujer. Bajo el liderazgo de figuras como Simone Veil, se aprobaron leyes clave para la autonomía femenina y la liberación sexual.
La inmigración se convirtió en un eje central del activismo social; surgieron movimientos por los derechos de los trabajadores extranjeros y se empezó a cuestionar el pasado colonial de Francia. Los grandes conjuntos habitacionales como Hautepierre reflejaron una nueva realidad social marcada por la segregación y la falta de cohesión. El concepto de "urbanidad" se convirtió en un campo de batalla entre la utopía de los arquitectos y el espacio vivido por los habitantes.
"La urbanidad pasa por una apropiación colectiva del espacio público sin que este sea capturado por grupos específicos" (Ziegler, 2011, p. 67).
Las crisis de 1973 y 1979 pusieron fin al crecimiento ininterrumpido de la posguerra. La inflación y el desempleo se convirtieron en problemas estructurales que obligaron a frenar los ambiciosos planes de construcción de viviendas sociales industrializadas.
Además, el desempleo en barrios como Hautepierre alcanzó el 25% ya en 1975, muy por encima de la media nacional París aceleró su desindustrialización, perdiendo miles de empleos en fábricas (como la de Citroën) para transformarse en una capital financiera y turística.
Entre 1971 y 1973, la industria parisina perdió 42,000 empleos, mientras que el sector terciario (servicios) ganó 172,000, cambiando drásticamente el perfil del trabajador parisino.
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Figura 6. Trabajadores en la industria automotriz parisina durante el proceso de reestructuración y pérdida de empleo industrial en los años setenta, en el contexto de la crisis económica posterior a 1973 (Wikimedia Commons, s. f.).
Predominó un urbanismo basado en la industrialización, la normalización y la repetición. Las formas arquitectónicas estaban totalmente subordinadas a la producción masiva de viviendas para satisfacer la demanda urgente de la época. El diseño se centraba en la gestión racional del espacio, donde la utilidad y la técnica se convirtieron en las fuentes primarias de expresión formal, a menudo abandonando el enfoque en la sensibilidad estética
El barrio de Hautepierre es el ejemplo máximo de este uso de la geometría racionalizada mediante una malla hexagonal (nido de abeja) [1, p. 19]. El objetivo era crear "unidades de vecindario" autónomas donde el tráfico vehicular se separara estrictamente de los peatones mediante un sistema de niveles y circulaciones sin cruces [1, Figura 7. Vista del barrio de Hautepierre, donde el urbanismo moderno de los años setenta aplicó una malla geométrica tipo "nido de abeja" para organizar las viviendas y separar completamente el tráfico vehicular de los peatones dentro de unidades vecinales autónomas (Wikimedia Commons, s. f.).
La década vio el auge y caída de los proyectos monumentales. La Torre Montparnasse (1969-1973), con sus 210 metros, alteró drásticamente la silueta de París y generó un rechazo social tan fuerte que llevó a la prohibición de edificios de gran altura en el centro de la ciudad durante décadas. Los parisinos sentían que estos proyectos representaban una modernidad "inhumana".
Paralelamente, el Centro Pompidou (1977) introdujo una arquitectura ultramoderna que exponía sus sistemas internos (tubos, conductos), desafiando el clasicismo circundante. Frente a esto, surgió una revalorización de los barrios antiguos mediante el "fachadismo", que consistía en conservar las fachadas históricas (como en Le Marais) mientras se modernizaban radicalmente los interiores. Existió una tensión entre el deseo de los arquitectos de crear espacios orgánicos y la presión de los promotores por la rentabilidad. En el proyecto inicial de Hautepierre, llamado "Fougères" (1964), se proponía una arquitectura más libre y variada antes de ser simplificada y racionalizada por las exigencias financieras de las constructoras industriales.
Este periodo marcó el fin de la era de los grandes conjuntos habitacionales masivos, reconociendo el "malaise" (malestar) y el aislamiento que estos generaban en sus habitantes debido a la falta de escala humana en su diseño.
Figura 8. La modernización urbana en París durante los años setenta osciló entre proyectos monumentales como la Tour Montparnasse y el Centre Pompidou, generando rechazo y debate social sobre la "escala humana" de la ciudad. En paralelo, barrios como Le Marais y conjuntos como Hautepierre reflejan la tensión entre modernización, rentabilidad y conservación urbana en la arquitectura francesa de la época (Wikimedia Commons, s. f.).
Figura 9. El auge del prêt-à-porter en los años setenta, liderado por diseñadores como Yves Saint Laurent, democratizó la moda parisina al trasladar el estilo de la alta costura hacia prendas accesibles para una generación, consolidando a París como capital creativa adaptada a los cambios sociales (Wikimedia nueva
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Commons, s. f.).
Los años 70 marcaron un cambio sísmico en París: la Alta Costura exclusiva cedió ante el Prêt-à-Porter (listo para usar). Como respuesta a los cambios sociales de la juventud, los diseñadores comenzaron a producir prendas de calidad masivamente a precios asequibles, permitiendo que la moda de lujo convergiera con la ropa de uso diario. París consolidó su posición como capital creativa al adaptar sus diseños a las demandas de una nueva generación. Diseñadores como Yves Saint Laurent lideraron este movimiento, logrando que el estilo chic parisino fuera accesible para el gran público, no solo para la élite tradicional. La moda se convirtió en un símbolo de expresión individual y lucha por la igualdad. Las mujeres abandonaron los corsés y adornos excesivos en favor de cortes minimalistas y prácticos. Los vaqueros (jeans) se popularizaron como la prenda unisex definitiva, rompiendo barreras de género y clase social.
La moda de esta era se definió por ser "simple, chic y empoderadora", permitiendo a las mujeres liberarse de las normas sociales generacionales mediante prendas funcionales que no sacrificaban el estilo.
La moda en los 70 se entrelazó profundamente con la cultura de las celebridades. Figuras como Jane Birkin y Bianca Jagger se convirtieron en referentes internacionales, dictando tendencias de minimalismo chic que fueron adoptadas globalmente. Sin embargo, París comenzó a enfrentar una competencia creciente de otras ciudades como Milán, Nueva York y Londres. Sin embargo, a pesar de la competencia, París logró mantenerse como el epicentro de la innovación constante, gracias a su capacidad de integrar los cambios sociales de la calle en la industria del lujo, creando tendencias que todavía influyen en la moda actual.
Figura 10. Jane Birkin y Bianca Jagger definieron el estilo minimalista chic de los años setenta, consolidando la influencia global de la moda parisina (Wikimedia Commons, s. f.).
Cartagena Colombia
En la Colombia de los años 70, y especialmente en Cartagena, se cruzaron cambios urbanos, tensiones políticas, crisis sociales y una economía que empezaba a reorientarse hacia el turismo, los servicios y actividades informales e ilegales. Esta fue una etapa de transición frustrada: salía el pacto del Frente Nacional, pero persistían la exclusión política, la desigualdad social, la crisis económica y la violencia, mientras crecían nuevas formas de protesta, insurgencia y economías ilegales. Cartagena en los 70 tenía una arquitectura en transición hacia lo moderno y una moda marcada por la influencia internacional, pero ambas cosas estaban adaptadas a la realidad caribeña: clima, desigualdad, turismo y crecimiento urbano. Esa combinación hizo que la ciudad cambiara rápido sin perder del todo su identidad histórica.
Tras el fin del Frente Nacional en 1974, Colombia entró en una crisis de legitimidad política que favoreció la aparición de grupos insurgentes como el M-19, motivados por denuncias de fraude electoral. En los años siguientes, el gobierno de Turbay Ayala adoptó una política represiva mediante el Estatuto de Seguridad, caracterizada por censura y control estatal para enfrentar la subversión. Paralelamente, en Cartagena se mantuvieron lineamientos urbanos antiguos (del Plan Regulador de 1948), mientras se impulsaban nuevos proyectos de renovación urbana, especialmente en la zona suroriental, con apoyo del Banco Mundial.
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Figura 11. M-19. Última fotografía del Comando Superior del M-19. Nota. Autor desconocido, 1985. Archivo El Tiempo. © Casa Editorial El Tiempo S.A.
Durante los años 70, Cartagena vivió una fuerte crisis social caracterizada por altos niveles de desempleo (17.8% en 1973) y un déficit de vivienda que el Estado no logró cubrir. Esto provocó la expansión de "tugurios" o barrios de invasión, especialmente en sectores populares. Frente a la falta de oportunidades, muchos cartageneros migraron a Venezuela durante su bonanza petrolera; las remesas que enviaban se convirtieron en un apoyo clave para mejorar las viviendas en zonas como la suroriental. A este panorama se sumó el terremoto del 5 de abril de 1975 (magnitud 5.7), que causó daños en barrios como Blas de Lezo y San Fernando, profundizando las condiciones de vulnerabilidad en la ciudad.
Figura 12. Calles de Cartagena. Nota. Fotografía de Hernán Díaz, 1976 (fecha aproximada). Archivo fotográfico. © Derechos reservados.
Figura 13. Zona industrial de Mamonal, Cartagena.
Nota. Fotografía de autor desconocido, década de 1970. Archivo fotográfico. © Derechos reservados.
La economía del país y especialmente de Cartagena se vio fuertemente marcada por economías Ilegales ya que en 1974 inició la "Bonanza Marimbera", con una entrada masiva de dólares por la exportación ilícita de marihuana en la costa Caribe. La industrialización, se consolidó el cluster petroquímico en Mamonal tras la apertura de la refinería de Intercol (1957), instalándose plantas como Amocar y Abocol que dinamizaron la base económica local, y el turismo en Auge: Entre 1967 y 1981, la oferta hotelera en Bocagrande creció de 500 a 2,500 habitaciones con la construcción de hitos como el Hotel Hilton y el Cartagena Real.
El arte dejó de centrarse en la representación tradicional para priorizar el contenido y la experimentación. Artistas como María de la Paz Jaramillo utilizaron el lenguaje pop no para banalizar la sociedad, sino para expresar ideas revolucionarias y realizar críticas sociales a través de imágenes vibrantes que capturaban a personajes desapercibidos por la élite. La internacionalización de la Cultura bajo el liderazgo de figuras como Marta Traba, se impulsó la salida del regionalismo artístico. Cartagena y el país se conectaron con el mundo mediante la divulgación en revistas especializadas (como Arte en Colombia) y la llegada de exposiciones internacionales de gran envergadura (Warhol, Bacon, Giacometti).
Figura 14. De la serie Parejas. Nota. Fotografía de Edward Lora de una obra de María de la Paz Jaramillo. Edward Lora.
Influencia de la Contracultura: El auge del rock and roll, el punk y el metal introdujo códigos de vestimenta más agresivos y permisivos. Esto incluyó peinados poco convencionales, maquillaje extravagante y accesorios cargados de rebeldía
Punto de Inflexión: Los años 70 marcaron el cierre del ciclo de la "época de oro" (1940-1960) de la arquitectura moderna en Cartagena, dando paso a una etapa de decadencia estilística, con la pérdida de calidad la arquitectura de esta década se alejó del rigor funcional y bioclimático anterior. Se describe como una arquitectura pobre en calidad espacial y material, que carecía de un lenguaje formal claro. Se dejaron de lado las "hazañas" de ingeniería y diseño que permitían la simbiosis con el clima caribeño (como el uso magistral de aleros y calados), priorizando construcciones que no respondían a las determinantes físicas del entorno.
"Para la década 1960-70, la arquitectura que se adelanta en la ciudad adopta otras tendencias... Edificios con mayor altura, nada dicientes formal ni funcionalmente" (Zabaleta, 2017, p. 47).
Figura 15. Arquitectura moderna en Bocagrande, Cartagena. Nota. Tomado de Arquitectura moderna en Cartagena de Indias, 1970.
Durante los 70 se intensificó la explotación del mercado turístico, lo que atrajo inversionistas y disparó la construcción de edificios de gran altura. En sectores como Bocagrande, Castillogrande y El Laguito, se impuso una arquitectura tipo "Miami", caracterizada por torres de apartamentos de alta densidad que carecían de los atributos estéticos de la modernidad previa. Esto desató la desaparición del Patrimonio pues la fiebre constructiva resultó nefasta para la historia urbana, ya que borró del mapa numerosos ejemplos de arquitectura residencial moderna de las décadas de 1930 a 1960 para abrir espacio a las nuevas torres. Este proceso transformó el sector turístico en lo que las fuentes denominan el "Manhattan Colombiano", un paisaje urbano denso y desprovisto de valores formales significativos en comparación con el diálogo armonioso del pasado.
70, Colombia y Cartagena experimentaron lo que Gonzalo Arango denominó un "cambio de ritmo en todo", una nueva sensibilidad que transformó la vida cotidiana, las costumbres y la moda. Este periodo marcó una ruptura definitiva con los canones conservadores y tradicionales de décadas anteriores. Influenciada por los medios de comunicación y la publicidad, surgió una fuerte inclinación hacia la ropa unisex y el uso de indumentaria deportiva como vestimenta de diario. La vestimenta se caracterizó por la primacía de colores vivos y radiantes, junto con el uso de estampados florales y rayas (horizontales y verticales) tanto en suéteres como en camisas. El auge del rock and roll, el punk y el metal introdujo códigos de vestimenta más agresivos y permisivos. Esto incluyó peinados poco convencionales, maquillaje extravagante y accesorios cargados de rebeldía
Durante los años
Figura 16. Así se vestian en Colombia en los años 80, ¿cuánto ha cambiado? Nota. Tomado de El Espectador.
El rastro de tu sangre sobre la nieve
El rastro de tu sangre sobre la nieve se sitúa en 1976 y se desarrolla en dos tiempos claramente diferenciados. El presente transcurre en París, en pleno invierno, dentro de un entorno europeo que combina el lujo clásico con la frialdad urbana. Los flashbacks nos trasladan a Cartagena de Indias en 1975, meses anteriores al viaje de Europa, cuando la relación aún se construía.
El concepto visual de la historia gira en torno a la idea de la ausencia y el desangrado como presagio narrativo; por ello, la sangre no llega de golpe; llega anunciada, filtrada en los tonos del ambiente, en la tela de los vestidos, en el tapizado de un sofá, en la mancha que aparece donde no debería haber ninguna, todos estos índices funcionan como anticipaciones simbólicas del destino de Nena Daconte: la muerte. Estos elementos no son decorativos, sino señales que se intensifican a medida que la historia avanza. Además, la división temporal entre el Cartagena luminoso del pasado y el París frío del presente se sostiene visualmente a través de una paleta que cambia: los colores cálidos, saturados y orgánicos del Caribe dan paso al terreno parisino, lentamente, a los azules plomizos, los grises de cemento y los blancos de nieve sucia de la ciudad europea.
A través del vestuario y la construcción de los espacios, pues, por el lado de las prendas: Nena Daconte, en Cartagena, viste con la ligereza y la alegría de quien no sabe que está viviendo sus últimos días de despreocupación. Sus atuendos son de algodón y lino en tonos vivos: amarillo, naranja, blanco, verde. Las telas son sueltas, transpirables, con caídas naturales y arrugas propias del calor. Los tejidos tienen una textura orgánica, ligeramente irregular: son prendas de alta costura propias una joven adinerada que sabe vestir sin esfuerzo aparente. Los accesorios son delicados: aretes de oro pequeños, sandalias de cuero natural, el cabello suelto o recogido sin formalidad.
En Paris, inicia su viaje con un abrigo largo de nucas de visón con corte princesa y botones, sobre esto una falda de algodón, blusa de ceda y en sus pies botas de tacón bajo con puntera de charol. La ropa de Nena en Europa narró su descenso, pues es elegante, densa, de tonalidades frías que se integran perfectamente al paisaje extranjero, como si al alejarse del Caribe también su cuerpo se hubiera enfriado hacia afuera. La textura de sus prendas en París es pesada y estructurada: lanas gruesas, sedas frías, cueros rígidos. El deterioro del vestuario de Nena es el deterioro de su cuerpo: conforme la herida del dedo avanza sin que nadie lo advierta, sus prendas comienzan a acumular las marcas de lo que no puede decirse. Es el registro de su muerte lenta.
En el pasado cartagenero, Billy viste con camisas llamativas, de tela ligera con colores vivos y saturados o blanco, cadenas rodeando su cuello y en sus piernas usa pantalonetas con zapatos de plataforma o sandalias de cuero para la playa. Esto inspira una textura visual de niño rico, holgado, feliz, cómodo, a quien el tiempo que no le corre y es dueño de un cuerpo que se mueve sin ataduras.
En el presente adoptará prendas que reflejen su desesperación y la situación que está atravesando, entendiendo que su vida ha pasado de noviazgos momentáneos a ser esposo de Nena y que las circunstancias han cambiado; esto incluirá ropa elegante como su gorra beisbolera, su chaqueta para invierno, su pantalón bota campana y sus zapatos de plataforma que, a lo largo de la historia, se irán ensuciando de nieve descongelada, barro y polvo, ya que Nena no estaba con él y ella tenía todos los documentos y las llaves de la maleta en su bolso. La ropa que lleva puesta se convierte en su única armadura, y esa armadura se va deshaciendo ante nuestros ojos. Al final, Billy esta sucio porque la ausencia lo ha ido ensuciando sin que él lo hubiera elegido.
La cafetería será cálida, generando un contraste entre el frío del exterior y la calidez del interior; no obstante, Billy entrará allí y también producirá un contraste dentro de este espacio debido a sus atuendos invernales y al cambio en su expresión facial; mientras más frecuente sea su entrada a ese lugar, las ojeras y la resequedad en los labios se intensificarán de manera moderada. En este lugar las paredes están revestidas con paneles de madera en tono miel oscuro, con vetas visibles que recuerdan la antigüedad de la madera. La pintura en las zonas sin paneles es de un marfil envejecido, con pequeñas marcas de humedad en las esquinas superiores que no son suciedad, sino tiempo. El piso es de baldosa rectangular color blanco con manchas de suciedad y las juntas oscurecidas por el uso, ligeramente irregulares en algunas zonas.
El área de café ocupa la barra central: una estructura de madera maciza con un mesón de mármol en tonos crema, desgastado en los bordes por años de apoyo. Sobre la barra reposan tazas de porcelana blanca con pequeños bordes dorados, levemente desportillados. Una cafetera de metal con pequeños rayones domina el fondo. Los estantes colgados arriba del mesón exhiben frascos de vidrio con azúcar y especias.
Las lámparas de pared son lámina envejecido con vidrio mate, distribuidas a intervalos irregulares. Su luz es amarilla-anaranjada, cálida pero insuficiente para iluminar completamente cada rincón, generando zonas de penumbra suave en los bordes del espacio. El ventanal grande que da a la calle es el elemento más importante de la cafetería: sus marcos son de madera pintada de marrón, con la pintura descascarillada en las esquinas. A través del vidrio, ligeramente empañado por la diferencia de temperatura, se ve el exterior gris y frío. Ese ventanal es la división entre el adentro y el afuera, entre la calidez y la realidad del invierno que espera a Billy cada vez que sale.
Los muebles son mesas pequeñas de madera con madera veteada, rodeadas de sillas de madera con asientos tapizados en tela de lana y el espaldar con tejido de lona en tonos beige. Sobre las mesas colocan cucharillas de metal manchadas de uso, servilletas desechables dobladas en triángulo. La disposición es ordenada, pero no impecable: hay algo cotidiano y levemente descuidado que humaniza el espacio. Nada de esto es ostentoso; todo es modesto y persistente.
El hotel acompañará al personaje, un espacio de desesperación y soledad contenida, pues, debido a que es un hotel de una estrella en Francia, no cuenta con muchas comodidades y lujos, aunque sí estará limpio; la habitación tiene paredes de yeso pintadas en blanco hueso, con pequeñas imperfecciones visibles: una grieta fina cerca del piso, una mancha de agua antigua en el techo que el personal intentó cubrir con pintura pero a pesar de sus intentos se nota. El techo es bajo, con molduras sencillas de yeso sin detalle alguno. El piso es de madera oscura, con tablones estrechos y acabado mate por el uso, con tablas sin ajustar que hará crujir el suelo levemente al caminar. Esta textura le recordará a Billy la desgracia que esta por vivir y desesperación de la incertidumbre.
La cama es de estructura metálica pintada en café opaco, sin cabecero decorativo, con solo el marco y el colchón cubierto por sábanas de lino grueso y rígido en blanco deteriorado. La textura de esas sábanas es áspera al tacto, con el tejido apretado y pesado. Hay una almohada única, cubierta por una funda con manchas leves color amarillo y costuras básicas en el borde.
Los muebles son escasos y funcionales: un armario de madera café oscuro con puertas que no cierran del todo y cuyas bisagras están levemente oxidadas; una mesita de noche con cajón cuya chapa de madera está despegándose en una esquina; cortinas levemente descosidas en la parte inferior y poco oscuras, una lámpara de mesa un poco oxidada. En el baño habrá azulejos amarillos de formato pequeño, con juntas grises oscurecidas, una ducha de metal semi-oxidado con pequeñas manchas de óxido en el desagüe, y un espejo levemente deteriorado en los bordes, que refleja una imagen ligeramente difusa.
El corredor del hotel es el espacio más opresivo y desolado. Las lámparas de pared son de latón oscuro con vidrio blanco pequeño, colocadas a intervalos que dejan zonas de luz insuficiente entre ellas. Las puertas de las habitaciones son de madera maciza pintada en marrón, con numeración en láminas de metal opacas y chapas levemente oxidadas que funcionan pero que requerirá paciencia. Este corredor, que Billy pasa repetidas veces, se convierte en una especia recordatorio doméstico: un espacio de tránsito que no lleva a ningún lugar seguro. La recepción tendrá un pequeño cubículo de madera con una campana oxidada y un teléfono antiguo, enfrente una silla de madera con asiento de cuero marrón cuarteado por el uso.
Todo esto se realizará para acompañar el concepto de ausencia de su esposa y reflejar los sentimientos de desesperación y negativos que estā sintiendo Billy, aunque tiene algunos índices simbólicos que lo pueden llevar a conclusiones sin fundamentos, ya que desde que la interno no ha logrado verla desde entonces, obligándolo a esperar sin recibir ninguna información debido a su deficiente manejo del idioma.
La elección del set denotativo como modelo de construcción escénica para esta historia responde a una comprensión precisa del lugar que deben ocupar los espacios en relación con los personajes. El set denotativo es aquel que cumple su función de ubicar espacial y temporalmente la acción, de proporcionar un ambiente atmosférico coherente, sin competir con los personajes por la atención del espectador. No busca ser visto: busca ser sentido. Este no se centra en la exhibición sino en complementar; no en la sorpresa sino en construir un mundo reconocible y que ayude a desarrollar el personaje.
En el caso de esta historia, donde todo el peso dramático recae sobre dos personajes que viven una experiencia de desconexión radical, el espacio debe funcionar como un testigo silencioso que no toma partido. La cafetería no hace énfasis en el dolor de Billy: lo rodea con su calidez indiferente. El hotel intensifica la desesperación y ausencia de su esposa junto con sus comodidades. El set, no va a ser protagonista porque sea irrelevante, sino porque ha sido construido con tal coherencia interna para que el espectador sienta más cercano el personaje.
El rastro de tu sangre sobre la nieve
La estética de Cartagena dentro de la historia está construida desde la memoria, el deseo y la idealización del amor antes de la tragedia. A diferencia de París, Cartagena representa el espacio emocional donde Billy Sánchez y Nena Daconte todavía viven desde la juventud, la libertad y el enamoramiento. Por esta razón, la propuesta visual utiliza colores cálidos, vegetación abundante, materiales orgánicos y una luz tropical intensa que envuelve constantemente a los personajes. La ciudad se percibe casi como un recuerdo romántico: viva, húmeda, luminosa y profundamente sensorial.
Como primer referente tomamos la película Call me by your name. Este referente funciona principalmente por la construcción visual del enamoramiento desde el verano y la nostalgia. La película utiliza una fotografía cálida y orgánica, donde los tonos amarillos, verdes y dorados convierten los espacios naturales en una experiencia emocional. La luz solar constante, los cuerpos relajados y la sensación de libertad ayudan a representar la Cartagena que buscamos construir: un espacio vivo y romántico donde Billy y Nena todavía habitan una etapa despreocupada de sus vidas. También sirve como referencia para la relación entre juventud, deseo y memoria idealizada.
Figura 12 y 3. Fotogramas de Call Me by Your Name. La fotografía cálida, los tonos verdes y amarillos y el uso de luz natural funcionan como referencia para construir la Cartagena romántica, nostálgica y sensorial. Nota. Tomado de Film Grab (2019).
Como segundo referente consideramos que en la pelicula Sr y Sra Smith las escenas ambientadas en Colombia funcionan como referencia por el manejo de la temperatura cálida, los colores tropicales y la sensualidad de los personajes dentro del espacio latinoamericano. La película retrata ambientes húmedos, llenos de vegetación, con una fotografía dorada y saturada que transmite intensidad emocional y atracción física. Este referente ayuda especialmente a construir la química visual entre Billy y Nena, además de reforzar la idea de una Cartagena vibrante, seductora y excesiva.
Finalmente, consideramos que la pelucula El amor en los tiempos del cólera es un referente fundamental por su conexión directa con el universo visual y literario de Gabriel García Márquez. La película construye un Caribe nostálgico, elegante y profundamente emocional, donde la arquitectura colonial, los colores cálidos y la atmósfera tropical ayudan a crear una sensación de romanticismo trágico. La textura visual de los espacios, la humedad del ambiente y el uso de tonos amarillos, verdes y ocres funcionan como inspiración directa para representar la Cartagena de la historia como un lugar de amor intenso y memoria dolorosa. Además, el tratamiento visual del vestuario y los interiores aporta referencias importantes para la construcción estética de Billy y Nena dentro de una clase social alta caribeña de los años setenta.
Figura 12 y 3. Fotogramas de Mr. & Mrs. Smith. La iluminación cálida, los tonos tropicales y la ambientación sensual funcionan como referencia para construir la relación apasionada entre Billy Sánchez y Nena Daconte, así como la estética cálida y vibrante de Cartagena. Nota. Dirigida por Doug Liman, 2005.
Figura 1 y 2. Fotogramas de Love in the Time of Cholera. La arquitectura colonial, la vegetación tropical y los tonos cálidos funcionan como referencia para construir la Cartagena nostálgica, elegante y romántica. Nota. Dirigida por Mike Newell, 2007.
La estética de París dentro de la historia está construida desde la frialdad emocional, la distancia y el deterioro progresivo de los personajes. A diferencia de Cartagena, donde predominan la vitalidad y el calor, París representa el espacio de la tragedia: una ciudad silenciosa, ajena y hostil donde Billy Sánchez experimenta la desesperación, la incertidumbre y la pérdida. La propuesta visual utiliza tonos fríos y desaturados, principalmente azules, grises y blancos opacos, acompañados por una iluminación dura y poco acogedora que enfatiza el invierno europeo y el aislamiento emocional de los personajes. La ciudad no se representa desde el romanticismo tradicional parisino, sino desde una mirada melancólica y distante que convierte los espacios en escenarios de espera y soledad.
La película Three Colors: Blue como referente funciona principalmente por la manera en que utiliza el color y la luz para representar el duelo y el vacío emocional. La película construye un París frío y silencioso a través de tonos azulados, grises y blancos apagados que generan una constante sensación de soledad. Los espacios amplios y la iluminación fría hacen que los personajes parezcan pequeños y emocionalmente aislados dentro de la ciudad. Este tratamiento visual sirve como referencia directa para representar el deterioro emocional de Billy Sánchez y la sensación de pérdida que atraviesa toda la etapa parisina de la historia.
RASSE
Figura 1, 2 y 3. Fotogramas de Three Colors: Blue. Los tonos fríos, la iluminación azulada y los espacios silenciosos funcionan como referencia para construir el París melancólico, distante y emocionalmente aislado de El rastro de tu sangre sobre la nieve. Nota. Dirigida por Krzysztof Kieślowski, 1993.
Como segundo referente queremos mencionar la pelicula muerte en invierno. Este referente aporta una estética profundamente fría y aislada, donde el invierno funciona como una presencia emocional constante. La película utiliza paisajes cubiertos de nieve, interiores silenciosos y una iluminación tenue para transmitir vulnerabilidad, angustia y sensación de encierro. Los tonos blancos, azules y grises generan una atmósfera opresiva que sirve como inspiración para representar la etapa parisina de la historia, especialmente el sentimiento de desorientación y soledad que atraviesa Billy mientras permanece lejos de Nena Daconte y de su propio entorno cultural.
Figura 1, 2, 3 y 4. Fotogramas de Dead of Winter. La presencia constante de nieve, los tonos fríos y los espacios silenciosos funcionan como referencia para construir la sensación de aislamiento, vulnerabilidad y desesperación en el París de la historia. Nota. Dirigida por Brian Kirk, 2025.
Como referente del Hotel como espacio en Barton Fink, este funciona principalmente por la construcción visual del hotel como un espacio opresivo, envejecido y emocionalmente desgastado. La película utiliza corredores vacíos, paredes deterioradas, iluminación insuficiente y muebles antiguos para crear una atmósfera constante de incomodidad y aislamiento. Aunque el hotel permanece limpio y funcional, nunca resulta acogedor; por el contrario, transmite una sensación de abandono silencioso y deterioro psicológico. La textura visual de los espacios -las paredes opacas, la madera envejecida, los colores apagados y la repetición de corredores y habitaciones sirve como referencia directa para construir el hotel de El rastro de tu sangre sobre la nieve. Este espacio acompaña emocionalmente la desesperación de Billy Sánchez y refuerza la idea de un personaje atrapado en un país extraño, aislado del idioma, de su entorno y cada vez más lejos de Nena Daconte.
Figura 1, 2, 3 y 4. Fotogramas de Barton Fink. Los corredores vacíos, la iluminación tenue y las texturas envejecidas funcionan como referencia para construir el hotel de París como un espacio opresivo, decadente y emocionalmente aislado en El rastro de tu sangre sobre la nieve. Nota. Dirigida por Joel Coen y Ethan Coen, 1991.
La construcción estética de Billy Sánchez cambia según el espacio emocional que ocupa dentro de la historia, y Saturday Night Fever funciona como un referente visual importante para representar especialmente su etapa en Cartagena. La película construye una masculinidad extravagante, carismática y profundamente performativa propia de los años setenta, donde el personaje utiliza su apariencia y su presencia física como una forma de ocupar el espacio y llamar constantemente la atención.
En Cartagena, Billy representa el exceso, la juventud y el carisma. Su vestuario está inspirado en la figura del “don Juan" caribeño de los años setenta: un hombre atractivo, seguro de sí mismo, extravagante y profundamente masculino. Se utilizan prendas abiertas, telas ligeras, cadenas, pantalones bota campana, zapatos de plataforma, colores vivos y estampados llamativos que reflejan una personalidad impulsiva y seductora. La intención es construir un personaje visualmente magnético, alguien que naturalmente domina los espacios que habita. En este sentido, Tony Manero sirve como referencia por la seguridad corporal y el carácter llamativo que proyecta a través de su vestuario y actitud.
Referentes visuales - Billy Sánchez
Taste it.
A Figura 1, 2 y 3. Fotogramas de Saturday Night Fever. El vestuario extravagante, los pantalones bota campana y la presencia masculina del personaje funcionan como referencia para construir la estética carismática, seductora y setentera de Billy Sánchez en Cartagena. Nota. Tomado de Papeles de los 70 (s. f.).
Su presencia física también dialoga con el clima cálido de Cartagena. Billy pertenece visualmente a ese espacio: el calor, la playa y la libertad parecen extenderse sobre su cuerpo y su manera de vestir. Todo en él transmite comodidad, movimiento y espontaneidad. Además, la iluminación cálida y la estética vibrante de Saturday Night Fever ayudan a reforzar la sensación de juventud, deseo y vitalidad que caracteriza la relación entre Billy Sánchez y Nena Daconte antes de la tragedia.
En París, aunque Billy mantiene cierta extravagancia en su apariencia, su vestuario se vuelve más pesado y serio. Continúa utilizando prendas elegantes y llamativas, pero ahora aparecen materiales más rígidos y colores más oscuros que acompañan el deterioro emocional del personaje. La nieve, el barro y el desgaste físico comienzan a acumularse sobre su ropa, haciendo visible el caos interno que atraviesa. Su apariencia deja de representar libertad y empieza a reflejar desesperación, reforzando visualmente la transformación emocional del personaje a lo largo de la historia.
La estética de Nena Daconte está construida desde la dualidad entre vitalidad y tragedia, y The Love Witch funciona como un referente visual importante para representar la fuerza estética y la presencia magnética del personaje. La película construye una feminidad elegante, sofisticada y profundamente llamativa a través de una estética setentera cargada de color, sensualidad y teatralidad. Elaine, la protagonista, ocupa visualmente cada espacio gracias a su vestuario, maquillaje y actitud corporal, elementos que dialogan directamente con la personalidad fuerte, decidida y dominante de Nena Daconte.
En Cartagena, Nena representa juventud, independencia y modernidad. Su vestuario toma inspiración de la moda femenina de los años setenta: prendas ligeras, siluetas libres, estampados y colores vivos que transmiten seguridad y sofisticación. Aunque es una mujer elegante y de clase alta, su imagen nunca se siente rígida; por el contrario, refleja una personalidad fuerte, decidida y liberal. The Love Witch sirve como referencia especialmente por el uso de colores intensos, siluetas femeninas estilizadas y accesorios elegantes que construyen una imagen femenina poderosa y visualmente inolvidable.
Referentes visuales - Nena Daconte
Figura 1, 2 y 3. Fotogramas de The Love Witch. Los colores saturados, la estética femenina setentera y el vestuario elegante y extravagante funcionan como referencia para construir la imagen de Nena Daconte como una mujer sofisticada, libre y visualmente magnética. Nota. Dirigida por Anna Biller, 2016.
Los materiales utilizados en sus prendas son suaves y orgánicos, como lino, algodón y seda ligera, permitiendo que el movimiento del cuerpo dialogue con el viento y el calor del Caribe. La intención es que Nena parezca viva, luminosa y libre. Además, la estética cálida y saturada de la película ayuda a reforzar la sensación de vitalidad, deseo y libertad que caracteriza a Nena durante su etapa en Cartagena junto a Billy Sánchez.
En París, su estética cambia de manera progresiva. Aunque sigue siendo elegante y extravagante, el vestuario adopta colores más fríos y estructuras más pesadas. Los abrigos largos, las telas gruesas y los tonos apagados comienzan a integrarla visualmente al paisaje invernal europeo. Su apariencia pierde progresivamente la ligereza que tenía en Cartagena, acompañando simbólicamente el deterioro de su cuerpo y el acercamiento a la muerte. De esta manera, la transformación visual del personaje mantiene su sofisticación, pero reemplaza la luminosidad tropical inicial por una presencia cada vez más fría, silenciosa y frágil.
El rastro de tu sangre sobre la nieve
Paleta de color - General
ORAL
SERV rary
Paleta de color. Nena Daconte
Paleta de color Billy Sanchez
Paleta de color. Cafeteria
Paleta de color. Hotel
El rastro de tu sangre sobre la nieve
Hecho por: Laura Castellanos
الأدوة
Hecho por: Karen Guio
Hecho por: Laura Castellanos
Hecho por Juan Tovar
El rastro de tu sangre sobre la nieve
Habitación Hotel
Habitación Hotel
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